Meilleurs films "Ozploitation" : Horreurs/Thrillers des années 80 – Partie 1

Harlequin (1980)

Énormément plus accompli que le film quelque peu embarrassant du réalisateur Simon Wincer et du scénariste Everett de Roche Snapshot (1979), Harlequin a remporté plusieurs prix prestigieux au Festival International du Film Fantastique de Sitges.

Le thriller fantastique poursuit la romance d'“Ozploitation” avec des capacités surnaturelles et des pouvoirs psychiques. Ce qui a commencé à la fin des années 70 dans des films comme The Last Wave et Patrick.

Cependant, dans son histoire d'un politicien entrant en contact avec une force apparemment surnaturelle, il a une atmosphère qui rappelle davantage The Omen de Richard Donner (1978). Mais au lieu d'un enfant diabolique infiltrant une famille éminente, c'est un homme énigmatique et magnétique nommé Gregory Wolfe (Robert Powell).

La source d'inspiration la plus évidente est impossible à manquer : Raspoutine et son influence sur la Maison des Romanov au début des années 1900 en Russie. D'une part, de nombreux personnages partagent des noms similaires avec les protagonistes des dernières années de la famille royale russe.

Qui plus est, l'histoire suit les grandes lignes de l'histoire enregistrée, commençant par l'étranger mystérieux gagnant la confiance de la famille en guérissant miraculeusement un enfant malade. Et, comme Raspoutine, Wolfe a un attrait presque hypnotique sur les femmes tandis que les hommes restent sceptiques.

Il est également sous-entendu que Wolfe pourrait en fait être la figure historique sous une nouvelle apparence : le titre espagnol du film se traduit par « Au-delà de la réincarnation ».

Bien que les prétendues capacités de Raspoutine soient débattues, Harlequin laisse peu de doute sur le fait que son « guérisseur de foi » possède des pouvoirs surnaturels. Comme Wolfe démontre des exploits plutôt fantastiques tout au long du film.

Bien que ceux-ci soient initialement rejetés comme des tours de magie, ils deviennent de plus en plus spectaculaires. Cependant, ils sont affichés avec parcimonie et transmis avec des effets largement pratiques qui émerveillent encore.

Le film apporte également plusieurs changements colorés à l'histoire de Raspoutine, probablement pour rendre le film plus visuellement attrayant. Ainsi que plus facile à digérer dans un cadre contemporain.

Wolfe est d'abord présenté déguisé en clown de fête lors des célébrations d'anniversaire du petit Alex. Et, une fois qu'il se révèle, il est bien plus présentable que le notoire saint homme sale, arborant des tenues inspirées du glam rock futuriste et du maquillage.

Peu surprenant, les producteurs avaient initialement pensé à David Bowie pour le rôle. Mais ils « ont eu des doutes » et ont plutôt choisi Powell.

Cependant, il y a de sérieuses nuances du Roi Gobelin de Labyrinth dans les actions de Wolfe et la performance de Powell. Il apparaît d'abord à la famille (sans maquillage de clown) en se transformant apparemment d'un oiseau et en faisant une entrée dramatique par la fenêtre d'un balcon à l'étage. Tout comme le fait Jareth de Bowie dans le film ultérieur de Jim Henson.

Et Powell (qui avait récemment joué Jésus) donne vie à Wolfe avec une démarche agile et un flair théâtral qui crie Bowie. Cependant, avec son regard perçant et sa capacité à passer sans effort du ludique au redoutable, il ne fait aucun doute qu'il était un choix de casting parfait et la principale raison de regarder Harlequin.

Tout au long du film, les intentions de Wolfe restent ambiguës. Laissant à la fois les personnages centraux et le public incertains de savoir s'il s'infiltre dans la famille avec des objectifs malveillants ou bienveillants. Ce qui génère une tension considérable, malgré l'histoire autrement familière.

Note : 7.5/10

Road Games (1981)

Si renommer Snapshot en The Day After Halloween n'était pas un signe assez fort, les cinéastes australiens étaient déterminés à capitaliser sur le succès de John Carpenter avec son petit film d'horreur indépendant qui a frappé fort. Et faire un plagiat (du moins de nom) n'était pas leur seule option.

Pour son prochain film Patrick, le réalisateur Richard Franklin a engagé l'actrice australienne Lisa Peers comme le rôle principal féminin. Cependant, le distributeur voulait une Américaine, et leur choix a simplement été de importer la star de Halloween, Jamie Lee Curtis. Franklin voulait également que Sean Connery soit la vedette, mais il s'est avéré trop cher, donc à la place, nous avons Stacey Keach.

Évitant les éléments surnaturels du film précédent de Franklin, Road Games doit plus à Spielberg’s Duel ou à Hitchcock’s Rear Window qu’à Patrick. En effet, Franklin a demandé à son collaborateur de longue date Everett de Roche de lire le script de ce dernier lorsqu'ils brainstormaient des idées pour leur prochain film.

C’est essentiellement un road movie avec un peu d'intrigue de tueur en série, et se déroule dans l'immensité de l'Outback. Poursuivant le sous-genre émergent des films australiens de "voitures" après Mad Max. 

L'histoire concerne un conducteur de camion américain observateur nommé Pat Quid (Keach) qui a pour mission de livrer une cargaison de viande de porc de Melbourne à Perth. Au début, le voyage est sans incident, ce qui pousse Pat à discuter avec son compagnon dingo Boswell et à observer les passants dans les voitures qui passent. 

Cependant, il commence bientôt à soupçonner que le conducteur d'un fourgon vert foncé est impliqué dans des actes néfastes. Surtout après que des rapports de femmes disparues sont diffusés à la radio.

Cependant, ses tentatives de surveiller ce possible tueur sont entravées par les personnes qu'il rencontre sur la route. Y compris une femme qu'il appelle "Frita" (Marion Edward), dont le mari est parti en la laissant alors qu'elle allait aux toilettes.

Malgré sa politique de ne pas prendre d'auto-stoppeurs, “Frita” parvient à l'arrêter avec une barrière faite de papier toilette rose et saute rapidement dans la cabine. Et dans les quelques scènes qu'elle a, Edwards prouve qu'elle est vraiment amusante en tant que cette ménagère effrontée mais suspicieuse. 

Il est également ralenti par un conducteur incompétent qui remorque un bateau (vous pouvez probablement deviner ce qui va lui arriver). Et par la police, qui pense qu'il pourrait être le meurtrier. 

Sa chance commence à changer après qu'il abandonne sa politique de ne pas prendre d'auto-stoppeurs et s'arrête pour une jeune femme élégamment vêtue (Curtis) qu'il a vue plusieurs fois le long de la route. Et qui est presque également obsédée par les nouvelles du tueur en série et désireuse de l'aider à enquêter sur son intuition.

Road Games est en fait assez amusant et a un charme attachant, grâce en grande partie à la caractérisation de Quid et à la performance vivante de Keach. Il est quelque peu désabusé et désillusionné, mais trouve toujours des moyens de s'amuser et adore citer la littérature classique. 

C'est assez drôle que tous les personnages soient crédités par le nom que Quid leur donne, y compris "Hitch" pour Curtis, même s'ils finissent par dire leurs vrais noms au cours du film. C'est une caractéristique amusante, mais cela peut également dire quelque chose sur le désir de Quid, très indépendant, de garder les gens à distance. 

Bien qu'elle ne dispose que d'environ 25 minutes de temps d'écran (quelque chose que, avec le recul, Franklin a dit qu'il regrettait), Curtis apporte son habituel peps et charme au rôle de “Hitch.” Et elle a une excellente chimie avec Keach, notamment lors d'une conversation intime au coin du feu.

Bien qu'un critique contemporain ait plaisanté en disant : “Bien que Road Games ait été tourné en Australie, l'Outback pourrait tout aussi bien être le New Jersey Turnpike,” je pense que le film fait bon usage de la campagne australienne comme toile de fond. Il y a de superbes cinématographies de lieux de l'Outback, y compris des falaises bordées de mer spectaculaires et d'une ville du désert abandonnée à moitié ensevelie.  

Il y a aussi une touche locale épicée aux arrêts que fait Quid le long du chemin. Y compris un arrêt de camion menaçant tout droit sorti de “The Yabba” dans Wake in Fright, avec des hommes hostiles et une murale troublante montrant l'oppression de figures aborigènes. 

C'est un peu étrange que les deux personnages principaux ne commentent jamais le fait qu'ils sont tous les deux Américains dans un pays étrange. Bien que le statut de “Hitch” en tant que fille d'un diplomate américain à Canberra explique en partie sa présence (ajoutée probablement après que Curtis a été choisi).

Sinon, le scénario de de Roche est solide. Le dialogue entre Quid et ses passagers est vif et il y a beaucoup de petits détails originaux à admirer. Et les scènes de poursuite sont plutôt palpitantes, aidées par un montage efficace. 

Note : 8/10

Kindred Spirits (1984)

Ce téléfilm peu connu mais marquant est frappant par son juxtaposition d'un cadre de plage estivale avec des visions psychiques chargées de malheur. Et il semble fortement influencé par le classique de Nicolas Roeg Don’t Look Now (1973), bien que ce soit en réalité plus un drame paranormal qu'un film d'horreur. Mais un solide, néanmoins.

Kindred Spirits m'a aussi rappelé un autre classique de l'horreur, Carnival of Souls (1962), dans son ambiance générale et plusieurs plans et séquences. Particulièrement ceux situés sur une promenade en bord de mer. 

L’intrigue suit Julie (Julieanne Newbould), une jeune danseuse apparemment insouciante à Sydney qui fait une pause dans ses répétitions pour se rendre à la célèbre plage de Bondi pour bronzer avec son meilleur ami Billy (David Waters).

Note annexe : J'ai trouvé que Billy était une représentation agréablement positive et bien équilibrée d'un homme gay. Après avoir récemment subi l'homophobie flagrante et désolante de Snapsnot.

Cependant, lorsqu'elle va se baigner, Julie est soudainement submergée par des flashes en niveaux de gris de baigneurs se noyant. Cela conduit à une vision prolongée où elle voit un homme être sorti de l'océan et réanimé sur le sable, seulement pour décéder après lui avoir lancé un regard.

Ce seul événement troublant transforme Julie en une jeune femme tourmentée et inquiète qui ne peut pas se sortir la “fantaisie” de la tête. Et elle commence à voir le même homme partout où elle va, souriant doucement à elle avant de disparaître dans une foule. Ou se transformant en une personne réelle complètement différente.

Après que elle et Billy aient fait quelques recherches, elle se rend compte que sa vision était d'un événement passé (basé sur une tragédie réelle). Et que peut-être ce fantôme a des affaires inachevées.

Cependant, similaire au personnage de Donald Sutherland dans Don’t Look Now, Julie interprète finalement mal les intentions de ce fantôme. Et le choc culminant est inspiré par une autre tragédie réelle.

Bien que le sort final de son personnage soit perçu comme tragique ou non dépendra de votre interprétation. Ce qui, comme les meilleures fins, peut être interprété de plusieurs manières.

Le scénario de Kindred Spirits est étonnamment solide, et rempli de faux-semblants et de détournements habiles. De sorte que vous ne voyez pas le twist surprise venir et cela vous prend complètement au dépourvu.

La fin a clairement été quelque peu restreinte par les limites d'un budget de téléfilm. Cependant, cela a peut-être en fait joué en faveur du film, car le montage rapide de visuels surprenants est sans doute plus efficace que ce qu'un budget plus conséquent aurait permis.

Les performances sont également solides, avec Newbould qui se distingue en tant que Julie de plus en plus sensible. Patricia Kennedy (Tante Gussie dans la version de 1979 de la récente adaptation de My Brilliant Career) fait également forte impression en juste quelques scènes.

Au moment de la rédaction, Kindred Spirits peut être trouvé (bien que de qualité moyenne, copiée d'une VHS) dans son intégralité sur Youtube !

Note : 7/10

Razorback (1984)

Le premier « film de créature » d'Australie, Razorback est le premier film en tant que réalisateur de  Russell Mulcahy. Qui a commencé par réaliser une tonne de clips musicaux vraiment emblématiques dans les années 70 et 80.

Comme pour « Video Killed the Radio Star », « Bette Davis Eyes », « Total Eclipse of the Heart », et « Turning Japanese », parmi d'autres. 

Et BEAUCOUP pour Duran Duran, y compris « Hungry like the Wolf » et « Rio », deux de mes clips préférés de tous les temps ! Peut-être parce qu'ils sont si typiquement des années 80 (et eh bien, j'adore aussi Duran Duran !) Mais ils sont tellement amusants, pleins de plans magnifiques et inventifs et un montage vif.

Mulcahy continuerait à avoir une longue carrière à Hollywood remplie de cultes de genre favoris comme Highlander (1986) et des drames sérieux comme Prayers for Bobby (2009). Et plein d'autres clips musicaux, ainsi que des séries télévisées épisodiques comme Teen Wolf. 

Il n'est donc pas surprenant que Razorback soit probablement le plus visuellement accompli de tous les films « Ozploitation » des années 80 que j'ai vus. Il utilise un montage rapide et des transitions de plans inventives, tout droit sortis des clips de Mulcahy, pour maintenir l'action engageante (de manière appropriée, une piste de Duran Duran joue également lors d'une scène clé!). 

Dès le tout premier plan, le réalisateur et directeur de la photographie Dean Semler lâche une salve d'images saisissantes et magnifiques ; la lune brillant à travers un moulin à vent et l'ombre qu'elle projette sur une ferme désolée, une plongée sur la bête titulaire se frayant un chemin à travers tous les murs de cette maison, un gros plan sur un corbeau croassant devant une église.

Le récit est également efficace : nous voyons notre premier héros, le noble bushman Jake Cullen (Bill Kerr), traverser une épreuve traumatisante avec le monstre dès le départ, suivie d'un scepticisme public. Et nous sommes vraiment en train de l'encourager à stopper la créature et à laver son honneur. 

Et le prochain héros que nous rencontrons, la rapporteuse de la faune américaine bien intentionnée Beth Winters (The Plumber’s Judy Morris), est accueillie avec hostilité lorsqu'elle arrive dans la petite ville du bush de Gumulla. Ce qui, dans la langue aborigène, signifie  « intestin ou boyau ».

Approprié car l'industrie principale est l'abattage d'animaux. Mais elle est décidée à faire son reportage sur la chasse aux kangourous, malgré le harcèlement de certains bogans désagréables.

Alors nous la soutenons aussi… mais tout ce que je dirai, c'est… ne vous attachez pas trop ! Mais ce mouvement du scénariste Everett de Roche (un récidiviste sur cette liste, qui s'en est plutôt bien sorti au sommet de l’« Ozploitation ») est effectivement efficace pour souligner le fait que le monstre n'a aucun sens moral. 

Nous finissons par avoir un autre héros pour lequel se battre, puis un autre. Cela aurait dû rendre le film disjoint et peu concentré, mais ça fonctionne, en prenant une page du manuel de Psycho d'Hitchcock.

Alors Winters est essentiellement la Marion Crane de ce film, et les autres personnages se rassemblent ensuite pour vaincre Norman Bates (ou, dans ce cas, un sanglier monstrueux !). Quand un héros tombe, un autre se lève. C'est en fait assez inspirant, et cela aide à augmenter les enjeux. 

Le film se vante également d'une lumière superbe, en particulier lors d'une séquence hallucinante décadente et dans les scènes nocturnes. Qui sont mieux éclairées que la plupart, même aujourd'hui : les réalisateurs et les directeurs de la photographie en activité devraient sérieusement en prendre note.

Il ne fait aucun doute que, visuellement, Razorback est un chef-d'œuvre (Semler remportera plus tard un Oscar pour Dances with Wolves.) Et le design sonore mérite également d'être mentionné, aidant à créer un sentiment d'un mal naturel troublant pour correspondre aux meilleurs thrillers "Ozploitation" des années 70, comme The Last Wave.

Observation aléatoire : J'adore le titre espagnol du film, qui se traduit par “Les Crocs de l'Enfer”!

Note : 8/10

Mention Honorable: Strange Behavior (1981)

La définition même d'un film B, Strange Behavior tente un commentaire social sur la montée de la violence entre les adolescents. Mais cela tombe à plat au milieu d'une caractérisation superficielle, d'un scénario de scientifique fou ridicule et de dialogues vraiment atroces. 

Assez surprenant étant donné que c'était le premier scénario de Bill Condon, qui remportera plus tard un Oscar pour son scénario de Gods and Monsters (1998) et une nomination pour son travail sur Chicago (2002). Mais bien, il a également réalisé les deux derniers films Twilight, alors allez savoir. 

La chose la plus notable à propos de ce film est qu'il était le premier film d'horreur produit en Nouvelle-Zélande, malgré son cadre américain. Alors que Auckland et ses banlieues faisaient office de petite ville de l'Illinois, plutôt de manière convaincante.

Posant en quelque sorte un précédent, alors que des horreurs ultérieures comme The Frighteners de Peter Jackson (1996) et les films les plus récents Evil Dead ont également présenté des paysages néo-zélandais comme américains. Mais bon, c’est toujours considéré comme “Ozploitation”, en grande partie en raison des contributions du producteur australien Antony I. Ginnane.

Cependant, les producteurs ont également choisi d'importer un casting principalement américain. Comprenant l'Oscar de Vol au-dessus d'un nid de coucou Louise Fletcher (dans un rôle secondaire totalement ingrat, et elle a l'air un peu embarrassée d'être là.)

Et Micheal Murphy dans le rôle principal, le shérif sans fioritures John Brady. Dont les critiques contemporaines de l'époque ont loué le jeu, ce que je ne peux pas comprendre, parce que Murphy est MAUVAIS dans ce film. 

L'acteur vétéran a donné de nombreuses performances solides au cours de sa carrière, tant avant qu'après ce film, notamment dans plusieurs classiques de Robert Altman, The Year of Living Dangerously de Peter Weir (1982), et Batman Returns (1992). Mais ici il semble incroyablement figé, délivrant la plupart de ses répliques dans un genre de chuchotement en colère. 

Il n'a pas été aidé par la direction amateur, car le réalisateur Michael Laughlin semble plus intéressé par l'arrière de sa tête que par la capture de ses (limitées) expressions. Cela inclut un plan apparemment sans fin où Murphy et Fletcher tentent d'ouvrir un crypt dans un mausolée, ce qui vous fera vérifier votre montre.

Au moins les acteurs jouant les méchants s'en sortent mieux. Bien qu'ils doivent débiter certaines des expositions les plus ridicules du film, Arthur Dignam et Fiona Lewis semblent savoir exactement quel type de film ils sont dans et se délectent de leurs rôles de scientifiques fous.

Le film fait également référence à ses inspirations de films B des années 50 en faisant porter à l'un des meurtriers un masque à la ressemblance de l'acteur Tor Johnson, mieux connu pour ses collaborations avec le célèbre Ed Wood. Et c'est en fait assez perturbant, en particulier pendant une séquence dans une piscine, probablement la seule scène vraiment effrayante du film. 

En fin de compte, la plus grande source de plaisir vient de repérer lesquels des interprètes sont des acteurs néo-zélandais en fonction de leurs accents oscillants. Ce qui en dit long sur la valeur divertissante du reste de Strange Behavior.

Note : 4/10

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