Where to Watch Meilleurs films d'horreur/thrillers "Ozploitation" des années 70
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Pourquoi j'ai fait la liste :
En écrivant ma critique de Death in Brunswick (1990), j'ai réalisé qu'il était considéré comme faisant partie de la vague des films australiens connus sous le nom d'“Ozploitation”.
Ce sont des films d'exploitation à petit budget produits en bas qui couvrent une gamme de genres. Mais principalement horreur, thriller, action, sexploitation, et comédie.
Ce mouvement cinématographique australien a commencé dans les années 1970, après l'introduction de la classification R en 1971. Et c'est considéré comme une vague plus petite au sein de la Nouvelle Vague australienne de films. Qui sont généralement un peu plus intellectuels et artistiques que “Ozploitation” !
Le terme a en fait été inventé par nul autre que Quentin Tarantino, qui est un fan de longue date de “Ozploitation”. Et il a souvent loué beaucoup de ces films comme étant très influents sur les siens.
Ayant depuis longtemps plusieurs de ces films sur ma liste de visionnage, il était enfin temps d'en retirer quelques-uns !
J'ai décidé de commencer par me concentrer sur les meilleurs films d'horreur/thrillers produits au début des films “Ozploitation”, les années 70. Et j'ai également inclus une “mention honorable !”
Note : J'ai “triché” un peu en avançant pour regarder le brillant Next of Kin (1982). Et j'ai écrit une critique complète de celui-ci, si cela vous intéresse de le découvrir après cela !
Et je n'ai pas inclus les films des années 70 les plus connus qui tombent dans la vague “Ozploitation”. Comme Mad Max (1979), car suffisamment d'encre a été versée à son sujet !
Walkabout (1971)
Le film qui a vraiment lancé la Nouvelle Vague australienne (et peut également être considéré comme “Ozploitation” en raison de ses éléments de thriller) a été, ironiquement, réalisé par un Britannique. Et aussi adapté par un scénariste anglais d'un roman d'un écrivain anglais.
Mais bon, le directeur se trouve être l'incroyable Nicholas Roeg (Don’t Look Now, The Witches). Donc je doute que quiconque se soit plaint !
Dans seulement son deuxième effort en tant que réalisateur, après le Performance de 1970 avec Mick Jagger, Roeg prouve qu'il est un maître visuel évocateur, d'un juxtaposition frappante et d'un sous-texte provocateur.
Servant également de directeur de la photographie, il crée un portrait vivant de l'Outback australien, grouillant de vie. Cela n'a peut-être jamais été égalé.
L'histoire (qui semble superficiellement mince) concerne une paire d'écoliers anglais chics qui sont coincés dans le désert et laissés à fendrer pour eux-mêmes. Avant de rencontrer un garçon aborigène adolescent (le remarquable David Gulpilil) lors d'un « walkabout » qui les aide à survivre dans la nature.
Mais, Roeg étant Roeg, il y a une tonne de thèmes enfouis sous la surface. Qu'il transmet avec des images vives et un montage ingénieux.
Les cinéastes ont également apporté certaines modifications au matériau source pour souligner les thèmes qu'ils voulaient explorer. Par exemple, les enfants ne sont pas laissés abandonnés à cause d'un crash d'avion comme dans le roman, mais par une tentative d'anéantissement familial par leur père, éprouvante.
Et le film montre que plus ils se rapprochent de la civilisation, plus ils sont en danger d'être consommés par le monde hostile, auto-destructeur et superficiel de la société occidentale. Qui détruit sans retenue la sphère naturelle dans laquelle ils ont trouvé tant de joie.
Comme dans I Start Counting (1969), la future star de Logan’s Run et American Werewolf in London Jenny Agutter offre une performance magnifiquement naturaliste en tant que adolescente. Qui, bien qu'entête, a peur de sa sexualité naissante.
Bien que le film nécessite une certaine nudité de la jeune actrice, cela ne semble jamais exploitant. Et Agutter elle-même a dit que bien qu'elle ait été initialement gênée, elle a fait confiance à l'intention de Roeg et que "c'était simple et beau".
Le regretté Roger Ebert, sans conteste mon critique de cinéma préféré, a qualifié Walkabout de “l'un des grands films.” L'écrivain/réalisateur Alex Garland (28 Days Later, Dredd, Annihilation) est également un grand admirateur.
C'est une œuvre d'art belle, rêveuse, troublante, rien de moins qu'un chef-d'œuvre. Que je pense devoir figurer sur la liste de seaux cinématographiques de tout le monde.
Note : 10/10
Where to Watch Walkabout (1971)
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Wake in Fright (1971)
Wake in Fright est également considéré comme un classique tant de l'« Ozploitation » que de la Nouvelle Vague australienne (et aussi réalisé par un non-Australien). Il était dans mon radar depuis un certain temps mais j'avais toujours remis à plus tard le fait de le regarder car cela semblait incroyablement éprouvant.
Et maintenant que je l'ai vu, je peux témoigner que c'est effectivement le cas, et même plus. Comme des films sur des thèmes similaires abordant des addictions sévères tels que Christiane F. (1981) et Requiem for a Dream (2000), je pense que c'est un film important que tout le monde devrait voir au moins une fois. Mais peut-être pas une seconde fois !
Wake in Fright (rebaptisé Outback pour la sortie internationale) est adapté du roman du même nom de Kenneth Cook. Il raconte l'histoire troublante et désorientante d'un enseignant bien éduqué qui se retrouve piégé dans la ville fictive du désert « Bundanyabba ».
Mais ce sont les circonstances dans lesquelles il se retrouve coincé dans ce que les habitants appellent « The Yabba » qui sont particulièrement troublantes. Au départ, John (Gary Bond) est censé rester une seule nuit dans cette ville poussiéreuse, un arrêt sur son chemin pour rendre visite à sa petite amie à Sydney.
Mais il décide de sortir dans un pub local, où il prend une pinte et tente de se mêler aux autres. Il se lie d'amitié avec un policier aimable qui l'encourage à boire davantage, avant de lui faire découvrir une partie de poker illégale organisée à l'arrière d'un restaurant.
Bien qu'hésitant au départ, et après beaucoup plus d'alcool, John s'enthousiasme et décide de participer aux jeux de hasard. Et il se réveille horriblement avec une gueule de bois le lendemain matin pour découvrir qu'il a perdu chaque centime de son argent. Et il a raté son vol.
Cependant, cela ne pose pas de problème, selon le policier douteux, car les gens de « The Yabba » prennent soin de leurs « propres ». La solution est tout simplement de continuer à boire. Et si vous n'avez pas d'argent, ne vous inquiétez pas : c'est offert.
Bientôt, John, qui avait précédemment réussi à contrôler sa consommation d'alcool, se retrouve entraîné dans un cycle infernal d'alcoolisme. Et un comportement immoral de plus en plus troublant, qui ne fait qu'empirer lorsqu'il se lie d'amitié avec le « Doc » local.
Ce personnage fou (l'avenir Halloween star Donald Pleasance) était autrefois un médecin pratiquant à Sydney, jusqu'à ce que son alcoolisme s'installe. Et il se retrouve coincé dans « The Yabba », tout comme John.
Il vit dans une saleté absolue et attend son prochain verre, mais prétend être heureux. Et persuade John de partir à la chasse au kangourou avec lui et quelques amis (y compris la légende du cinéma australien Jack Thompson). Évidemment, complètement ivre.
Cela conduit à la séquence la plus troublante du film, qui a provoqué des départs lors de sa projection à Cannes. Dans celle-ci, les chasseurs fortement ivres poursuivent les animaux dans l'obscurité avec des chiens féroces et des véhicules montés de projecteurs, les kangourous étant impuissants, pris dans les faisceaux.
En hurlant de joie, ils déchaînent une rafale de coups de feu sur les animaux, causant des destructions sanglantes. Et les résultats brutaux sont montrés dans des détails dégoutants.
Horriblement, nous voyons en fait des séquences d'une vraie chasse au kangourou (et les vrais chasseurs étaient également très ivres). Et toute la mort et le traitement inhumain sont très réels.
Cependant, le réalisateur canadien Ted Kotcheff a fermement défendu sa décision d'inclure ces images explicites. Kotcheff, qui était végétarien, pensait qu'il était important de sensibiliser le public à ce carnage nocturne barbare.
De plus, il a déclaré qu'il “n'avait utilisé que les images documentaires les plus douces.” Mais c'est toujours horrible et pas nécessairement quelque chose que j'avais besoin de voir.
Un autre problème que j'ai avec le film est que la goutte d'eau qui pousse le protagoniste à sortir de cette boucle destructrice n'est pas la chasse barbare au kangourou, mais un acte homosexual implicite. John est montré comme plus perturbé par la perspective du sexe gay que par le massacre insensé d'animaux, ce qui est assez problématique.
Cependant, à part cette querelle, Wake in Fright est très efficace en tant que véritable aperçu effrayant du chaos et de la dégradation que peut causer une consommation excessive d'alcool. Ce que j'ai expérimenté personnellement.
Captivant et nauséabond du début à la fin, c’est un réquisitoire accablant contre la culture de l'alcool. Qui continue dans de nombreux pays à travers le monde, pas seulement en Australie, jusqu'à ce jour.
Il y a également un brillant (mais très cruel) rebondissement près de la fin qui rend le film incroyablement mémorable. À mon avis, il devrait être montré aux adolescents dans les lycées pour les dissuader de boire!
Note : 9/10 (ce serait un 10 si ce n'était pas pour la séquence pénible des kangourous !)
Where to Watch Wake in Fright (1971)
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Les voitures qui ont mangé Paris (1974)
Considéré comme l'un des premiers de nombreux films australiens sur les "voitures", The Cars That Ate Paris a eu une influence majeure sur Mad Max de George Miller, certainement le film d'Ozploitation le plus connu.
Pour son premier long métrage, le futur The Truman Show réalisateur Peter Weir a eu l'idée de ce film vraiment bizarre mais brillant pendant des vacances en Europe. Où il a remarqué que « les panneaux routiers sur les principales routes françaises le détournaient vers ce qu'il percevait comme des petits villages étranges. »
Ces « petits villages étranges » l'ont finalement amené à développer une histoire autour de la ville fictive isolée de Paris dans l'Outback australien. Où une société rétrograde et dangereuse est en train de se former.
Weir évoque une atmosphère palpable de peur et de menace dès que nous entrons à Paris à travers les yeux de l'outsider Arthur (Terry Camilleri), qui survit à un accident de voiture en route vers la ville.
Et nous commençons bientôt à découvrir son secret : l'ensemble de la société et de l'économie de la colonie semble être basée sur le bénéfice des véhicules accidentés.
Les habitants du village, dirigés par le maire terriblement résolu, causent délibérément des accidents sur les routes en mauvais état menant à Paris. Afin de récupérer et de marchander avec les pièces qu'ils scavengent.
Tout survivant est envoyé dans un sinistre hôpital psychiatrique où un médecin douteux effectue de terribles expériences. Cependant, certaines exceptions sont faites, y compris pour Arthur, que le maire annonce mystérieusement comme étant « l'un d'entre nous », avant de commencer à l'endoctriner dans les machinations de la ville.
Cependant, cette adoration insidieuse pour le chaos automobile est devenue incontrôlable : les anciens ont perdu le contrôle sur les jeunes hommes. Qui ont commencé à construire des voitures menaçantes prêtes à la bataille pour causer des destructions à l'intérieur de la ville elle-même.
Ainsi, comme dans de nombreux films de Weir, une société est montrée comme responsable de sa propre chute. Et quelle chute spectaculaire cela s'avère être ! Je veux encore savoir combien de voitures ils ont détruites pendant la production, mais je ne peux pas trouver le nombre en ligne !
Il est intéressant de noter que The Cars That Ate Paris était l'un des films préférés de Stanley Kubrick. Et il n'est pas difficile de voir pourquoi : le film est complètement fou mais aussi fascinant. Et il en dit long sur les dangers de la pensée de groupe sans contestation.
De plus, la mentalité sectaire des résidents de la ville dégage de sérieuses vibrations de The Wicker Man, un compliment majeur. Il suffit de remplacer le culte des dieux païens par celui des accidents automobiles.
Si le film n'est pas assez dramatique pour vous, vous pouvez toujours entendre des histoires sur la pièce musicale d'adaptation improbable!
Note : 8/10
The Last Wave (1977)
Profondément troublant est le meilleur moyen de décrire le prochain effort de Peter Weir pour faire cette liste (son classique de 1975 Picnic at Hanging Rock est considéré comme un pur film de la Nouvelle Vague australienne et non comme de l'« Ozploitation ».)
The Last Wave se situe un peu à la croisée des deux mouvements cinématographiques : c'est un film assez artistique et philosophique, mais il y a aussi un meurtre potentiel à résoudre et beaucoup de séquences teintées d'horreur.
Il commence comme une histoire assez réaliste sur un avocat blanc engagé pour représenter des suspects aborigènes de meurtre (y compris Gulpilil de Walkabout) au tribunal. Mais il se transforme rapidement en thriller psychologique surréaliste impliquant des prophéties et des événements mystiques qui semblent positivement apocalyptiques.
Le film est profondément préoccupé par l'effondrement environnemental et décrit plusieurs calamités liées au climat, ce qui le rapproche de l'eco-horreur. Cela est renforcé par un design sonore vraiment dérangeant et récompensé, qui donne l'impression que Mère Nature est le véritable méchant.
Mais The Last Wave implique également fortement qu'il y a un autre antagoniste tout aussi insaisissable et puissant qui se cache dans ce film. Les effets de la colonisation sur les peuples autochtones.
Le film n'hésite pas à montrer les conséquences désastreuses de l'oppression des Aborigènes. Y compris l'alcoolisme et la vagabondage.
Cela finit par s'intégrer dans la forte veine de mysticisme fascinant qui traverse tout le film. Mais je ne dirai pas trop de choses, car vous devriez découvrir par vous-même le parcours de reconnaissance de soi du protagoniste David (acteur queer Richard Chamberlain)!
Note : 8/10
Patrick (1978)
“Ozploitation” a fait ses premiers pas dans le domaine de l'horreur surnaturelle ouverte avec Patrick de Richard Franklin, l'histoire d'un patient dans le coma qui développe de dangereuses capacités télékinétiques et les utilise pour terroriser son infirmière.
Le film a été découvert par un jeune Tarantino, qui a cité Patrick comme influent dans son propre travail. Notamment, la façon singulière dont le personnage principal crache, que il a rendu hommage avec Uma Thurman dans Kill Bill.
D'après la description de l'intrigue de base, Patrick semble être une tentative de profiter du succès de Carrie quelques années plus tôt. Cependant, le scénariste Everett de Roche avait apparemment travaillé sur le script pendant plusieurs années avant que le film ne soit projeté à l'écran.
Néanmoins, il y a certainement certaines similitudes avec Carrie qui semblent avoir été ajoutées en réponse à ce film. Y compris la conception sonore chaque fois que des capacités psychiques sont en jeu. Et un jump scare de dernière minute dans les dernières minutes qui fait écho à l'épreuve d'Amy Irving dans le film de 1976.
Et le compositeur Brian May (mieux connu pour les deux premiers films Mad Max) évoque indéniablement la musique du film classique de Brian de Palma dans certaines scènes. Particulièrement celles impliquant la protagoniste Kathy qui va simplement de l'avant.
Curieusement, j'ai découvert que la bande originale a été remplacée par une autre composée par nul autre que Goblin (Suspiria) lorsque le film a été diffusé en Italie, car les producteurs italiens n'étaient pas impressionnés par la musique originale. La version de Goblin de la bande originale est disponible sur YouTube si vous êtes curieux !
C'est véritablement fascinant que tant de films sur des capacités psychiques soient apparus simultanément dans les années 70 (Carrie, The Last Wave, ce film, The Fury, The Medusa Touch…) Il devait y avoir quelque chose dans l'air !
Patrick est définitivement l'un des entrants les plus solides dans ce sous-genre d'horreur psychique étrange. Le script est globalement très solide et intéressant, et augmente surtout la tension au fur et à mesure que le film progresse.
Bien que le troisième acte soit alourdi un peu par une ou deux scènes de Kathy parlant au téléphone alors qu'elle enquête sur les agissements de Patrick. Cela aurait probablement pu être coupé pour un film plus compact.
Aussi, Patrick n'est pas vraiment très inspiré visuellement : c'est un peu plat pour un film se déroulant dans un hôpital gothique. À l'exception d'une séquence où Kathy fait entrer un neuroscientifique connu pour obtenir un avis extérieur sur Patrick (mais cela présente beaucoup d'éclairage stroboscopique, donc faites attention si vous y êtes sensible !)
Un grand point positif est que le personnage de Kathy est bien écrit et assez fort. Et l’actrice britannique Susan Penhaligon est extrêmement sympathique dans ce rôle. Elle apparaît comme gentille et ouverte d'esprit, mais aussi assertive et déterminée.
Contrairement à la plupart des héroïnes dans des films comme celui-ci, qui s'enfuient en criant à la première apparition du paranormal, elle prend tous les phénomènes avec calme et est largement peu perturbée. Et elle est admirablement pragmatique dans le climax du film.
Dans le reste du casting, Julia Blake est extrêmement divertissante en tant que Matron Cassidy, sévère et désabusée de l’hôpital, qui a certainement certaines des meilleures répliques. Surtout lors de l'entretien d'embauche de Kathy près du début du film.
Cela inclut : « Nous ne sommes pas intéressés par des femmes au foyer agitées qui démissionneront au premier signe d'un bassin souillé ! » Et « Nous avons tendance à attirer certains types. Les lesbiennes, les nymphomanes, les spécialistes des lavements… »
Patrick a eu un remake en 2013. Avec Rachel Griffiths dans le rôle de Matron Cassidy, Sharni Vinson de You’re Next dans le rôle de Kathy, et Charles Dance dans le rôle du Dr. Roget.
Mais à en juger par les retours, le remake n'est pas très bon, malgré le fait que le réalisateur Mark Hartley soit un grand fan de l'original. Ce que vous devriez probablement juste regarder à la place !
Note : 6.5/10
Le Plombier (1979)
Le Plombier marque la troisième fois que le prolifique Peter Weir apparaît sur cette liste. Et c'est vraiment le dernier de ses films qui pourrait être qualifié d'"Ozploitation."
Il passerait à la réalisation de l'épopée de guerre australienne Gallipoli (1981), puis à des films de studio hollywoodiens comme The Year of Living Dangerously (1982) et Dead Poets Society (1989). Donc, ne vous attendez pas à le voir sur ma liste des années 80!
En surface, Le Plombier est un thriller d'invasion domiciliaire assez simple, alors que Jill (Judy Morris), une universitaire à l'humeur posée, est importunée puis finalement terrorisée par le commerçant déséquilibré Max (Ivar Kants). Mais, comme on pouvait déjà s'y attendre de Weir, qui a également coécrit le scénario, le film est plein de subtilités et de profondeur thématique.
Comme dans The Last Wave, Weir explore des questions telles que le privilège blanc et de classe, et les inégalités sociétales ayant des conséquences inattendues. Et la fragilité de la sécurité de la classe moyenne et supérieure dans une société avec une classe sous-estimée désenchantée.
La première idée géniale de Weir, la première de nombreuses autres, était de faire de Jill et de son mari Brian (Robert Coleby) des anthropologues. Ce sont des personnes éduquées et sensées qui ont voyagé largement et interagi avec des tribus primitives pour essayer de les comprendre.
Nous rencontrons Jill alors qu'elle demande à son mari ce qu'il pense de son manuscrit sur les membres de tribus en Nouvelle-Guinée. Elle finit par décrire une rencontre avec un “sorcier” qui est entré dans sa tente et a exécuté un rite tribal, tombant dans une profonde transe.
Et pour le sortir de cette transe, elle a jeté un bol de lait de chèvre sur son visage. Ce qui, avec l'intrigue du film, a réellement eu lieu avec un ami de Weir.
Après que Brian soit parti donner une conférence, Jill tente de travailler sur ses études, mais elle est interrompue par l'arrivée du personnage titulaire. Étonnée et réticente à le laisser entrer puisqu'ils n'ont pas appelé de plombier, elle cède après qu'il lui ait assuré qu'il ne s'agissait que d'un contrôle de routine ordonné par les autorités du campus.
Max se présente d'abord comme joyeux et respectueux, mais cette façade commence à se fissurer et son comportement devient de plus en plus perturbateur et intrusif. Il ne fait également aucun effort pour cacher son mépris pour les universitaires et le ressentiment qu'il a d'être "non éduqué."
Au début, Jill est polie et se laisse aller à ses diatribes tout en remettant gentiment en question ses croyances. Bien qu'elle prenne soin de ne pas paraître supérieure ou jugeante.
Cependant, elle commence à perdre son calme lorsque Max apparemment continue de découvrir des problèmes dans leur salle de bain qui était auparavant en ordre, et commence à la détruire. Et ses provocations délibérées deviennent de plus en plus menaçantes.
Contrairement à The Last Wave, le film a un sens de l'humour ludique et sombre qui le rend plus purement divertissant. Cela se manifeste le mieux dans une scène de dîner malaisée où Brian ramène chez lui des collègues, et dans le personnage de Max lui-même.
Max apparaît d'abord comme un bogan inoffensif, qui, bien que bruyant et odieux, est un gars de la classe ouvrière régulier s'amusant simplement tout en faisant son travail. Mais Weir et Kants dévoilent progressivement des couches sinistres de Max, ainsi que des particularités de caractère inattendues qui en font un méchant intéressant et captivant.
Comme Max Cady de la renommée de Cape Fear, qui semble être une grande inspiration pour ce personnage, le plombier titulaire est assez intelligent pour savoir que la terreur la plus inspirante de peur ne provient pas de la violence ouverte. Mais plutôt de l'érosion subtile du sentiment de bien-être d'une personne.
La menace de viol est évoquée quelques fois, plus particulièrement par Max sous forme de "blague" de mauvais goût. Mais il ne cherche pas à nuire physiquement à Jill, simplement à la manipuler et à la provoquer pour qu'elle s'effondre nerveusement.
À la fin du film, Jill se retrouve à envisager des moyens de sortir du cauchemar que la femme tolérante et au grand cœur que nous avons rencontrée au début n'aurait jamais imaginé. Ainsi, Max a réussi sa mission de briser mentalement Jill, mais cela se retourne contre lui d'une manière qu'il n'avait pas anticipée. Ce qui est hautement satisfaisant.
Se déroulant presque entièrement dans les limites du petit appartement (cela ferait probablement une bonne pièce de théâtre), The Plumber est insupportablement claustrophobique. Et augmente habilement la tension et le sentiment de frustration et d'impuissance que ressent Jill.
Note : 8/10
Mention Honorable : Snapshot (1979)
Le titre américain de ce film, The Day After Halloween, m'a intrigué en tant que fan de horreur se déroulant à Halloween.
D'après la description IMDB de ce film, je ne m'attendais pas à grand-chose. Elle indique : “Une coiffeuse naïve est poussée par son amie vivante à devenir modèle nu, mais découvre bientôt que tout le monde qu'elle connaît veut une part d'elle.”
Bien que l'affiche promette plus d'une horreur slasher, le logline ressemblait à une leçon de morale démodée. Mais j'ai décidé de lui donner une chance, malgré quelques réticences.
Les premières minutes m'ont captivé avec des visuels vraiment saisissants, alors que des pompiers avec des lampes de poche s'aventurent à travers une épaisse fumée dans un bâtiment brûlé pour y trouver un cadavre carbonisé. Et, pendant le générique d'ouverture, des enquêteurs de la scène de crime collectent des preuves, y compris un appareil photo et des photographies de femmes nues.
Nous sommes ensuite, dans un flashback, introduits à Angela (Sigrid Thorton) alors qu'elle se précipite, flattée, dans une rue de Melbourne avant d'arriver en retard à son travail de coiffeuse. Là, elle se fait réprimander par son patron masculin codé queer pour avoir l'air “comme le dîner du chien.”
Cependant, la malheureuse Angela se redresse avec l'arrivée de sa cliente/amie glamour Madeline (Chantal Contouri). Qui pense qu'elle peut faire mieux que ce travail de salarié mal payé, et continue de la pousser à rencontrer son ami photographe Linsey (Hugh Keays-Byrne).
Madeline semble tenter de la convaincre d'essayer le mannequinat depuis un certain temps. Mais Angela est hésitante. Parmi ses nombreux complexes, elle estime avoir “une poitrine plate”. Ce à quoi Madeleine répond (dans l'une des seules répliques vraiment spirituelles et drôles du film), “Oh sucre, les seins sont sortis avec Jayne Mansfield.”
Madeline n'acceptera pas de réponse négative, et annonce au patron d'Angela qu'elle démissionne. Lui lançant une insulte homophobe agressive pour ajouter à l'effet.
À partir de ce moment, le film confirme ma première impression : il se transforme en un récit d'avertissement lassant avec un message moral douteux. Et il n'est pas subtil pour un sou.
Par exemple, une chanson incroyablement évidente joue pendant la séance photo nue : elle a littéralement des paroles comme : “Angela, es-tu allée trop loin cette fois ?”, “Maintenant que c'est fait, pas de retour en arrière !”
Les horreurs présentes dans ce film tombent complètement à plat et semblent être une réflexion tardive : le film a commencé comme un scénario intitulé Centrefold. Et les scènes de 'suspense' semblent avoir été ajoutées à la hâte pour profiter du succès récent de Halloween de John Carpenter.
Certaines d'entre elles sont carrément risibles, y compris un hommage/rip-off évident à The Godfather que l'on peut voir venir de loin. Et un sursaut mal en point impliquant un oiseau.
De plus, le réalisateur Simon Wincer a clairement pensé qu un camion de crème glacée Mr Whippy rose pastel qui diffuse la mélodie de “Greensleeves”, la principale source de terreur d'Angela, serait effrayant. Ce n'est pas le cas !
Ceci dit, le film devenait regardable grâce à une mise en scène vraiment surréaliste, et il y a quelques plans véritablement intéressants. Y compris celui où un homme prédateur découpant un rôti de bœuf semble trancher le visage d'Angela. Le climax ardent mis en place au début du film est également assez satisfaisant.
Il est également quelque peu racheté par des performances convaincantes. L'acteur de Mad Max : Fury Road Immortan Joe, Keays-Byrne, vole presque la vedette dans ses quelques scènes en tant que photographe profondément excentrique Linsey. Son obsession pour son art et ses expressions de joie ressemblant à des gobelins sont vraiment divertissantes.
Thorton fait de son mieux et est une présence sympathique, bien que le scénario ne lui fasse pas de faveur après certains développements tardifs dans le film. Il en va de même pour son apparente meilleure amie. Bien que Contouri propose une interprétation en grande partie divertissante de la femme fatale, les cinéastes décident d’ajouter une tournure aux intentions de Madeline qui joue sur des stéréotypes dangereux.
Patrick s'en est sorti en tant que potentiel Carrie copie parce qu'il était au moins subtil dans son imitation et avait en réalité une histoire intéressante à raconter. Ce film est flagrant dans son opportunisme par rapport à Halloween, car le titre américain n'a rien à voir avec le film : il se déroule pendant l'hiver australien, donc il n'est même pas situé en novembre !
Le fait qu'il ait pas moins de trois titres alternatifs (Snapshot pour la sortie australienne et One More Minute et The Day After Halloween pour l'international) trahit sa crise d'identité en tant que conte d'avertissement sur le canapé de casting caché dans un prétendu emballage de film d'horreur slasher.
Selon IMDB, “Apparemment, le scénario de ce film [du moins le premier brouillon] a été écrit en seulement dix jours.” Et oui, ça se voit.
Note : 5/10
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