Meilleures films “Ozploitation” : Horreurs/Thrillers des années 80 – Partie 2

Fortress (1985)

De mon expérience personnelle, je peux dire que gérer une classe d'enfants est suffisamment difficile en soi. Je ne peux donc qu'imaginer ce que ce serait que de devoir le faire dans des circonstances de vie ou de mort. 

C'est la situation peu enviable dans laquelle se trouve l'institutrice Sally Jones (Rachel Ward) lorsque des ravisseurs armés portant des masques effrayants s'emparent de son école rurale à classe unique et l'enlèvent. Avec les neuf enfants de différents âges sous sa responsabilité, souhaitant tous les retenir en otage. 

Basé sur le roman du même nom, qui a lui-même été inspiré par l'incident réel du kidnapping de l'école Faraday en 1972, Fortress est un thriller de survie exemplaire.

Le film bénéficie d'un scénario serré de “Ozploitation” maestro Everett de Roche. Il parvient à équilibrer des enjeux croissants avec une riche caractérisation, et c'est peut-être son meilleur scénario de la décennie.

Je ne vais pas en dire beaucoup sur la progression de l'intrigue de Fortress. Comme elle contient de nombreux rebondissements surprenants que vous devriez découvrir par vous-même.

Mais après l'enlèvement, cela se transforme en une sorte de film d'aventure avec de fortes vibes du Seigneur des Mouches. Et cela pivote autour du renforcement des liens entre l'enseignante et ses élèves.

Ward est fantastique en Ms. Jones, qui pense rapidement tout en étant compatissante, et qui s'avère être exactement le genre d'enseignante que vous voudriez dans de telles circonstances pénibles. Et elle a un arc assez satisfaisant tout au long du film, passant d'une personne quelque peu sensible et pacifiste à une combattante résolue une fois qu'elle commence à perdre son calme. 

Et les cinéastes ont vraiment eu de la chance en castant les enfants. Tous les neuf enfants offrent des performances fortes et crédibles en tant qu'individus clairement définis. Y compris Rebecca Rigg (Jerry Maguire) dans le rôle de Narelle, la grande fille timide, et un très jeune Asher Keddie (The Devil Game) dans le rôle de Sue, la précoce. 

Le sens du titre ne devient clair qu'au troisième acte de Fortress, ce qui crée un certain sentiment d'anticipation. Et la révélation ne déçoit pas, s'articulant autour d'un décor construit à la main qui est la scène du climax palpitant et satisfaisant du film.  

Et la (récompensée) cinématographie est superbe, tirant bien parti de la chaîne de montagnes rugged Grampians et des grottes de Buchan comme lieux de tournage spectaculaires. Il y a aussi d'excellentes photographies sous-marines dans l'une des séquences remarquables et angoissantes du film.

Score : 8/10

Fair Game (1986)

Ce film d'action/ thriller est définitivement le plus exploitant de tous les films "Ozploitation" que j'ai vus jusqu'à présent. Fair Game met en scène une beauté d'un niveau de mannequin improbable, terrorisée par trois chasseurs de kangourous fous dans un véhicule amélioré sur son sanctuaire de faune éloigné dans l'Outback australien.

Et le film se réjouit d'exposer ses seins d'une manière qui plairait à ses vilains acolytes. Néanmoins, le film fait une tentative de donner à l'actrice Cassandra Delaney quelque chose de caractéristique avec quoi travailler. 

Au cours du premier acte, elle est crédible en tant que femme forte et déterminée défendant sa terre et ses idéaux. Il y a des nuances sérieuses de Sarah O'Connor dans The Terminator: les traits de Delaney évoquent une jeune Linda Hamilton, et elle a une coiffure similaire, très années 80, au début.

Mais alors que les provocations des chasseurs s'intensifient et après qu'elle a été soumise à une épreuve humiliante, les réalisateurs transforment Jessica en une typique demoiselle en détresse. Elle passe le deuxième acte à courir désespérément dans la brousse, bien loin de la héroïne lucide et ingénieuse développée dans Fortress juste un an plus tôt. 

Il est vrai qu'après avoir finalement commencé à devenir un peu rusée et à prendre réellement position, son affrontement climactique avec les acolytes est assez satisfaisant. Quand elle devient plus calculatrice dans ses tactiques et parvient littéralement à vaincre "La Bête", le camion monstrueux qui l'a terrorisée dès la première scène. 

Après l'avoir regardé, il n'est pas surprenant d'apprendre que Quentin Tarantino est un grand fan de Fair Game. L'intrigue du film est essentiellement son Death Proof (2007) en version australienne et présente de nombreuses poursuites en voiture et même une scène d'une femme attachée à l'avant d'un véhicule en mouvement. Et il a qualifié le film d'“classique absolu.” 

Personnellement, je ne mettrais pas la barre aussi haute. Comme Death Proof, Fair Game est certainement divertissant en tant que film d'action populaire, mais il n'a pas grand-chose à offrir en profondeur. 

Il manque de la profondeur de ses deux inspirations claires, Wake in Fright et des films Mad Max. Même s'il a assez de bon goût pour ne pas copier les images troublantes de l'abattage d'animaux de ce dernier (il y en a beaucoup, mais c'est suggéré hors écran). 

Cependant, le réalisateur a déclaré que son intention a toujours été de faire un « thriller de suspense de catégorie B » et qu'il était désolé que « les gens le prenaient au sérieux. » Et il ne fait aucun doute qu'en tant que « étude comique de la violence, » il réussit.  

Fair Game gagne également des points grâce à sa représentation quelque peu nuancée de l'un des chasseurs. Alors que les deux larbins sont des stéréotypes bogans exagérés qui auraient pu sortir du plateau de Mad Max, le leader Sunny (Peter Ford) est intriguant car il se présente comme plus complexe.

Lors de la première rencontre en personne entre Sunny et Jessica, il apparaît comme intelligent, respectueux et même charmant. Mais une fois qu'il est derrière le volant de « La Bête », on dirait presque qu'il devient possédé. Et il la voit comme rien de plus que du gibier à chasser.  

Il y a également quelques plans inventifs dans le film, y compris un zoom dolly pour empathiser avec la terreur de Jessica. Et une conception sonore créative qui utilise de vrais bruits d'animaux pour accompagner les rugissements mécaniques de « La Bête ».   

Cependant, ce dernier est gravement sous-coté par une musique de fond forte et intrusive qui ne rend pas Fair Game service, pleine de guitares électriques stridentes qui semblent déconnectées de l'action à l'écran. Et la chanson qui passe pendant le générique de fin est tout simplement kitsch.

Note : 6.5/10

Dead End Drive-In (1986)

Le thriller « Ozploitation » des années 80 que j'attendais le plus de voir, puisque je l'ai sur ma liste de visionnage depuis des années. Et le superbe poster est resté gravé dans ma mémoire tout autant de temps. 

De manière quelque peu décevante, l'affiche d'un Goth de style The Crow avec un sourire menaçant promettait un film plus sombre et plus tordu que le film d'action de science-fiction criard que j'ai en fait obtenu. Pour autant que je puisse le dire, le personnage n'apparaît même pas dans le film !

Au lieu de cela, nous obtenons le « Crabs » banal (Ned Manning, incroyablement figé) comme protagoniste. Peut-être que la chose la plus notable à son sujet est son surnom, dont l'explication s'avère également décevante. 

Sa copine Carmen (Natalie McCurry) s'avère être un personnage plus intrigant. Sa tenue punk et son attitude initialement rebelle contredisent directement ses actions ultérieures, illustrant au mieux l'un des principaux thèmes que le film essaie de transmettre. 

Le monde dystopique du film (qui se vante d'un design de production rétro-futuriste mais décadent) est bien établi en seulement quelques cartes de titre tapées à l'ordinateur. Ces cartes détaillent des événements dans le futur proche de 1988-1990. 

Mettant de côté la mention d'un improbable "grand massacre blanc" en Afrique du Sud en 1989 (bien que cela explique un développement plus tard dans le film), ces prédictions d'effondrement économique, de chômage de masse, de pénuries alimentaires et de émeutes restent crédibles. 

La dernière carte de titre annonce de manière sinistre qu'en raison de ces événements, le “Gouvernement invoque des pouvoirs d'urgence.” Cependant, cela n'est pas apparent pendant le premier acte du film, qui montre que l'Australie est devenue un Mad Max-esque enfer. 

Des voyous violents terrorisent et règnent sur les routes. Et la police est montrée comme impuissante et inefficace.

Et, rappelant la société déformée de The Cars that Ate Paris (1974), les conducteurs de dépanneuses ont les affaires les plus lucratives. Même en rivalisant pour voir qui peut d'abord revendiquer les véhicules accidentés lors des (nombreux) accidents causés par les soi-disant “carboys”.

“Crabs” est d'abord introduit alors qu'il essaie de s'entraîner pour devenir suffisamment fort pour rejoindre son frère conducteur de dépanneuse dans ses missions dangereuses. Malgré l'insistance de sa famille sur le fait qu'il sera toujours un “petit homme”.

Un jour, il enfreint une règle pour emmener Natalie faire un tour dans la précieuse Chevy vintage de son frère. Et ils décident de se rendre dans un cinéma drive-in isolé. 

Cependant, à leur insu, c'est en réalité un piège pour capturer les “carboys.” Les portes se verrouillent derrière eux et ils se retrouvent entourés de barbelés électrisants : le drive-in s'avère être un camp d'internement pour les “indésirables” jusqu'à ce que le gouvernement puisse décider quoi en faire. 

La police est montrée en train d'importer des drogues pour apaiser les “carboys”. Et les détenus sont nourris d'une alimentation à base de malbouffe et de “mauvais” films d'exploitation (qui, de manière appropriée, inclut Snapshot!) 

Contrairement à Carmen, “Crabs”, qui tout au long du film est montré comme un peu obsédé par la santé, n'est pas satisfait de ce nouveau statu quo et cherche un moyen de s'échapper. Ce qui implique principalement de faire des avances au jovial projectionniste/ superviseur du camp Thompson (Peter Whitford, offrant sans doute la performance la plus forte en tant que personnage le plus nuancé).

Dead End Drive-in est basé sur « Crabs », une nouvelle de l'écrivain Peter Carey. Son œuvre a également été adaptée dans le merveilleux Bliss (1985), ainsi que dans le film avec Ralph Fiennes et Cate Blanchett Oscar and Lucinda (1997). Et l'adaptation est assez fidèle, autant que je puisse en juger.

Cependant, le film accentue certains thèmes de l'histoire de rébellion face à l'oppression, la pression à la conformité et les manigances d'un gouvernement incompétent (le concept central est assez ludique, mais peut-être que c'est le but).

Et, comme cela s'avère principalement être un film d'action plutôt qu'un thriller psychologique que je pensais regarder, ajoute de nombreuses explosions et des cascades avec des véhicules. Ce qui, je l'admets, est assez impressionnant, allant même jusqu'à battre un record à l'époque. 

La bande sonore TRÈS années 80 et les chansons kitsch se transmettent également de Fair Game, bien qu'elles soient moins odieuses que dans ce film. Et, dans l'ensemble, je donnerais à Dead End Drive-in une note un peu plus élevée car cela tente au moins de développer ses thèmes et un commentaire social. Mais bon, le mauvais jeu d'acteurs le met sur un pied d'égalité.

Note : 6.5/10

Initiation (1987)

Ma principale raison de regarder Initiation était la présence de une très jeune Miranda Otto dans un rôle secondaire. Elle apparaîtrait également dans un autre film “Ozploitation” l'année suivante, horreur surnaturelle The 13th Floor. Mais d'après tous les comptes, c'est épouvantable, donc j'ai décidé de rester avec ça !

Il n'y a pas moyen d'y échapper : Initiation est Walkabout-lite à presque tous les niveaux et se présente comme une version YA de ce film. Le principe est très similaire (il suffit de remplacer des écoliers anglais par un seul adolescent américain). Il y a aussi un peu de mysticisme aborigène en jeu, et le monde moderne est montré comme étant tout aussi brutal que la nature. 

Mais alors que ce classique précédent atteignait l'Outback assez rapidement, Initiation prend presque une heure complète (sur seulement 90 minutes) pour laisser son protagoniste, Danny (Rodney Harvey), coincé dans la brousse. Et pour se transformer en thriller de survie tel qu'il a été vendu. 

Même dans ce cas, Danny a la vie facile comparé aux enfants de Walkabout et se sort de son dilemme assez rapidement. Grâce à quelques emplois paresseux des tropes de Magical Native et Hollywood Dreamtime qui sont bien loin de l'exploration réfléchie des croyances aborigènes dans The Last Wave. 

Avant cela, c'est essentiellement un drame familial sur un adolescent de Brooklyn se réunissant avec son père bushman éloigné, avec un peu d'intrigue de thriller criminel saupoudrée. Alors que l'entreprise de pulvérisation de cultures de l'homme âgé est en train de couler. Et il a accepté d'utiliser son avion pour faire passer de l'herbe à travers le pays pour quelques mafieux italiens douteux. 

De manière déroutante, Initiation utilise largement la narration off pour exprimer les pensées de Danny sur son arrivée dans cette terre étrange durant le premier acte. Ce que je supposais avoir été introduit pour être repris quand il se retrouvera coincé dans la brousse. 

Cependant, le film abandonne complètement cet outil une fois qu'il commence à s'intégrer dans la nouvelle famille de son père. Ce qui, je ne sais pas, pourrait avoir été intentionnel pour montrer qu'il sort de sa tête et interagit avec son environnement ? Bien que j'aie mes doutes. 

Une fois qu'il commence réellement, Initiation est un thriller assez correct avec quelques séquences mémorables. Particulièrement une dans une grotte où Danny ingère des champignons psychédéliques et a des visions trippantes (y compris d'une chouette animée très cool !)

Mais il n'y a pas assez de cette nouveauté dans le film. Et il n'y a pas de véritable résolution à une grande partie du conflit établi dans la première partie du film.

Cependant, la performance est bien meilleure que dans Dead End Drive-in, et ressemble pratiquement à une masterclass des Oscars en comparaison. Otto fait une impression douce mais ardente dans ses débuts au cinéma et Bruno Lawrence est solide en tant que père fatigué et plein de regrets. 

Et le beau Harvey (qui était un grand modèle à la fin des années 80 et, comme son co-star de My Own Private Idaho, River Phoenix, mourrait tragiquement jeune d'une overdose) est un héros assez captivant. Dans ce qui s'avérerait malheureusement être l'un de ses rares rôles principaux. 

6/10

Dark Age (1987)

Des années avant qu'il ne devienne célèbre en tant que terrifiant méchant de Wolf Creek (2005), un jeune John Jarrett s'aventurerait dans le profond Outback dans un rôle très différent.

Au lieu d'un chasseur vicieux d'humains, Jarrett incarne le ranger de la faune pacifiste Steve Harris, un protecteur des animaux. Principalement les “crocs” qui hantent les eaux de sa ville isolée au bord de la rivière.

Cependant, il se retrouve dans une position délicate lorsque l'un des “crocs” sous sa juridiction commence à manger des gens. Les premières victimes (que l'on pourrait dire qu'elles avaient un peu ce qu'elles méritaient) sont des braconniers dans la jungle profonde, donc il n'est pas sous trop de pression. 

Mais la bête anormalement grande fait bientôt son chemin en aval vers le quai de la ville, conduisant à la mort choquante d'un enfant (dans un moment qu'ils-n'allaient-pas-le-faire qui frappe fort grâce à un montage fantastique.) Et ensuite le port de la plus grande ville voisine. 

Soudain, tout le monde met la pression à Steve pour qu'il fasse quelque chose à ce sujet. Mais le crocodile s'avère être presque surnaturellement rusé et fuyant.

Une chose que la population aborigène locale (y compris Walkabout’s Gulpil) avertit à ce sujet, croyant que la créature est un “croc du rêve.” Une bête ancienne et puissante que “aucun homme blanc ne peut tuer.” 

Cependant, après qu'une récompense soit mise en jeu pour sa capture et que “chaque fauteur de troubles armé dans le territoire” descende dans la région pour abattre tout “croc” à vue, Steve est forcé de prendre des mesures peu orthodoxes. Et il est aidé dans sa mission par son ancien amour, l'anthropologue pragmatique Cathy (Nikki Coghill).

La dynamique relationnelle entre Steve et Cathy est agréable à regarder et ils échangent des dialogues vifs. Bien que je puisse peut-être me passer de ce qui semble être une scène de sexe obligatoire - Jarrett est trop étroitement associé à Mick Taylor dans mon esprit pour que cela soit autre chose qu'inconfortable ! Mais, il est vrai que c'est artistiquement filmé (et Jarrett était en fait plutôt séduisant dans sa jeunesse !)

Comme son prédécesseur en "film de créature" Razorback, Dark Age est basé sur un roman. Et, similaire à ce film précédent, a une robustesse que de nombreux films "Ozploitation" des années 80 manquent.

Les personnages semblent bien développés, l'histoire bien conçue, ses thèmes bien élaborés. Et, comme The Last Wave, il s'approche de ses éléments aborigènes avec respect et soin. 

Le film est généralement bien filmé, avec certaines scènes de chasse nocturne aux "crocodiles" superbement éclairées et atmosphériques qui s'inspirent de Razorback. Et le crocodile animatronique principalement convaincant est utilisé avec parcimonie, les séquences d'attaque prenant note de Jaws et montrant le moins possible de la créature. 

Au début, la bande sonore est agréablement relativement maîtrisée (selon les normes des années 80 de toute façon), s'appuyant davantage sur des sons aborigènes que sur des synthétiseurs et des rythmes. Bien qu'elle soit coupable de se laisser aller à ces derniers plus lourdement dans les scènes d'action au fur et à mesure que le film avance (c'était la fin des années 80, donc je vais laisser passer ce point !)

Note : 7.5/10

The Dreaming (1988)

The Dreaming est l'un des derniers films notables avec des éléments d'horreur surnaturelle produits en Australie avant la tendance hollywoodienne des années 80 de films d'action/thriller brutaux et/ou de films de science-fiction qui ont complètement pris le relais du cinéma australien. Et jusqu'à ce que "Ozploitation" soit quelque peu ravivé, après une décennie de dormance, dans les années 2000. 

Une sortie en DVD de ce film le décrivait comme étant “dans la tradition de The Last Wave.” En effet, il est presque impossible de parler de The Dreaming sans évoquer le film précédent de Peter Weir. 

Pour commencer, les deux films centrent un protagoniste blanc de la classe moyenne qui commence à remettre en question son existence confortable après avoir été en contact avec le mysticisme aborigène. Une grotte longtemps cachée remplie d'artefacts tribaux, et les conséquences désastreuses de les retirer, entrent également en jeu dans les deux histoires. 

Cependant, là où les frissons de The Last Wave’ étaient plus discrets et cérébraux, The Dreaming se penche pleinement sur l'horreur surnaturelle. D'une part, il y a des jump-scares en abondance (bien que raisonnablement créatifs et efficaces.)

Et le film est plein de séquences tout à fait terrifiantes. Y compris une où une femme fantomatique gratte contre une fenêtre (illustré ci-dessus), des flashbacks historiques troublants et une scène culminante éprouvante impliquant un phare qui s'aventure dans le domaine du slasher. 

Apparemment, le film n'était pas toujours destiné à s'orienter autant vers l'horreur, car le co-scénariste et réalisateur original Craig Lahiff aurait quitté la production après une “désaccord sur la question de savoir s'il fallait adopter une approche choc ou cérébrale.” Cela l'aurait apparemment rapproché de The Last Wave. 

Et le réalisateur de remplacement Mario Andreacchio a déclaré des années plus tard que “c'était à l'origine un scénario qui traitait, de manière assez forte, de la question du passé du traitement des aborigènes.” Avec Lahiff qui a également commenté que le scénario “a été tellement changé que je n'étais plus intéressé à le faire.”

Cependant, ce que nous obtenons a encore beaucoup à digérer concernant le passé trouble de l'Australie. Et un rebondissement concernant les véritables intentions d'un des personnages principaux, bien que moins subtil, rend clair que l'horreur persiste dans le présent.

Et The Dreaming est très bien éclairé et filmé. Les plans en hélicoptère kubrickiens de Kangaroo Island qui ouvrent et clôturent le film sont époustouflants, et certaines des scènes intérieures sont tout aussi impressionnantes. 

Le film est aussi rempli de visuels vraiment saisissants et étranges, comme une radio de crâne qui reprend soudain vie. Et la vision d'un navire baleinier spectral naviguant à travers un brouillard vert. 

Penny Cook est captivante et sympathique en tant que protagoniste Cathy, une médecin bien dans sa peau qui descend dans un tourbillon de peur et de doute. De plus, elle a une coupe de cheveux géniale et porte des vêtements fabuleux des années 80 (avec beaucoup de pad d'épaules!)

Et Arthum Dignam dégage de sérieuses vibrations de Christopher Lee australien en tant que son père archéologue intense. Et il a plus de profondeur à transmettre que dans son autre film d'horreur "Ozploitation" des années 80, Strange Behavior (1981).

Autre membre du casting, John Noble (The Lord of the Rings, Fringe) fait une brève mais bienvenue apparition en tant que professeur d'université hautain. Et la jeune actrice aborigène Kristina Nehm livre une performance vraiment poignante.

L'intrigue est avouons-le un peu bancale et peu concentrée, mais les thèmes, l'atmosphère et le jeu d'acteur sont tous solides. La partition musicale gothique est également un bon changement de rythme par rapport aux excès des années 80 des quelques films que j'ai vus récemment. 

Il est intéressant de noter qu'il existe des parallèles entre celui-ci et l'horreur gothique néo-zélandaise de cette année Mārama. Les deux traitent de spirits, de mauvais augures et de colonisateurs enrichis par la chasse à la baleine confrontés à un bilan sur des pratiques historiques honteuses. 

Note : 7/10

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