Meilleures films "Ozploitation": horreur/thrillers des années 80 - Partie 2

Fortress (1985)

D'après ma propre expérience, je peux dire que gérer une classe d'enfants est suffisamment difficile en soi. Alors je ne peux qu'imaginer ce que cela serait de devoir le faire dans des circonstances de vie ou de mort. 

Voici la situation ingrate dans laquelle se retrouve l'enseignante Sally Jones (Rachel Ward) lorsque des kidnappeurs armés portant des masques inquiétants investissent son école rurale à une seule classe et l'enlèvent. Avec les neuf enfants de différents âges dont elle a la charge, dans l'intention de les tenir tous en rançon. 

Basé sur le roman du même nom, qui a été lui-même inspiré par l'incident réel du kidnapping de l'école Faraday en 1972, Fortress est un thriller de survie exemplaire.

Le film bénéficie d'un scénario serré de maître de l'« Ozploitation » Everett de Roche. Il réussit à équilibrer les enjeux croissants avec une riche caractérisation, et c'est peut-être son meilleur scénario de la décennie.

Je ne dirai pas grand-chose sur la progression de l'intrigue de Fortress. Comme elle contient de nombreux rebondissements surprenants que vous devriez découvrir par vous-même.

Mais après l'enlèvement, cela se transforme en une sorte de film d'aventure avec de forts airs de Sa majesté des mouches. Et pivote autour du lien qui se renforce entre l'enseignante et ses élèves.

Ward est fantastique en tant que Ms. Jones, rapide d'esprit mais compatissante, qui s'avère être exactement le genre d'enseignante que vous voudriez dans de telles circonstances éprouvantes. Et elle obtient une arc assez satisfaisant tout au long du film, passant d'une personne quelque peu mal à l'aise et pacifiste à une combattante résolue une fois qu'elle commence à perdre son calme. 

Et les cinéastes ont vraiment eu de la chance en choisissant les enfants. Tous les neuf enfants donnent des performances fortes et crédibles en tant qu'individus bien définis. Y compris Rebecca Rigg (Jerry Maguire) dans le rôle de la fille aînée Narelle, qui manque de confiance, et un très jeune Asher Keddie (The Devil Game) dans le rôle de la précieuse Sue. 

Le sens du titre ne devient clair qu'au troisième acte de Fortress, ce qui crée une certaine attente. Et la révélation ne déçoit pas, s'articulant autour d'un spectaculaire décor construit à la main qui est la scène du dénouement palpitant et satisfaisant du film.  

Et la (récompensée) cinématographie est magnifique, tirant pleinement parti de la chaîne de montagnes rugueuses des Grampians et des spectaculaires grottes de Buchan comme lieux de tournage. Il y a aussi d'excellentes séquences de photographie sous-marine dans l'une des séquences palpitantes du film.

Note : 8/10

Fair Game (1986)

Cet action/thriller est définitivement le plus exploitant de tous les films "Ozploitation" que j'ai vus jusqu'à présent. Fair Game montre une beauté d'un niveau improbable de mannequin de glamour terrorisée par trois chasseurs de kangourous fous dans un véhicule amélioré sur son sanctuaire de la faune isolé dans l'Outback australien.

Et le film se réjouit de montrer ses seins d'une manière que ses sbires malveillants approuveraient. Néanmoins, le scénario fait une tentative pour donner à l'actrice Cassandra Delaney quelque chose d'un personnage avec lequel travailler.

Durant le premier acte, elle est crédible en tant que femme forte et féroce défendant sa terre et ses idéaux. Il y a des nuances sérieuses de The Terminator’s Sarah Connor là-dedans : les traits de Delaney évoquent une jeune Linda Hamilton, et elle a une coiffure similaire, très années 80, au début.

Mais à mesure que les provocations des chasseurs escaladent et qu'elle est soumise à une épreuve humiliante, les réalisateurs transforment Jessica en une demoiselle en détresse typique. Et elle passe le second acte à courir sans but dans la brousse, bien loin de la protagoniste calme et ingénieuse développée dans Fortress juste un an plus tôt. 

Il faut admettre qu'après qu'elle commence enfin à devenir un peu rusée et à vraiment prendre position, son affrontement culminant avec les sbires est assez satisfaisant. Lorsqu'elle devient plus calculatrice dans ses tactiques et parvient littéralement à vaincre "La Bête", le camion monstrueux qui l'a terrorisée depuis la première scène. 

Après l'avoir regardé, il n'est pas surprenant d'apprendre que Quentin Tarantino est un grand fan de Fair Game. L'intrigue du film est essentiellement son Death Proof (2007) en version australienne et présente de nombreuses poursuites en voiture et même une scène d'une femme attachée à l'avant d'un véhicule en mouvement. Et il a qualifié le film de “un classique absolu.” 

Personnellement, je ne voudrais pas aller si loin. Comme Death Proof, Fair Game est certainement divertissant en tant que thriller d'action pulp, mais il n'a pas grand-chose d'intéressant sous la surface. 

Il manque de la profondeur de ses deux inspirations évidentes, Wake in Fright et les films Mad Max. Même s'il a suffisamment de bon goût pour ne pas copier les images perturbantes de l'abattage d'animaux dans le premier (il y en a suffisamment, mais c'est implicite hors écran). 

Cependant, le réalisateur a déclaré que son intention a toujours été de créer un “thriller de suspense de série B” et qu'il était consterné que “les gens le prenaient au sérieux.” Et il ne fait aucun doute que, en tant que “une étude de la violence dans une bande dessinée,” il réussit.  

Fair Game gagne également des points dans sa représentation quelque peu nuancée de l'un des chasseurs. Alors que les deux acolytes sont des stéréotypes de bogan exagérés qui pourraient avoir erré hors du plateau de Mad Max, le leader Sunny (Peter Ford) est intriguant dans sa complexité.

Lors de la première rencontre en personne de Sunny et Jessica, il se révèle intelligent, respectueux et même charmant. Mais une fois qu'il est derrière le volant de “La Bête”, c'est presque comme s'il devenait possédé. Et il la voit comme rien de plus qu'une proie à chasser.  

Il y a aussi quelques plans inventifs dans le film, y compris un zoom dolly pour empathiser avec la terreur de Jessica. Et une conception sonore créative qui utilise de vrais bruits d'animaux pour accompagner les rugissements mécaniques de “La Bête”.  

Cependant, ce dernier est gravement sous-coupé par une musique de fond forte et intrusive qui ne rend pas service à Fair Game , pleine de guitares électriques hurlantes qui semblent déconnectées de l'action à l'écran. Et la chanson qui joue sur les crédits de fin est tout simplement ringarde.

Note : 6.5/10

Dead End Drive-In (1986)

Le thriller “Ozploitation” des années 80 que j'attendais le plus de voir, puisqu'il est dans ma liste de films à regarder depuis des années. Et le décapant poster est resté gravé dans ma mémoire tout autant. 

Quelque peu décevant, l'affiche d'un The Crow-like Goth avec un sourire menaçant promettait un film plus sombre et plus tordu que le gouffre de science-fiction que j'ai réellement obtenu. Pour ce que je peux en juger, le personnage n'apparaît même pas dans le film !

Au lieu de cela, nous avons le banal homme ordinaire “Crabs” (Ned Manning, incroyablement rigide) comme protagoniste. Peut-être que la chose la plus notable à son sujet est son surnom, dont l'explication s'avère également décevante. 

Sa petite amie Carmen (Natalie McCurry) s'avère être un personnage plus intrigant. Sa tenue punk et son attitude initialement rebelle contredisent directement ses actions ultérieures, illustrant au mieux l'un des principaux thèmes que le film essaie de transmettre. 

Le monde dystopique du film (qui se vante d'une production rétro-futuriste impressionnante mais en décomposition) est bien établi en seulement quelques cartes de titre tapées à l'ordinateur. Qui détaillent les événements dans le futur proche de 1988-1990. 

En mettant de côté la mention d'un improbable « grand massacre blanc » en Afrique du Sud en 1989 (bien que cela explique un développement plus tard dans le film), ces prédictions d'effondrement économique, de chômage de masse, de pénuries alimentaires et d'émeutes restent crédibles. 

La dernière carte de titre annonce de manière sinistre qu'en raison de ces événements, le « Gouvernement invoque des pouvoirs d'urgence. » Cependant, cela n'est pas apparent durant le premier acte du film, qui montre que l'Australie est devenue un Mad Max-esque trou infernal. 

Des voyous violents terrorisent et règnent sur les routes. Et la police est montrée comme impuissante et inefficace.

Et, rappelant la société déformée de The Cars that Ate Paris (1974), les conducteurs de dépanneuses ont les affaires les plus lucratives. Ils rivalisent même pour voir qui peut revendiquer en premier les véhicules détruits dans les (nombreux) accidents causés par les soi-disant “carboys”.

“Crabs” est d'abord introduit alors qu'il essaie de travailler afin de devenir assez fort pour rejoindre son frère conducteur de dépanneuse dans ses missions dangereuses. Malgré l'insistance de sa famille à dire qu'il sera toujours un « petit homme ».

Un jour, il enfreint une règle pour emmener Natalie faire un tour dans la précieuse Chevy vintage de son frère, interdite d'accès. Et ils décident de se rendre dans un cinéma drive-in isolé. 

Cependant, à leur insu, c'est en réalité un piège pour capturer les “carboys.” Les portes se verrouillent derrière eux et ils se retrouvent entourés de clôtures barbelées électrisées : le drive-in s'avère être un camp d'internement pour les “indésirables” jusqu'à ce que le gouvernement décide de ce qu'il faut faire d'eux. 

La police est montrée en train d'importer des drogues pour apaiser les “carboys”. Et les détenus sont nourris d'une alimentation composée de malbouffe et de « mauvais » films d'exploitation (ce qui, de manière appropriée, inclut Snapshot!) 

Contrairement à Carmen, “Crabs”, qui tout au long du film est montré comme étant un peu un maniaque de la santé, n'est pas satisfait de ce nouveau statu quo et cherche un moyen de s'échapper. Ce qui implique principalement de flater le joyeux projectionniste/chef de camp Thompson (Peter Whitford, offrant sans doute la performance la plus forte en tant que personnage le plus nuancé).

Dead End Drive-in est basé sur “Crabs”, une nouvelle de l’écrivain Peter Carey. Son travail a également été adapté en le merveilleux Bliss (1985), ainsi que dans le film avec Ralph Fiennes et Cate Blanchett Oscar and Lucinda (1997). Et l’adaptation est assez fidèle, autant que je puisse le dire.

Cependant, le film accentue certains des thèmes de l’histoire de rébellion face à l'oppression, de pression à se conformer, et des machinations d’un gouvernement incompétent (le concept central est plutôt ludique, mais c’est peut-être le but.)

Et, comme cela s’avère être principalement un film d'action plutôt qu’un thriller psychologique que je pensais regarder, ajoute en beaucoup d'explosions et de cascades basées sur des véhicules. Ce qui est avouons-le assez impressionnant, en battant un record à l’époque. 

La bande sonore TRÈS années 80 et les chansons cucul sont aussi reprises de Fair Game, bien qu'elles soient moins odieuses que dans ce film. Et, en général, je donnerais à Dead End Drive-in une note un peu plus élevée car il tente au moins de développer ses thèmes et son commentaire social. Mais bon, le jeu d’acteur médiocre le met sur un pied d'égalité.

Note : 6.5/10

Initiation (1987)

Ma principale raison de regarder Initiation était la présence de la très jeune Miranda Otto dans un rôle secondaire. Elle apparaîtrait également dans un autre film “Ozploitation” l’année suivante, horreur surnaturelle The 13th Floor. Mais selon tous les comptes, c'est épouvantable, donc j'ai décidé de m'en tenir à cela !

Il n'y a pas moyen de l'éviter : Initiation est Walkabout-lite à presque tous égards et ressemble à une version YA de ce film. Le prémisse est très similaire (il suffit de remplacer des écoliers anglais par un seul adolescent américain). Il y a aussi un peu de mysticisme aborigène en jeu, et le monde moderne est montré aussi brutal que la nature.

Mais là où ce classique antérieur atteignait l'Outback assez rapidement, Initiation prend presque une heure entière (sur seulement 90 minutes) pour laisser son protagoniste, Danny (Rodney Harvey), en plan dans la brousse. Et se transformer en le thriller de survie annoncé.

Même dans ce cas, Danny s'en sort facilement comparé aux Walkabout kids et se sort de son dilemme assez rapidement. Grâce à quelques utilisations paresseuses des Magical Native et Hollywood Dreamtime tropes qui sont loin de l'exploration réfléchie des croyances aborigènes de The Last Wave.

Avant cela, c'est essentiellement un drame familial sur un adolescent de Brooklyn qui retrouve son père bushman éloigné, avec un peu de suspense criminel éparpillé. Alors que l'entreprise de pulvérisation de son père âgé se traîne vers le bas. Et il a accepté d'utiliser son avion pour faire passer de l'herbe à travers le pays pour des mafieux italiens peu scrupuleux.

Étrangement, Initiation utilise fortement la narration en voix off pour exprimer les pensées de Danny sur son arrivée dans ce pays étrange durant le premier acte. Ce que je pensais avoir été introduit pour se poursuivre lorsqu'il sera abandonné dans la brousse.

Cependant, le film abandonne complètement cet outil une fois qu'il commence à s'intégrer dans la nouvelle famille de son père. Ce qui, je ne sais pas, pourrait avoir été intentionnel pour montrer qu'il sort de sa tête et interagit avec son environnement ? Bien que j'aie mes doutes.

Une fois qu'il finit par démarrer, Initiation est un thriller assez fonctionnel avec quelques séquences mémorables. En particulier une dans une grotte où Danny ingère des champignons psychédéliques et a des visions psychédéliques (y compris d'une chouette animée très cool !)

Mais il n'y a pas assez de cette nouveauté dans le film. Et il n'y a aucune vraie résolution à une grande partie du conflit établi dans la première partie du film.

Cependant, le jeu d'acteur est beaucoup meilleur que dans Dead End Drive-in, et ressemble pratiquement à un masterclass des Oscars en comparaison. Otto laisse une impression douce mais ardente dans son premier rôle au cinéma et Bruno Lawrence est solide en tant que père désabusé et plein de regrets. 

Et le séduisant Harvey (qui était un grand mannequin à la fin des années 80 et, comme son co-star de My Own Private Idaho, River Phoenix, aurait tragiquement perdu la vie jeune à cause d'une overdose) est un héros suffisamment engageant. Dans ce qui s'est malheureusement avéré être l'un de ses rares rôles principaux. 

6/10

Dark Age (1987)

Des années avant de devenir célèbre en tant que vilain terrifiant de Wolf Creek (2005), un jeune John Jarrett se glisserait dans l'Outback profond dans un rôle très différent.

Au lieu d'être un chasseur vicieux d'humains, Jarrett joue le rôle du Ranger de la faune pacifiste Steve Harris, un protecteur des animaux. Principalement des “crocodiles” qui hantent les eaux de sa ville isolée au bord de la rivière.

Cependant, il se retrouve dans une position délicate lorsque l'un des “crocodiles” sous sa juridiction commence à manger des gens. Les premières victimes (qui, on pourrait dire, un peu l'avaient cherché) sont des braconniers dans la jungle profonde, donc il n'est pas sous trop de pression. 

Mais la créature anormalement grande parvient bientôt à descendre le fleuve jusqu'à l'embarcadère de la ville, entraînant la mort choc d'un enfant (dans un moment où on pouvait dire qu'ils n'allaient jamais le faire, qui frappe fort grâce à un montage fantastique.) Et ensuite le port de la plus grande ville la plus proche. 

Tout à coup, tout le monde est sur le dos de Steve pour faire quelque chose à ce sujet. Mais le crocodile s'avère presque surnaturellement malin et difficile à attraper.

Quelque chose que la population aborigène locale (y compris le Gulpil de Walkabout) met en garde, croyant que la créature est un “crocodile de rêve.” Un animal ancien et puissant que “aucun homme blanc ne peut tuer.” 

Cependant, après qu'une récompense ait été mise en place pour sa capture et que “tous les yahoos armés de lterritoire” descendent dans la zone pour abattre tout “crocodile” à vue, Steve est contraint de prendre des mesures peu orthodoxes. Et il est aidé dans sa mission par son ancien amour, l'anthropologue pragmatique Cathy (Nikki Coghill).

La dynamique de la relation entre Steve et Cathy est amusante à regarder et ils échangent des dialogues piquants. Bien que je pourrais sans doute me passer de ce qui semble être une scène de sexe obligatoire - Jarrett est trop étroitement associé à Mick Taylor dans mon esprit pour que cela soit autre chose qu’inconfortable ! Mais il faut admettre que c'est artistiquement filmé (et Jarrett était en fait plutôt un beau gosse dans sa jeunesse !)

Comme son prédécesseur "créature" Razorback, Dark Age est basé sur un roman. Et, similaire à ce film plus ancien, a une robustesse que de nombreux films "Ozploitation" des années 80 manquent.

Les personnages semblent bien formés, l'histoire bien construite, ses thèmes bien développés. Et, comme The Last Wave, il aborde ses éléments aborigènes avec respect et soin. 

Le film est généralement bien filmé, avec des scènes de chasse nocturne à "croc" superbement éclairées et atmosphériques qui s'inspirent de Razorback. Et le crocodile animatronique principalement convaincant est judicieusement utilisé avec parcimonie, les séquences d'attaque s'inspirant de Jaws et montrant le moins possible de la créature. 

Au départ, la musique  est étonnamment relativement contenue (par rapport aux standards des années 80), s'appuyant davantage sur des sons aborigènes que sur des synthétiseurs et des rythmes. Bien qu'il soit coupable d'indulgence dans ce dernier plus lourdement dans les scènes d'action au fur et à mesure que le film avance (c'était à la fin des années 80, donc je vais excuser le film sur ce point !)

Note : 7.5/10

The Dreaming (1988)

Le Rêve est l'un des derniers films notables avec des éléments d'horreur surnaturelle produits en Australie avant la tendance des films d'horreur réalistes d'Hollywood à la fin des années 80 action/thrillers et/ou films de sci-fi qui ont totalement envahi le cinéma australien. Et jusqu'à ce que "Ozploitation" soit quelque peu relancé, après une décennie de dormance, dans les années 2000. 

Une sortie en DVD de ce film le décrivait comme étant“dans la tradition de La Dernière Vague.” En effet, il est presque impossible de parler de Le Rêve sans évoquer le film antérieur de Peter Weir. 

Pour commencer, les deux films mettent en avant un protagoniste blanc de la classe moyenne qui commence à remettre en question son existence confortable après avoir été en contact avec le mysticisme aborigène. Une grotte longtemps cachée remplie d'artefacts tribaux, et les conséquences désastreuses de leur extraction, font également partie des deux histoires. 

Cependant, alors que les frissons de La Dernière Vague étaient plus subtils et cérébraux, Le Rêve s'engage pleinement dans l'horreur surnaturelle. D'une part, il y a des sursauts à profusion (bien que raisonnablement créatifs et efficaces).

Et le film est plein de séquences carrément terrifiantes. Y compris une où une femme fantomatique griffonne contre une fenêtre (illustrée ci-dessus), des flashbacks historiques crasseux et dérangeants, et une scène culminante éprouvante impliquant un phare qui s'aventure dans le territoire slasher. 

Apparemment, le film n'était pas toujours destiné à s'enfoncer autant dans l'horreur, car le co-scénariste et réalisateur original Craig Lahiff aurait quitté la production après une “dispute sur la question de savoir s'il fallait adopter une approche choc ou cérébrale.” Cela aurait probablement donné un film plus proche de La Dernière Vague. 

Et le réalisateur remplaçant Mario Andreacchio a dit des années plus tard que “c'était à l'origine un script abordant, de manière assez forte, la question du traitement passé des aborigènes.” Avec Lahiff aussi commentant que le script “a tellement changé que je n'étais plus intéressé à le faire.”

Cependant, ce que nous obtenons contient toujours beaucoup de choses à digérer concernant le passé trouble de l'Australie. Et un rebondissement concernant les véritables intentions d'un des personnages principaux, bien que moins que subtil, rend clair que l'horreur persiste dans le présent.

Et The Dreaming est très bien éclairé et filmé. Les plans de type kubrickien en hélicoptère de Kangaroo Island qui ouvrent et ferment le film sont magnifiques, et certaines des scènes intérieures sont tout aussi impressionnantes. 

Le film est également rempli de visuels vraiment frappants et étranges, comme celui d'un crâne en rayons X qui prend soudainement vie. Et la vision d'un vaisseau baleinier spectral naviguant à travers un brouillard vert. 

Penny Cook est engageante et sympathique en tant que protagoniste Cathy, une médecin bien dans sa peau qui descend dans une spirale de peur et de doute. De plus, elle a une coupe de cheveux géniale et porte des vêtements fabuleux des années 80 (avec beaucoup de épaulettes !)

Et Arthum Dignam évoque sérieusement l'Australien Christopher Lee en tant que son père archéologue intense. Et il a plus de profondeur à transmettre que dans sa autre film d'horreur "Ozploitation" des années 80, Strange Behavior (1981).

Dans le reste du casting, John Noble (The Lord of the Rings, Fringe) fait une brève mais bienvenue apparition en tant que professeur d'université hautain. Et la jeune actrice aborigène Kristina Nehm donne une performance véritablement troublante.

Le scénario est admettons un peu bancal et flou, mais les thèmes, l'atmosphère et le jeu d'acteur sont tous solides. La musique gothique est également un agréable changement de rythme par rapport à l’excès des années 80 des quelques films que j'ai vus. 

Fait intéressant, il y a quelques parallèles entre celui-ci et le film d'horreur gothique néo-zélandais de cette année Mārama. Les deux traitent des esprits, des mauvais augures et des colonisateurs devenus riches grâce à la chasse à la baleine faisant face à un jugement sur des pratiques historiques honteuses. 

Note : 7/10

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