Por qué hice la lista:
Después de explorar las mejores “Ozplotiation” películas de terror/thriller de los 70, era hora de pasar a la próxima década!
Y, como la producción de “Ozploitation” películas aumentó significativamente en los 80, decidí dividir la lista a la mitad. ¡Así que echemos un vistazo a algunas de las mejores películas de la primera mitad de los 80! Y ¡una "Mención Deshonrosa"!
Nota: No incluí la seminal película de terror de los 80 “Ozploitation” Next of Kin (1982) ya que ya le dediqué una reseña completa.
Tampoco incluí el thriller de Ozploitation más conocido de los 80, Mad Max 2: The Road Warrior (1981) ¡Ya que asumo que la mayoría de las personas ya están familiarizadas con ella!
Harlequin (1980)
Mucho más logrado que la película anterior del director Simon Wincer y el guionista Everett de Roche Snapshot (1979), Harlequin continúa con el “Ozploitation” en su coqueteo con habilidades sobrenaturales y poderes psíquicos. Que comenzó a finales de los 70 en películas como The Last Wave y Patrick.
Sin embargo, en su historia de un político que entra en contacto con una fuerza aparentemente sobrenatural, tiene un sentimiento más similar al The Omen (1978) de Richard Donner. Pero en lugar de un niño diabólico infiltrándose en una familia prominente, es un enigmático y magnético hombre llamado Gregory Wolfe (Robert Powell).
La inspiración más obvia es imposible de perderse: Rasputin y su influencia sobre la Casa de los Romanov en Rusia a principios del 1900. Por un lado, muchos personajes comparten nombres similares a los actores involucrados en los últimos años de la familia real rusa.
Además, la historia sigue los lineamientos generales de la historia registrada, comenzando con el misterioso forastero ganando la confianza de la familia al curar milagrosamente a un niño enfermo. Y, como Rasputin, se muestra que Wolfe tiene una atracción casi hipnótica sobre las mujeres mientras los hombres permanecen escépticos.
También se insinúa que Wolfe podría ser la figura histórica en una nueva apariencia: el título español de la película se traduce como “Más Allá de la Reencarnación“.
Aunque las supuestas habilidades de Rasputin son debatidas, Harlequin deja poco espacio a dudas de que su “curandero de fe” tiene poderes sobrenaturales. A medida que Wolfe demuestra hazañas bastante fantásticas a lo largo de la película.
Aunque inicialmente son desestimadas como trucos de magia, se vuelven cada vez más bombásticas. Sin embargo, se muestran de manera esporádica y se transmiten con efectos prácticos en su mayoría que aún asombran.
La película también realiza varios cambios coloridos en la historia de Rasputin, presumiblemente para hacer que la película sea más visualmente atractiva, así como más fácil de digerir en un contexto contemporáneo.
Wolfe es presentado inicialmente disfrazado de payaso de fiesta en las celebraciones de cumpleaños del pequeño Alex. Y, una vez que se revela, es mucho más presentable que el notoriamente sucio santo, luciendo algunos trajes y maquillaje inspirados en el glam rock futurista.
Quizás, no sorprendentemente, los productores inicialmente tenían a David Bowie en mente para el rol. Pero “se echaron atrás” y eligieron a Powell en su lugar.
No obstante, hay seriosas sombra de Labyrinth‘s The Goblin King en ambas acciones de Wolfe y en la actuación de Powell. Primero aparece ante la familia (fuera del maquillaje de payaso) aparentemente transformándose de un pájaro y haciendo una entrada dramática por la ventana de un balcón en el segundo piso. Justo como lo hace Jareth de Bowie en la posterior película de Jim Henson.
Y Powell (quien recientemente interpretó a Jesús) da vida a Wolfe con un andar ágil y un estilo teatral que grita Bowie. Sin embargo, con su mirada penetrante y la habilidad de cambiar sin esfuerzo de juguetón a temible, no hay duda de que fue una elección de casting perfecta y la principal razón para ver Harlequin.
Durante gran parte de la película, las intenciones de Wolfe quedan ambiguas. Dejando tanto a los personajes centrales como a la audiencia inseguro sobre si está infiltrándose en la familia con objetivos maliciosos o benévolos. Lo cual genera una tensión considerable, a pesar de la historia familiar.
Puntuación: 7.5/10
Where to Watch Harlequin (1980)
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Cumpleaños de Alison (1981)
El Cumpleaños de Alison tiene un defecto fatal: el personaje titular de este horror sobrenatural es bastante tonto. Y no se habría encontrado en peligro si tan solo hubiera escuchado una advertencia MUY clara!
La película comienza con tres chicas adolescentes (pero no parecen tener menos de veinte) decidiendo probar una tabla ouija hecha en casa. Aunque Alison (Mad Max’s Joanne Samuel) tiene reservas.
Después de que la coercitiva líder Chrissie (Margie McCrae) intenta en vano que un espíritu responda, de repente el vaso se vuelve loco. Y escribe un mensaje dirigido a Alison: ella no debe regresar a casa para su décimo noveno cumpleaños dentro de tres años. Entonces las cosas se vuelven locas.
Esta secuencia es muy espeluznante y bastante impactante (a pesar de deberle claramente una enorme deuda a El Exorcista.) Y, pensarías, asustaría a cualquiera lo suficiente como para asegurarse de salir corriendo antes de su décimo noveno cumpleaños!
Luego nos encontramos tres años después, y parece que Alison recibió el mensaje: se ha mudado de Sídney y está trabajando en una tienda de discos en un pequeño pueblo. Pero luego recibe una llamada de su amada tía Jenny (Bunny Brooke), implorándole que regrese a casa para su cumpleaños.
Alison es reacia, razonando que no es un hito importante. Sin embargo, Jenny confiesa que su tío Dean (John Bluthal) está enfermo y que podría ser la última vez que estén juntos como familia. Así que Alison rápidamente acepta regresar a casa.
Así que a pesar de la desgarradora experiencia y la advertencia sobrenatural muy clara, Alison regresa a la casa suburbana donde creció. Y su cariñosa tía y tío la reciben con los brazos abiertos.
Pero a pesar de su cálida actitud, Alison empieza a sospechar que algo no está bien. Primero, decide dar un paseo por la parte trasera del jardín y se topa con una masiva estructura megalítica. Lo cual su tío explica como una réplica de Stonehenge construida por el anterior propietario, un astrónomo aficionado.
Que nunca lo haya encontrado antes es bastante ridículo, pero las constantes advertencias de su tía y su tío sobre serpientes y arañas en la parte trasera del jardín parecen haberla desanimado previamente. Lo que quiero decir es... sí, ¡están en Australia!
A continuación, la visita en la noche ‘Abuela Thorne’, una anciana en silla de ruedas que su tía y su tío no revelaron que estaba confinada a un dormitorio en la casa. Y de quien Alison nunca había oído hablar antes.
También empieza a tener sueños vívidos de lo que parecen ser rituales paganos. Y su tía parece estar demasiado ansiosa para que beba sus famosos tónicos caseros antes de dormir. Pronto, misteriosamente se enferma y prácticamente queda postrada en la cama durante el resto de la película.
Probablemente puedes adivinar a millas lo que todo esto está conduciendo, pero hay algunos giros interesantes en la historia. Y la actuación es sólida, particularmente Brooke y Bluthal como la tía y el tío alegres y cariñosos que podrían estar escondiendo un siniestro plan.
Claramente deben sus actuaciones un poco de deuda a Ruth Gordon y Sidney Blackmer en Rosemary’s Baby (1968). Y la atmósfera de la película está fuertemente deudada a The Wicker Man (1973).
Pero en lo que respecta a copiar otras películas, eligieron inspiraciones bastante buenas. ¡Todavía no supero la estúpida decisión de Alison de regresar a casa!
Puntuación: 6.5/10
Road Games (1981)
Si cambiar el título de Snapshot a The Day After Halloween no fue una señal suficientemente fuerte, los cineastas australianos estaban interesados en sacar provecho del éxito de John Carpenter y su pequeña película de terror independiente que pudo. Y hacer un plagio (aunque solo de nombre) no fue su única opción.
Para su siguiente esfuerzo, Patrick, el director Richard Franklin contrató a la actriz australiana Lisa Peers como la protagonista femenina. Sin embargo, el distribuidor quería a una estadounidense, y su elección fue simplemente importar a la estrella de Halloween, Jamie Lee Curtis. Franklin también quería que Sean Connery fuera la estrella, pero demostró ser demasiado caro, así que en cambio tenemos a Stacey Keach.
Eludiendo los elementos sobrenaturales de la película anterior de Franklin, Road Games debe más a Duel de Spielberg o a Rear Window de Hitchcock que a Patrick. De hecho, Franklin hizo que su colaborador habitual Everett de Roche leyera el guion para este último al generar ideas para su próxima película.
Básicamente es una película de carretera con un poco de intriga de asesino en serie, y tiene lugar en la vasta extensión del Outback. Continuando el subgénero emergente de películas australianas de "autos" después de Mad Max.
La historia trata sobre un observador conductor de camiones estadounidense llamado Pat Quid (Keach) que tiene la tarea de entregar una carga de carne de cerdo desde Melbourne a Perth. Al principio, el viaje es tranquilo, lo que lleva a Pat a charlar con su compañero dingo Boswell y observar a las personas en los autos que pasan.
Sin embargo, pronto comienza a sospechar que el conductor de una furgoneta verde oscuro está en cosas nefastas. Especialmente después de que informes sobre mujeres desaparecidas suenan en su radio.
No obstante, sus intentos de vigilar a este posible asesino se ven obstaculizados por las personas que conoce a lo largo del camino. Incluyendo a una mujer a la que llama "Frita" (Marion Edward), cuyo esposo se alejó y la dejó mientras ella iba al baño.
A pesar de su política de no llevar autostopistas, "Frita" logra detenerlo con una barrera hecha de papel higiénico rosa y rápidamente salta a la cabina. Y en las pocas escenas que tiene, Edwards demuestra ser muy divertida como esta casa que es bruta pero sospechosa.
También se ve ralentizado por un conductor incompetente que arrastra un bote (probablemente puedes adivinar lo que le sucederá). Y por la policía, que piensa que podría ser el asesino.
Su suerte comienza a cambiar después de que se rinde en su política de no recoger autostopistas y se detiene por una joven elegantemente vestida (Curtis) que había visto varias veces a lo largo de la carretera. Y que está casi igualmente obsesionada con las noticias del asesino en serie y ansiosa por ayudarlo a investigar su corazonada.
Road Games es en realidad bastante divertida y tiene un encanto entrañable, gracias en gran parte a la caracterización de Quid y la actuación vivaz de Keach. Es algo cínico y desilusionado, pero siempre encuentra maneras de divertirse y le encanta citar literatura clásica.
Es bastante divertido que todos los personajes sean acreditados por el apodo que Quid les da, incluyendo a “Hitch” de Curtis, incluso si llegan a decir sus verdaderos nombres durante la película. Es una peculiaridad divertida, pero quizás también dice algo sobre el deseo del ferozmente independiente Quid de mantener a la gente a distancia.
Aunque solo tiene alrededor de 25 minutos de tiempo en pantalla (algo de lo que, en retrospectiva, Franklin dijo que se arrepentía), Curtis aporta su habitual energía y encanto al papel de “Hitch.” Y tiene una química bastante buena con Keach, particularmente durante un emotivo intercambio junto al fuego.
Aunque un crítico contemporáneo bromeó “Aunque Road Games fue filmada en Australia, el Outback podría ser perfectamente el New Jersey Turnpike,” creo que la película en realidad hace buen uso del campo australiano como telón de fondo. Hay una impresionante cinematografía de los paisajes del Outback, incluyendo acantilados dramáticos junto al mar y un pueblo abandonado, medio enterrado, en el desierto.
También hay un poco de sabor local mezclado en las paradas que Quid hace a lo largo de la ruta. Incluyendo una estación de camiones amenazante, sacada de “The Yabba” en Wake in Fright, completa con hombres hostiles y un inquietante mural que muestra la opresión de figuras aborígenes.
Es un poco raro que los dos personajes principales nunca comenten el hecho de que ambos son americanos en una tierra extraña. Aunque el estatus de “Hitch” como hija de un diplomático estadounidense en Canberra explica en parte su presencia (probablemente añadido después de que Curtis fue elegida).
De lo contrario, el guion de de Roche es sólido. El intercambio entre Quid y sus pasajeros es ágil y hay muchos detalles peculiares que admirar. Y las escenas de persecución son bastante emocionantes, ayudadas por una excelente edición.
Puntuación: 8/10
Where to Watch Road Games (1981)
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Kindred Spirits (1984)
Esta película para televisión poco conocida pero impactante resalta por su yuxtaposición de un ambiente playero veraniego con visiones psíquicas cargadas de fatalismo. Y se siente muy influenciada por el clásico de Nicolas Roeg Don’t Look Now (1973), aunque es más un drama paranormal que una película de terror. Pero uno sólido, no obstante.
Kindred Spirits también me recordó a otro clásico del terror, Carnival of Souls (1962), en su atmósfera general y en varios planos y secuencias. Particularmente aquellas ambientadas en un paseo marítimo.
La trama sigue a Julie (Julieanne Newbould), una joven bailarina aparentemente despreocupada en Sídney que toma un descanso de los ensayos para viajar a la famosa Bondi Beach a tomar el sol con su mejor amigo Billy (David Waters).
Nota aparte: encontré que Billy es una representación refrescantemente positiva y bien desarrollada de un hombre gay. Después de soportar recientemente la homofobia descarada de Snapsnot.
No obstante, cuando ella va a zambullirse en el agua, Julie es repentinamente abrumada por destellos en escala de grises de bañistas ahogándose. Esto conduce a una visión extendida donde ve a un hombre siendo sacado del océano y revivido en la arena, solo para fallecer después de cruzar miradas con ella.
Este único evento inquietante convierte a Julie en una joven problemática y preocupada que no puede sacar la "fantasía" de su cabeza. Y comienza a ver al mismo hombre en todas partes a donde va, sonriendo suavemente antes de desaparecer en una multitud. O transformándose en una persona completamente diferente y real.
Después de que ella y Billy investigan un poco, se da cuenta de que su visión era de un evento pasado (basado en una tragedia real). Y que tal vez este fantasma tiene algunos asuntos pendientes.
Sin embargo, similar al personaje de Donald Sutherland en Don’t Look Now, Julie finalmente malinterpreta las intenciones de este fantasma. Y el sorprendente clímax está inspirado en otra tragedia real.
Aunque si su eventual destino se registra como trágico o no depende de tu interpretación. Lo cual, como los mejores finales, creo que puede ser interpretado de varias maneras.
El guion de Kindred Spirits es sorprendentemente robusto, y está lleno de falsos indicios y dirección magistral. Así que no ves venir el giro sorpresa y te sorprende por completo.
El final claramente ha sido algo contenido por los límites de un presupuesto de película para televisión. Sin embargo, esto podría haber jugado a favor de la película, ya que la edición rápida de imágenes sorprendentes es argumentablemente más efectiva que lo que un presupuesto más grande habría permitido.
La actuación también es sólida, con Newbould destacando como la cada vez más sensible Julie. Patricia Kennedy (Tía Gussie en la versión de 1979 de la recientemente remakeada My Brilliant Career) también causa una fuerte impresión en solo un par de escenas.
Hasta el momento de escribir, Kindred Spirits se puede encontrar (aunque en calidad intermedia copiada de un VHS) en su totalidad en Youtube!
Puntuación: 7/10
Where to Watch Kindred Spirits (1984)
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Razorback (1984)
El primer "creature feature" de Australia, Razorback es el debut como director de Russell Mulcahy. Quien comenzó dirigiendo un montón de videos musicales verdaderamente icónicos en los 70 y 80.
Como por ejemplo ”Video Killed the Radio Star”, “Bette Davis Eyes”, “Total Eclipse of the Heart”, y “Turning Japanese”, entre otros.
Y MUCHOS para Duran Duran, incluyendo “Hungry like the Wolf” y “Rio”, dos de mis promociones musicales favoritas de todos los tiempos! Tal vez porque son tan de los 80 (y, bueno, ¡también amo a Duran Duran!) Pero son tan divertidos, llenos de hermosas tomas inventivas y edición ágil.
Mulcahy continuaría teniendo una larga carrera en Hollywood llena de favoritos de culto de género como Highlander (1986) y dramas serios como Prayers for Bobby (2009). Y muchos más videos musicales, así como televisión episódica como Teen Wolf.
No es sorprendente entonces que Razorback sea probablemente la más visualmente lograda de todas las películas "Ozploitation" de los 80 que he visto. Y usa edición rápida y transiciones de tomas inventivas, directamente de los videos musicales de Mulcahy, para mantener la acción atractiva (apropiadamente, ¡una canción de Duran Duran también suena durante una escena clave!).
Desde el primer fotograma, el director y cinematógrafo Dean Semler desatan una salva de imágenes sorprendentes y hermosas; la luna brillando a través de un molino de viento y la sombra que proyecta sobre una granja desolada, un plano de seguimiento de la bestia titular arrasando todas las paredes de dicha casa, un primer plano de un cuervo graznando fuera de una iglesia.
La narración también es efectiva: vemos a nuestro primer héroe, el noble cazador de recompensas Jake Cullen (Bill Kerr), pasar por una experiencia traumática con el monstruo desde el principio, seguido de la incredulidad pública. Y realmente estamos animándolo para que detenga a la criatura y limpie su nombre.
Y el próximo héroe que conocemos, una reportera de vida silvestre estadounidense bien intencionada Beth Winters (The Plumber’s Judy Morris), es recibida con hostilidad cuando llega a la pequeña ciudad del Outback de Gumulla. Lo cual en el idioma aborigen significa “estómago o intestino.”
Apropiado porque la principal industria es el sacrificio de animales. Pero ella está decidida a hacer su informe sobre la caza de canguros, a pesar del acoso de algunos desagradables bogans.
Así que también estamos animándola… pero, bueno, todo lo que diré es… ¡no te encariñes demasiado! Pero este movimiento del guionista Everett de Roche (un reincidente en esta lista, quien hizo bastante bien para sí mismo durante la época de “Ozploitation”) es, admitidamente, efectivo para enfatizar aún más el hecho de que el monstruo no tiene brújula moral.
Eventualmente conseguimos otro héroe por el que animar, y luego otro. Esto debería haber hecho que la película se sintiera disojuntada y sin enfoque, pero funciona, tomando una página del manual de Psycho de Hitchcock.
Ya que Winters es esencialmente la Marion Crane de esta película, y los otros personajes luego se juntan para derrotar a Norman Bates (o, en este caso, ¡a un jabalí monstruoso!) Cuando un héroe cae, otro se levanta. Es realmente inspirador y ayuda a aumentar las apuestas.
La película también cuenta con una iluminación superb, particularmente durante una secuencia de alucinaciones psicodélicas y las escenas nocturnas. Las cuales están mejor iluminadas que la mayoría, incluso hoy en día: los directores y cinematógrafos en activo deberían prestarle seriedad.
No hay duda de que, visualmente, Razorback es una obra maestra (Semler ganaría más tarde un Oscar por Dances with Wolves.) Y el diseño de sonido también merece un reconocimiento, ayudando a crear una sensación de inquietante mal natural que acompaña a los mejores thrillers "Ozploitation" de los 70, como The Last Wave.
Observación aleatoria: Me encanta el título en español de la película, que se traduce como “Los Colmillos del Infierno”!
Puntuación: 8/10
Where to Watch Razorback (1984)
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Mención deshonrosa: Strange Behavior (1981)
La definición misma de un B-movie, Strange Behavior intenta algún tipo de comentario social sobre el aumento de la violencia entre los adolescentes. Pero se queda corto en medio de una caracterización débil, una trama absurda de un científico loco, y algunos diálogos realmente atroces.
Algo sorprendente dado que fue el debut en guion de Bill Condon, quien más tarde ganaría un Oscar por su guion de Gods and Monsters (1998) y una nominación por su trabajo en Chicago (2002). Pero bueno, también dirigió las últimas dos películas de Twilight, así que ya te imaginas.
Lo más notable de esta película es que fue el inaugural film de horror producido en Nueva Zelanda, a pesar de su ambientación en EE. UU. Auckland y sus suburbios representaron a un pequeño pueblo de Illinois, en su mayoría bastante convincentemente.
Estableciendo un precedente, ya que los horrores posteriores como The Frighteners de Peter Jackson (1996) y las películas más recientes de Evil Dead también presentarían escenarios de Kiwi como si fueran de EE. UU. Pero bueno, todavía se considera "Ozploitation", en gran medida debido a las contribuciones del productor australiano Antony I. Ginnane.
Sin embargo, los productores también optaron por importar un elenco en su mayoría americano. Incluyendo a la ganadora del Oscar por One Flew Over the Cuckoo’s Nest, Louise Fletcher (en un papel secundario completamente ingrato, y parece un poco avergonzada de estar allí).
Y Micheal Murphy como el sheriff John Brady, el líder sin tonterías. Cuya actuación fue señalada por las críticas contemporáneas, cosa que no puedo entender, porque Murphy es MALO en esta película.
El actor veterano ha ofrecido muchas actuaciones sólidas a lo largo de su ilustre carrera, tanto antes como después de esta película, incluyendo en varios clásicos de Robert Altman, The Year of Living Dangerously de Peter Weir (1982), y Batman Returns (1992). Pero aquí aparenta ser increíblemente rígido, entregando la mayoría de sus líneas en una especie de susurro enojado.
No le han hecho ningún favor la dirección amateur, ya que el director Michael Laughlin parece más interesado en la parte de atrás de su cabeza que en capturar sus (limitadas) expresiones. Esto incluye una toma aparentemente interminable donde Murphy y Fletcher intentan abrir un cript en un mausoleo, que te hará mirar tu reloj.
Al menos los actores que interpretan a los villanos tienen un mejor desempeño. Aunque tienen que soltar algunas de las exposiciones más ridículas de la película, Arthur Dignam y Fiona Lewis parecen saber exactamente qué tipo de película están haciendo y disfrutan de sus papeles como científicos locos.
La película también referencia sus inspiraciones de películas de bajo presupuesto de los 50 al hacer que uno de los asesinos use una máscara con la imagen del actor Tor Johnson, mejor conocido por sus colaboraciones con el infame Ed Wood. Y en realidad es bastante inquietante, particularmente durante una secuencia en una piscina, probablemente la única escena genuinamente aterradora de la película.
En última instancia, la mayor fuente de diversión proviene de identificar cuáles de los intérpretes son actores nativos de Kiwi según sus acentos vacilantes. Lo que dice mucho sobre el valor de entretenimiento del resto de Strange Behavior.
Puntuación: 4/10
¡Permanece atento a mi próxima lista, que cubrirá el horror/thriller "Ozploitation" en la segunda mitad de los 80!
