Meilleurs films d'“Ozploitation” : horreurs/thrillers des années 80 - Partie 1

Harlequin (1980)

Véritablement plus accompli que le précédent film du réalisateur Simon Wincer et du scénariste Everett de Roche Snapshot (1979), Harlequin poursuit les élans d’“Ozploitation” avec des capacités surnaturelles et des pouvoirs psychiques. Cela a commencé à la fin des années 70 dans des films comme The Last Wave et Patrick.

Cependant, dans son histoire d'un homme politique entrant en contact avec une force apparemment surnaturelle, elle a une atmosphère plus similaire à celle de The Omen (1978) de Richard Donner. Mais au lieu d'un enfant diabolique infiltrant une famille éminente, c'est un homme énigmatique et magnétique nommé Gregory Wolfe (Robert Powell).

La source d'inspiration la plus évidente est impossible à manquer : Raspoutine et son influence sur la Maison Romanov dans la Russie du début des années 1900. D'une part, de nombreux personnages portent des noms similaires à ceux des acteurs impliqués dans les dernières années de la famille royale russe.

De plus, l'histoire suit les grandes lignes de l'histoire enregistrée, commençant par l'étranger mystérieux gagnant la confiance de la famille en guérissant miraculeusement un enfant malade. Et, comme Rasputin, Wolfe est montré ayant une sorte d'attrait presque hypnotique sur les femmes tandis que les hommes restent sceptiques.

Il est également sous-entendu que Wolfe pourrait en réalité être la figure historique sous un nouveau déguisement : le titre espagnol du film se traduit par « Au-delà de la réincarnation ».

Bien que les supposées capacités de Rasputin soient débattues, Harlequin laisse peu de doute sur le fait que son « guérisseur par la foi » a des pouvoirs surnaturels. Comme Wolfe démontre certaines performances plutôt fantastiques tout au long du film.

Bien que ceux-ci soient initialement rejetés comme des tours de magie, ils deviennent de plus en plus grandioses. Cependant, ils sont affichés avec parcimonie et transmis avec des effets largement pratiques qui impressionnent encore.

Le film apporte également plusieurs changements colorés à l'histoire de Rasputin, probablement pour rendre le film plus visuellement attrayant. Ainsi que plus facile à avaler dans un cadre contemporain.

Wolfe est d'abord présenté déguisé en clown de fête lors des célébrations d'anniversaire du petit Alex. Et, une fois qu'il se révèle, il est bien plus présentable que le sage homme notoirement sale, arborant des tenues et un maquillage inspirés du glam rock futuriste.

Peut-être pas surprenant, les producteurs avaient d'abord David Bowie en tête pour le rôle. Mais ils « ont eu des doutes » et ont casté Powell à la place.

Pourtant, il y a de sérieuses teintes de Labyrinthe’s Le Roi Gobelin dans les actions de Wolfe et la performance de Powell. Il apparaît d'abord à la famille (hors du maquillage de clown) en se transformant apparemment d'un oiseau et en faisant une entrée dramatique par la fenêtre d'un balcon à l'étage. Juste comme le fait Jareth de Bowie dans le film ultérieur de Jim Henson.

Et Powell (qui avait récemment joué Jésus) donne vie à Wolfe avec une démarche agile et un flair théâtral qui crie Bowie. Cependant, avec son regard perçant et sa capacité à passer sans effort du ludique au redoutable, il n'y a aucun doute qu'il a été un choix de casting parfait et la principale raison de regarder Harlequin.

Tout au long du film, les intentions de Wolfe restent ambiguës. Laisser les personnages centraux et le public incertains quant à savoir s'il infiltre la famille avec des objectifs malveillants ou bienveillants. Ce qui génère une tension considérable, malgré l'histoire autrement familière.

Note : 7.5/10

L'Anniversaire d'Alison (1981)

L'anniversaire d'Alison a un défaut fatal : le personnage titular de ce film d'horreur surnaturel est plutôt stupide. Et elle ne se serait pas mise en péril si elle avait simplement écouté un Alerte TRÈS claire ! 

Le film commence avec trois adolescentes (mais elles ne semblent pas avoir moins de vingt ans) décidant d'essayer un tableau ouija fait maison. Bien qu'Alison (Mad Max’s Joanne Samuel) ait des réserves. 

Après que Chrissie (Margie McCrae), la principale instigatrice, essaie en vain de faire répondre un esprit, le verre devient soudainement fou. Et épelle un message adressé à Alison : elle ne doit pas rentrer chez elle pour son 19e anniversaire dans trois ans. Puis les choses deviennent folles.

Cette série de scènes est très effrayante et assez choquante (malgré le fait qu'elle doive clairement une énorme dette à L'Exorciste.) Et, on pourrait penser, qu'elle ferait assez peur à quiconque pour s'assurer de fuir avant leur 19e anniversaire !

Nous reprenons trois ans plus tard, et il semble qu'Alison ait reçu le message : elle a quitté Sydney et travaille dans un magasin de disques dans une petite ville. Mais ensuite, elle reçoit un appel de sa chère tante Jenny (Bunny Brooke), lui demandant de rentrer pour son anniversaire. 

Alison est réticente, arguant que ce n'est pas un jalon important. Cependant, Jenny confie que son oncle Dean (John Bluthal) est malade et que ce pourrait être la dernière fois qu'ils seraient ensemble en tant que famille. Donc Alison accepte assez rapidement de rentrer chez elle. 

Donc malgré l'épreuve éprouvante et l'avertissement surnaturel très clair, Alison retourne dans la maison suburbains où elle a grandi. Et sa tante et son oncle aimants l'accueillent chaleureusement à bras ouverts.

Mais malgré leur comportement chaleureux, Alison commence à soupçonner que quelque chose ne va pas. D'abord, elle décide d'aller se promener au fond du jardin et tombe sur une massive structure mégalithique. Ce que son oncle explique comme étant une réplique de Stonehenge construite par l'ancien propriétaire, un astronome amateur.

Qu'elle ne l'ait jamais trouvée auparavant est plutôt ridicule, mais les rappels constants de sa tante et de son oncle concernant les serpents et les araignées au fond du jardin semblent l'avoir réellement dérangée. Ce que je veux dire... oui, ils sont en Australie !

Ensuite, elle est visitée dans la nuit par 'Granny Thorne', une vieille femme en fauteuil roulant que sa tante et son oncle ont négligé de révéler était confinée dans une chambre de la maison. Et qu'Alison n'avait jamais entendue parler auparavant. 

Elle commence également à avoir des rêves vifs de ce qui semble être des rituels païens. Et sa tante semble un peu trop enthousiaste à l'idée qu'elle boive ses célèbres toniques maison avant de se coucher. Bientôt, elle tombe mystérieusement malade et est pratiquement clouée au lit pour le reste du film. 

Vous pouvez probablement deviner de loin où tout cela mène, mais il y a quelques rebondissements intéressants dans l'histoire. Et le jeu des acteurs est solide, particulièrement Brooke et Bluthal en tant que tante et oncle joyeux et affectueux qui pourraient cacher un complot sinistre. 

Ils doivent clairement un peu de leur performance à Ruth Gordon et Sidney Blackmer dans Rosemary's Baby (1968). Et l'ambiance du film doit beaucoup à The Wicker Man (1973). 

Mais en ce qui concerne le plagiat d'autres films, ils ont choisi de bonnes inspirations. Je ne suis toujours pas remis de la stupide décision d'Alison de rentrer chez elle !

Note : 6,5/10

Road Games (1981)

Si renommer Snapshot en The Day After Halloween n’était pas un signe suffisamment fort, les cinéastes australiens étaient déterminés à profiter du succès du petit film d'horreur indépendant de John Carpenter qui a réussi. Et faire un plagiat (bien que seulement de nom) n’était pas leur seule option.

Pour son prochain effort, Patrick , le réalisateur Richard Franklin a choisi l'actrice australienne Lisa Peers comme le rôle principal féminin. Cependant, le distributeur voulait une Américaine, et leur choix s’est simplement porté sur importer la star de Halloween, Jamie Lee Curtis. Franklin voulait également que Sean Connery soit à l'affiche, mais il s'est avéré trop coûteux, donc à la place, nous avons Stacey Keach.

Évitant les éléments surnaturels du précédent film de Franklin, Road Games doit plus à Duel de Spielberg ou à Fenêtre sur cour de Hitchcock qu'à Patrick. En effet, Franklin a demandé à son collaborateur habituel Everett de Roche de lire le script de ce dernier lors du brainstorming pour leurs idées de film suivant.

C'est essentiellement un film de route avec un peu d'intrigue de tueur en série parsemée, se déroulant dans l'immensité de l'Outback. Poursuivant le sous-genre émergent des « films de voiture » australiens après Mad Max. 

L'histoire concerne un conducteur de camion américain observateur nommé Pat Quid (Keach) qui est chargé de livrer une cargaison de viande de porc de Melbourne à Perth. Au début, le voyage est sans événements, ce qui pousse Pat à bavarder avec son compagnon dingo Boswell et à observer les gens dans les voitures qui passent. 

Cependant, il commence bientôt à soupçonner que le conducteur d'une camionnette verte foncée se livre à des actes néfastes. Surtout après que des rapports de femmes disparues s'imposent à la radio.

Cependant, ses tentatives de surveiller ce possible tueur sont entravées par les personnes qu'il rencontre sur la route. Y compris une femme qu'il surnomme « Frita » (Marion Edward), dont le mari s'est enfui en la laissant alors qu'elle allait aux toilettes.

Malgré sa politique de ne pas prendre de auto-stoppeurs, « Frita » parvient à l'arrêter avec une barrière faite de papier toilette rose et monte rapidement dans la cabine. Et dans les quelques scènes qu'elle a, Edwards prouve être très drôle en tant que cette femme au foyer franche mais suspicieuse. 

Il est également ralenti par un conducteur incompétent traînant un bateau (vous pouvez probablement deviner ce qui va lui arriver). Et par la police, qui pense qu'il pourrait être le meurtrier. 

Sa chance commence à changer lorsqu'il cède à sa politique de ne pas prendre d'auto-stoppeurs et s'arrête pour une jeune femme élégamment vêtue (Curtis) qu'il a vue plusieurs fois le long de la route. Et qui est presque également obsédée par les nouvelles du tueur en série et désireuse de l'aider à enquêter sur son instinct.

Road Games est en fait plutôt amusant et a un charme attachant, en grande partie grâce à la caractérisation de Quid et à la performance vivante de Keach. Il est quelque peu désabusé et désillusionné, mais trouve toujours des moyens de s'amuser et adore citer la littérature classique. 

Il est assez drôle que tous les personnages soient crédités par le surnom que Quid leur donne, y compris « Hitch » pour Curtis, même s'ils finissent par déclarer leurs véritables noms durant le film. C'est une drôle de particularité, mais cela dit également quelque chose sur le désir de Quid, farouchement indépendant, de garder les gens à distance. 

Bien qu'elle n'ait que 25 minutes de temps d'écran (quelque chose que, avec le recul, Franklin a regretté), Curtis apporte son énergie et son charme habituels au rôle de "Hitch". Et elle a une très bonne chimie avec Keach, en particulier lors d'un moment de cœur à cœur au coin du feu.

Bien qu'un critique contemporain ait plaisanté en disant "Bien que Road Games ait été tourné en Australie, l'Outback pourrait tout aussi bien être le New Jersey Turnpike", je pense que le film utilise bien la campagne australienne comme toile de fond. Il y a une cinématographie époustouflante des lieux de l'Outback, y compris des falaises maritimes dramatiques et d'une ville déserte à moitié enterrée et abandonnée.  

Il y a aussi un peu de saveur locale ajoutée aux arrêts que Quid fait le long du trajet. Y compris une station-service menaçante tout droit sortie de "The Yabba" dans Wake in Fright, complète avec des hommes hostiles et une murale troublante montrant l'oppression des figures aborigènes. 

Il est un peu étrange que les deux personnages principaux ne fassent jamais remarquer qu'ils sont tous les deux américains dans un pays étrange. Bien que le statut de "Hitch" en tant que fille d'un diplomate américain à Canberra explique en partie sa présence (probablement ajouté après que Curtis a été choisi).

Sinon, le scénario de de Roche est solide. Les échanges entre Quid et ses passagers sont vifs et il y a plein de détails étranges à admirer. Et les scènes de poursuite sont assez palpitantes, aidées par un montage de qualité. 

Score : 8/10

Kindred Spirits (1984)

Ce téléfilm peu connu mais percutant est frappant par son juxtaposition de un cadre de plage estivale avec des visions psychiques annonciatrices de malheur. Et semble fortement influencé par le classique de Nicolas Roeg Don't Look Now (1973), bien qu'il soit vraiment plus un drame paranormal qu'un film d'horreur. Mais un solide, néanmoins.

Kindred Spirits m'a également rappelé un autre classique de l'horreur, Carnival of Souls (1962), dans son ambiance générale et plusieurs prises de vue et séquences. En particulier celles situées sur une promenade en bord de mer. 

Le film suit Julie (Julieanne Newbould), une jeune danseuse apparemment insouciante à Sydney qui prend une pause des répétitions pour se rendre à la célèbre plage de Bondi pour bronzer avec son meilleur ami Billy (David Waters).

À noter : j'ai trouvé Billy être une représentation étonnamment positive et bien équilibrée d'un homme gay. Après avoir récemment assisté à l'homophobie évidente et désolante de Snapsnot. 

Cependant, lorsqu'elle va se baigner dans l'eau, Julie est soudainement submergée par des flashes en noir et blanc de baigneurs se noyant. Cela mène à une vision prolongée où elle voit un homme sorti de l'océan et réanimé sur le sable, pour passer à côté après avoir croisé son regard. 

Ce seul événement troublant transforme Julie en une jeune femme inquiète et tourmentée qui ne peut pas sortir la "fantaisie" de sa tête. Et elle commence à voir le même homme partout où elle va, lui souriant doucement avant de disparaître dans la foule. Ou se transformant en une personne réelle complètement différente. 

Après des recherches avec Billy, elle réalise que sa vision était celle d'un événement passé (basé sur une tragédie réelle). Et que peut-être ce fantôme a des affaires inachevées.

Cependant, tout comme le personnage de Donald Sutherland dans Don’t Look Now, Julie malinterprete finalement les intentions de ce fantôme. Et le choc final s'inspire d'une autre tragédie réelle.

Bien que de savoir si son sort final s'enregistre comme tragique ou non dépend de votre interprétation. Ce qui, comme les meilleures fins, je pense, peut être interprété de plusieurs façons. 

Le scénario de Kindred Spirits est surprenamment robuste, et rempli de faux-semblants et de détournements de maîtres. Pour que vous ne voyiez pas le tournant surprenant venir et qu'il vous prenne complètement au dépourvu.

La fin a clairement été quelque peu limitée par les constraints d'un budget de téléfilm. Cependant, cela a peut-être en réalité joué en faveur du film, car le montage rapide de visuels surprenants est sans doute plus efficace que ce qu'un budget plus important aurait permis. 

Le jeu d'acteurs est également solide, avec Newbould qui se distingue en tant que Julie de plus en plus sensible. Patricia Kennedy (Tante Gussie dans la version de 1979 de la récente My Brilliant Career) laisse également une forte impression dans seulement quelques scènes. 

Au moment de l'écriture, Kindred Spirits peut être trouvé (bien que dans une qualité moyenne copiée d'une VHS) dans son intégralité sur Youtube ! 

Score : 7/10

Razorback (1984)

Le premier "film de créature" d'Australie, Razorback est le premier film réalisé par  Russell Mulcahy. Qui a commencé par réaliser un tas de clips musicaux vraiment emblématiques dans les années 70 et 80.

Comme pour ”Video Killed the Radio Star”, “Bette Davis Eyes”, “Total Eclipse of the Heart”, et “Turning Japanese”, parmi d'autres. 

Et BEAUCOUP pour Duran Duran, y compris “Hungry like the Wolf” et “Rio”, deux de mes promotions de chansons préférées ! Peut-être parce qu'elles sont tellement années 80 (et bien, j'adore aussi Duran Duran !) Mais elles sont tellement amusantes, pleines de magnifiques plans inventifs et d'un montage vif.

Mulcahy aurait ensuite une longue carrière à Hollywood remplie à la fois de films cultes de genres comme Highlander (1986) et de drames sérieux comme Prayers for Bobby (2009). Et plein d'autres clips musicaux, ainsi que de la télévision épisodique comme Teen Wolf. 

Il n'est donc pas surprenant que Razorback soit probablement le plus visuellement accompli de tous les films "Ozploitation" des années 80 que j'ai vus. Et utilise un montage rapide et des transitions de plans inventives, tout droit sortis des clips de Mulcahy, pour garder l'action captivante (de manière appropriée, une piste de Duran Duran joue aussi pendant une scène clé !). 

Dès le tout premier cadre, le réalisateur et directeur de la photographie Dean Semler déchaîne une barrage d'images surprenantes et magnifiques; la lune brillant à travers un moulin à vent et l'ombre qu'elle projette sur une ferme désolée, un plan-séquence de la bête titulaire elle-même bulldozant à travers tous les murs de ladite maison, un gros plan sur un corbeau croassant dehors d'une église.

Le récit est également efficace : nous voyons notre premier héros, le noble bushman Jake Cullen (Bill Kerr), traverser une épreuve traumatisante avec le monstre dès le départ, suivie d'incrédulité publique. Et nous le soutenons vraiment pour qu'il stoppe la créature et rétablisse son honneur. 

Et le prochain héros que nous rencontrons, la journaliste américaine de la faune au bon vouloir Beth Winters (The Plumber’s Judy Morris), est accueillie avec hostilité lorsqu'elle arrive dans la petite ville de Gumulla dans l'Outback. Ce qui, en langue aborigène, signifie "ventre ou intestin."

Approprié car l'industrie principale est l'abattage d'animaux. Mais elle est décidée à réaliser son reportage sur la chasse au kangourou, malgré le harcèlement de certains bogans désagréables.

Nous la soutenons donc aussi... mais bon, tout ce que je dirai c'est... ne vous attachez pas trop ! Mais ce mouvement du scénariste Everett de Roche (un récidiviste sur cette liste, qui s'est assez bien débrouillé à l'apogée de "l'Ozploitation") est certes efficace pour souligner le fait que le monstre n'a aucune boussole morale. 

Nous finissons par avoir un autre héros pour lequel soutenir, puis un autre. Cela aurait dû rendre le film désuni et flou, mais cela fonctionne, en prenant une page du manuel de Psycho de Hitchcock.

Alors que Winters est essentiellement la Marion Crane de ce film, et les autres personnages se rassemblent ensuite pour vaincre Norman Bates (ou, dans ce cas, un sanglier monstrueux !) Lorsqu'un héros tombe, un autre se lève. C'est en fait assez inspirant, et cela contribue à augmenter les enjeux. 

Le film se distingue également par un éclairage superbe, en particulier lors d'une séquence de hallucinante et dans les scènes nocturnes. Celles-ci sont mieux éclairées que la plupart, même aujourd'hui : les cinéastes et directeurs de la photographie en activité devraient sérieusement en prendre note.

Il ne fait aucun doute que, visuellement, Razorback est un chef-d'œuvre (Semler recevra plus tard un Oscar pour Dances with Wolves.) Et la conception sonore mérite également d'être mentionnée, aidant à créer une impression d'un mal naturel troublant pour correspondre aux meilleurs thrillers "Ozploitation" des années 70, comme The Last Wave.

Observation aléatoire : J'adore le titre espagnol du film, qui se traduit par “Les Défenses de l'Enfer”!

Note : 8/10