Where to Watch Meilleurs films d'horreur/thrillers "Ozploitation" des années 70
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Pourquoi j'ai dressé la liste :
En écrivant ma critique de Death in Brunswick (1990), j'ai réalisé qu'il était considéré comme faisant partie de la vague de films australiens connus sous le nom de « Ozploitation ».
Ce sont des films d'exploitation à petit budget produits en Australie qui couvrent une gamme de genres. Mais principalement horreur, thriller, action, sexploitation et comédie.
Ce mouvement cinématographique australien a commencé dans les années 1970, après l’introduction de la classification R en 1971. Et est considéré comme une vague plus petite au sein de la Nouvelle Vague australienne. Qui est généralement un peu plus intellectuelle et artistique que « Ozploitation » !
Le terme a en fait été inventé par nul autre que Quentin Tarantino, qui est un fan de longue date de « Ozploitation ». Et a souvent loué beaucoup de ces films comme étant fortement influents sur les siens.
Ayant longtemps eu beaucoup de ces films dans ma liste de films à voir, il était enfin temps d'en retirer quelques-uns !
J'ai décidé de commencer par me concentrer sur les meilleurs films d'horreur/thrillers produits au début des films « Ozploitation », les années 70. Et j'ai également inclus une « mention honorable ! »
Note : J'ai « triché » un peu en passant directement pour regarder le brillant Next of Kin (1982). Et j'ai écrit une critique complète à son sujet, si cela vous intéresse de la consulter après cela !
Et je n'ai pas inclus les films des années 70 les plus connus qui tombent dans la vague « Ozploitation ». Comme Mad Max (1979), car assez d'encre a été versée à son sujet !
Walkabout (1971)
Le film qui a vraiment lancé la Nouvelle Vague australienne (et qui peut également être considéré comme « Ozploitation » en raison de ses éléments de thriller) a été, ironiquement, réalisé par un Britannique. Et a également été adapté par un scénariste anglais d'un roman écrit par un auteur anglais.
Mais bon, le directeur se trouve être le brillant Nicholas Roeg (Don’t Look Now, The Witches). Donc je doute que quelqu'un se soit plaint !
Dans seulement son deuxième effort de mise en scène, après Performance avec Mick Jagger en 1970, Roeg prouve qu'il est un maître des visuels évocateurs, des juxtapositions saisissantes et d'un sous-texte qui fait réfléchir.
Servant également de directeur de la photographie, il crée un portrait vivant de l'Outback australien, grouillant de vie. Cela n'a peut-être jamais été égalé.
L'histoire (superficiellement mince) concerne un couple d'écoliers anglais riches qui se retrouvent coincés dans le désert et laissés à leur propre sort. Avant de rencontrer un garçon aborigène adolescent (l'étonnant David Gulpilil) lors d'un “walkabout” qui les aide à survivre dans la nature.
Mais, Roeg étant Roeg, il y a une multitude de thèmes enfouis sous la surface. Qu'il transmet avec des images vives et un montage ingénieux.
Les cinéastes ont également apporté des changements au matériau d'origine pour souligner les thèmes qu'ils souhaitaient explorer. Par exemple, les enfants ne sont pas laissés coincés à cause d'un accident d'avion comme dans le roman, mais à cause d'une tentative déchirante d'annihilation familiale par leur père.
Et le film montre que plus ils se rapprochent de la civilisation, plus ils sont en danger d'être consumés par le monde hostile, autodestructeur et superficiel de la société occidentale. Qui détruit aveuglément la sphère naturelle dans laquelle ils ont trouvé tant de joie.
Comme dans I Start Counting (1969), la future star de Logan’s Run et American Werewolf in London Jenny Agutter livre une performance magnifiquement naturaliste en tant que fille adolescente. Qui, bien que têtue, a peur de sa sexualité naissante.
Bien que le film exige un peu de nudité de la jeune actrice, cela ne semble jamais exploiteur. Et Agutter elle-même a déclaré que même si elle était initialement consciente d'elle-même, elle faisait confiance à l'intention de Roeg et qu'“il y avait une simplicité et une beauté à cela”.
Le regretté Roger Ebert, sans conteste mon critique de cinéma préféré de tous les temps, a appelé Walkabout “l'un des grands films.” L'écrivain/réalisateur Alex Garland (28 Days Later, Dredd, Annihilation) est également ungrand admirateur.
C'est une pièce d'art magnifique, rêveuse et troublante, rien de moins qu'un chef-d'œuvre. Que je pense devrait figurer sur la liste des films à voir de tout le monde.
Note: 10/10
Where to Watch Walkabout (1971)
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Wake in Fright (1971)
Wake in Fright est également considéré comme un classique de « l'Ozploitation » et de la Nouvelle Vague Australienne (et également réalisé par un non-Australien). Il était sur mon radar depuis un certain temps, mais j'avais toujours retardé le moment de le regarder car cela me semblait incroyablement éprouvant.
Et maintenant que je l'ai vu, je peux témoigner que c'est effectivement le cas, et même plus. Comme d'autres films sur des thèmes similaires et de dépendance lourde tels que Christiane F. (1981) et Requiem for a Dream (2000), je pense que c'est un film important que tout le monde devrait voir au moins une fois. Mais peut-être pas une seconde fois !
Wake in Fright (rebaptisé Outback pour la sortie internationale) est adapté du roman éponyme de Kenneth Cook. Il raconte l'histoire troublante et désorientante d'un enseignant bien éduqué qui se retrouve piégé dans la fictive ville-désert de Bundanyabba.
Mais c'est les circonstances dans lesquelles il se retrouve coincé dans ce que les habitants appellent « The Yabba » qui sont particulièrement préoccupantes. Au départ, John (Gary Bond) est censé rester seulement une nuit dans cette ville poussiéreuse, une escale sur le chemin pour rendre visite à sa petite amie à Sydney.
Mais il décide de se rendre dans un pub local, où il prend une pinte et tente de socialiser. Il se lie d'amitié avec un policier sympathique qui l'encourage à boire davantage, avant de lui présenter un cercle de jeu illégal organisé à l'arrière d'un restaurant.
Bien qu'au départ hésitant, et après beaucoup plus d'alcool, John s'excite et décide de participer aux jeux d'argent. Et il se réveille horriblement en état de manque le lendemain matin pour découvrir qu'il a perdu chaque centime de son argent. Et il a manqué son vol.
Cependant, cela ne pose pas de problème, selon le policier douteux, car les gens dans « The Yabba » s'occupent de leurs « propres ». La solution est tout simplement de continuer à boire. Et si vous n'avez pas d'argent, ne vous inquiétez pas : c'est à la charge de la maison.
Bientôt, John, qui avait auparavant réussi à contrôler sa consommation d'alcool, se retrouve plongé dans un cycle éprouvant d'alcoolisme. Et un comportement immoral de plus en plus dérangeant, qui ne fait qu'empirer lorsqu'il se lie d'amitié avec le « Doc » local.
Ce personnage fou (l'étoile future de la franchise Halloween, Donald Pleasance) était autrefois médecin praticien à Sydney, jusqu'à ce que son alcoolisme prenne le dessus. Et il se retrouve coincé dans « The Yabba », tout comme John.
Il vit dans une saleté absolue et pour son prochain verre, mais prétend être heureux. Et persuade John de venir à une chasse au kangourou avec lui et quelques amis (y compris la légende du cinéma australien Jack Thompson). Bien sûr, ivre mort.
Cela conduit à la séquence la plus troublante du film, qui a provoqué des départs lors de sa projection à Cannes. Dans celle-ci, les chasseurs fortement ivres traquent les animaux dans l'obscurité avec des chiens féroces et des véhicules équipés de phares, les kangourous pris au piège dans les faisceaux.
En hurlant et en se réjouissant, ils lâchent une rafale de coups de feu sur les animaux, provoquant une destruction sanglante. Et les résultats brutaux sont montrés dans un détail écœurant.
Horriblement, nous voyons en fait des images réelles d'une chasse au kangourou (et les chasseurs réels étaient également tous très ivres). Et toute la mort et le traitement inhumain sont très réels.
Cependant, le réalisateur canadien Ted Kotcheff a vigoureusement défendu sa décision d'inclure les images graphiques. Kotcheff, qui était végétarien, pensait qu'il était important de sensibiliser le public à cette carnage nocturne barbare.
De plus, il a affirmé qu'il avait « utilisé seulement les images documentaires les plus légères. » Mais c'est toujours horrible et pas nécessairement quelque chose que j'avais besoin de voir.
Un autre problème que j'ai avec le film est que la goutte d'eau qui pousse le protagoniste à sortir de cette boucle destructrice n'est pas la chasse au kangourou barbare, mais un acte homosexuel implicite. John semble plus dérangé par la perspective du sexe gay que par le massacre aveugle d'animaux, ce qui est assez problématique.
Cependant, mise à part cette critique, Wake in Fright est très efficace comme un aperçu vraiment effrayant du chaos et de la dégradation que peut causer une consommation excessive d'alcool. Ce que j'ai vécu en première ligne.
Captivant et nauséabond du début à la fin, c'est une accusation accablante de la culture de l'alcool. Qui continue dans de nombreux pays du monde, pas seulement en Australie, jusqu'à ce jour.
Il y a aussi un brillant (mais très cruel) retournement près de la fin qui rend le film incroyablement mémorable. À mon avis, il devrait être montré aux adolescents dans les lycées pour les dissuader de boire !
Note : 9/10 (serait un 10 si ce n'était pas pour la séquence punissante du kangourou!)
Where to Watch Wake in Fright (1971)
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Les voitures qui ont dévoré Paris (1974)
Considéré comme l'un des premiers de nombreux films australiens « de voiture », The Cars That Ate Paris a été une influence majeure sur Mad Max de George Miller, certainement le film « Ozploitation » le plus connu.
Pour son premier long-métrage, le futur The Truman Show réalisateur Peter Weir a eu l'idée de ce film véritablement bizarre mais brillant lors de vacances en Europe. Là où il a vu que “les panneaux routiers sur les principales routes françaises l'ont détourné vers ce qu'il percevait comme de étranges petits villages.”
Ces “étranges petits villages” allaient finalement l'amener à développer une histoire autour de la ville fictive isolée de Paris dans l'Outback australien. Où une société archaïque et dangereuse est en train de se former.
Weir évoque un air palpable d'effroi et de menace dès que nous entrons à Paris à travers les yeux du protagoniste outsider Arthur (Terry Camilleri), qui survit à un accident de voiture en route vers la ville.
Et nous commençons bientôt à découvrir son secret : l'ensemble de la société et de l'économie de l'établissement semble être basé sur le profit tiré des véhicules accidentés.
Les habitants, dirigés par le maire terriblement résolu, provoquent délibérément des accidents sur les routes farinées menant à Paris. Afin de récupérer et d'échanger les pièces qu'ils récupèrent.
Tout survivants sont envoyés dans un sinistre hôpital psychiatrique où un docteur douteux réalise de terribles expériences. Cependant, certaines exceptions sont faites, y compris pour Arthur, que le maire annonce mystérieusement comme étant “l'un des nôtres”, avant qu'il ne commence à l'endoctriner dans les machinations de la ville.
Cependant, cet amour insidieux pour le chaos automobile a dépassé les limites : les aînés ont perdu le contrôle sur les jeunes hommes. Qui ont pris l'habitude de construire des voitures menaçantes prêtes au combat pour semer la destruction à l'intérieur de la ville elle-même.
Ainsi, comme dans beaucoup de films de Weir, une société est montrée comme responsable de sa propre chute. Et quelle chute spectaculaire cela s'avère être ! Je veux toujours savoir combien de voitures ils ont détruites pendant la production, mais je ne trouve pas le nombre en ligne !
Fait intéressant, The Cars That Ate Paris était l'un des films préférés de Stanley Kubrick. Et ce n'est pas difficile de voir pourquoi : le film est absolument fou mais aussi fascinant. Et a beaucoup à dire sur les dangers d'une pensée de groupe non contestée.
De plus, la mentalité de culte des résidents de la ville dégage sérieusement des vibrations The Wicker Man, un compliment majeur. Il suffit de remplacer le culte des dieux païens par celui des accidents de voiture.
Si le film n'est pas assez farfelu pour vous, vous pouvez toujours écouter des histoires sur l'adaptation théâtrale musicale improbable !
Note : 8/10
The Last Wave (1977)
Déconcertant est le meilleur moyen de décrire le prochain effort de Peter Weir pour faire cette liste (son classique de 1975 Picnic at Hanging Rock est considéré comme un pur film de la Nouvelle Vague australienne et non comme de l' "Ozploitation".)
The Last Wave se situe en quelque sorte entre les deux mouvements cinématographiques : c'est un film plutôt artistique et philosophique, mais il y a aussi un meurtre potentiel à résoudre et beaucoup de séquences empreintes d'horreur.
Il commence comme une histoire assez réaliste sur un avocat blanc engagé pour représenter des suspects meutriers aborigènes (y compris Gulpilil de Walkabout) au tribunal. Mais cela se transforme rapidement en un thriller psychologique surréaliste impliquant des prophéties et des événements mystiques qui semblent positivement apocalyptiques.
Le film est profondément préoccupé par l'effondrement environnemental et dépeint plusieurs calamités liées aux conditions météorologiques, ce qui le rapproche de l' éco-horreur. Cela est renforcé par un design sonore véritablement troublant et primé, qui donne l'impression que Mère Nature est le véritable méchant.
Mais The Last Wave suggère également fortement qu'il y a un autre antagoniste tout aussi insaisissable et puissant qui se cache dans ce film. Les effets de la colonisation sur les peuples autochtones.
Le film n'hésite pas à montrer les conséquences désastreuses de l'oppression des Aborigènes, y compris l'alcoolisme et la vagabondage.
Cela finit par se lier à la forte veine de mysticisme fascinante qui traverse tout le film. Mais je ne dirai pas trop de choses, car vous devriez découvrir vous-même le parcours de rédemption de David (acteur queer Richard Chamberlain) !
Note : 8/10
Where to Watch The Last Wave (1977)
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Patrick (1978)
“Ozploitation” a fait ses premiers pas dans le domaine de l'horreur surnaturelle ouverte avec Patrick de Richard Franklin, l'histoire d'un patient dans le coma qui développe des capacités télékinétiques dangereuses et les utilise pour terroriser son infirmière.
Le film a été découvert par un jeune Tarantino, qui a cité Patrick comme influent sur son propre travail. Notamment, la façon singulière dont le personnage principal crache, que il a rendu hommage avec Uma Thurman dans Kill Bill.
De la description de l'intrigue de base, Patrick semble être une tentative de capitaliser sur le succès de Carrie quelques années plus tôt. Cependant, le scénariste Everett de Roche avait apparemment travaillé sur le script pendant plusieurs années avant que le film ne soit projeté.
Néanmoins, il y a définitivement certaines similitudes avec Carrie que je pense avoir pu être ajoutées en réponse à ce film. Y compris la conception sonore chaque fois que des capacités psychiques sont en jeu. Et un saut effrayant de dernière minute dans les dernières minutes qui reflète l'épreuve d'Amy Irving dans le film de 1976.
Et le compositeur Brian May (meilleur connu pour les deux premiers films Mad Max) évoque indéniablement la bande originale du film classique de Brian de Palma dans certaines scènes. Particulièrement celles impliquant la protagoniste Kathy simplement occupée à ses affaires.
Curieusement, j'ai découvert que la bande originale a été remplacée par celle composée par nul autre que Goblin (Suspiria) lorsque le film a été sorti en Italie, car les producteurs italiens n'étaient pas impressionnés par la musique originale. La version de la bande originale de Goblin est disponible sur YouTube si cela vous intéresse!
C'est vraiment fascinant que tant de films sur les capacités psychiques soient apparus simultanément dans les années 70 (Carrie, The Last Wave, ce film, The Fury, The Medusa Touch…) Il devait y avoir quelque chose dans l'air!
Patrick est définitivement l'un des entrées les plus solides dans ce sous-genre étrange de l'horreur psychique. Le script est globalement très solide et intéressant, et augmente principalement la tension à mesure que le film progresse.
Bien que le troisième acte soit un peu alourdi par une scène de trop de Kathy parlant au téléphone alors qu'elle enquête sur les agissements de Patrick. Cela aurait probablement pu être coupé pour un film plus serré.
De plus, Patrick n'est pas vraiment très inspiré visuellement : c'est un peu plat pour un film se déroulant dans un hôpital gothique. À l'exception d'une séquence où Kathy fait entrer un ami neuroscientifique pour obtenir un avis extérieur sur Patrick (mais cela utilise beaucoup d'éclairage stroboscopique, donc attention si vous y êtes sensible !)
Un grand point positif est que le personnage de Kathy est bien écrit et assez fort. Et l'actrice britannique Susan Penhaligon est immensément sympathique dans le rôle. Elle apparaît comme gentille et ouverte d'esprit, mais aussi affirmée et déterminée.
Contrairement à la plupart des héroïnes dans des films comme celui-ci, qui s'enfuient en criant à la première apparition du surnaturel, elle prend tous les phénomènes avec calme et reste largement imperturbable. Et elle est admirablement pragmatique lors du climax du film.
Ailleurs dans le casting, Julia Blake est immensément divertissante en tant que la dure et désabusée Matron Cassidy, qui a définitivement certains des meilleures répliques. En particulier lors de l'entretien d'embauche de Kathy près du début du film.
Celles-ci incluent : "Nous ne sommes pas intéressés par des femmes au foyer agitées qui démissionneront au premier signe d'un protège-lit souillé !" Et "Nous avons tendance à attirer certains types. Les lesbiennes, les nymphomanes, les spécialistes de l'enema…"
Patrick a eu un remake en 2013. Avec Rachel Griffiths dans le rôle de Matron Cassidy, Sharni Vinson de You’re Next dans le rôle de Kathy, et Charles Dance dans le rôle du Dr. Roget.
Mais à toutes fins utiles, le remake n'est pas très bon, bien que le réalisateur Mark Hartley soit un grand fan de l'original. Ce que vous devriez probablement regarder à la place !
Note : 6.5/10
Where to Watch Patrick (1978)
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Le Plombier (1979)
Le Plombier marque la troisième fois que le prolifique Peter Weir apparaît sur cette liste. Et c'est vraiment le dernier de ses films qui pourrait être qualifié "d'Ozploitation."
Il se tournerait vers la réalisation de l'épopée de guerre australienne Gallipoli (1981), puis vers des films de studio hollywoodiens comme The Year of Living Dangerously (1982) et Dead Poets Society (1989). Donc n'attendez pas à le voir sur ma liste des années 80!
À première vue, Le Plombier est un thriller d'invasion de domicile assez simple, alors que Jill (Judy Morris), une universitaire au tempérament doux, est harcelée puis finalement terrorisée par le réparateur déséquilibré Max (Ivar Kants). Mais, comme on pouvait déjà s’y attendre de Weir, qui a également coécrit le scénario, le film est plein de subtilité et de profondeur thématique.
Comme dans The Last Wave, Weir explore des problématiques telles que le privilège blanc et de classe, ainsi que les inégalités sociales ayant des conséquences inattendues. Et la fragilité de la sécurité des classes moyenne et supérieure dans une société avec une classe inférieure désenchantée.
La première idée géniale de Weir, la première d'une longue série, était de faire de Jill et de son mari Brian (Robert Coleby) des anthropologues. Ce sont des gens éduqués et sensés qui ont beaucoup voyagé et interagi avec des tribus primitives.
Nous faisons la connaissance de Jill alors qu'elle demande à son mari ce qu'il pense de son manuscrit sur les tribus en Nouvelle-Guinée. Elle finit par décrire une rencontre avec un "sorcier" qui est entré dans sa tente et a effectué un rite tribal, plongeant dans une profonde transe.
Et pour le sortir de cela, elle lui a jeté un bol de lait de chèvre au visage. Ce qui, avec l'intrigue du film, est arrivé à un ami de Weir.
Après que Brian soit parti donner une conférence, Jill tente de travailler sur ses études, mais elle est interrompue par l'arrivée du personnage éponyme. Perplexe et réticente à le laisser entrer car ils n'ont pas appelé de plombier, elle cède après qu'il lui ait assuré qu'il ne s'agissait que d'une vérification de routine ordonnée par les autorités du campus.
Max se présente d'abord comme joyeux et respectueux, mais cette façade commence à se fissurer et son comportement devient de plus en plus perturbateur et intrusif. Il ne cache également aucunement son mépris pour les universitaires et le gros complexe qu'il a à être "non éduqué."
Au début, Jill est polie et cède à ses diatribes tout en questionnant doucement ses croyances. Bien qu'elle prenne soin de ne pas paraître supérieure ou jugeante.
Cependant, elle commence à perdre son calme lorsque Max apparemment continue de découvrir des problèmes dans leur salle de bain auparavant en bon état et commence à la détruire. Et ses provocations délibérées deviennent plus menaçantes.
Contrairement à The Last Wave, le film a un sens de l'humour ludique et sombre qui le rend plus purement divertissant. Cela est particulièrement illustré lors d'une scène de dîner maladroite où Brian ramène des collègues à la maison, et dans le personnage de Max lui-même.
Max apparaît d'abord comme un bogan inoffensif, qui, bien que bruyant et désagréable, est un gars de la classe ouvrière qui s'amuse simplement en faisant son travail. Mais Weir et Kants révèlent progressivement des couches sinistres à Max, ainsi que des traits de caractère inattendus qui en font un vilain intéressant et captivant.
Comme Max Cady de Cape Fear, qui semble être une grande inspiration pour ce personnage, le plombier titulaire est assez intelligent pour savoir que le terreur la plus inspirante de peur ne vient pas de la violence ouverte. Mais plutôt de l'érosion subtile du sens du bien-être d'une personne.
La menace de viol est sous-entendue à quelques reprises, surtout par Max sous la forme d'une “blague” de mauvais goût. Mais il ne veut pas réellement faire de mal à Jill, simplement l'induire en erreur et la provoquer jusqu'à un effondrement nerveux.
À la fin du film, Jill se retrouve à envisager des moyens de sortir du cauchemar que la femme tolérante et bienveillante que nous avons vue au début n'aurait jamais imaginé. Donc, Max a réussi dans sa mission de briser psychologiquement Jill, mais cela se retourne contre lui d'une manière qu'il n'a pas vue venir. Ce qui est très satisfaisant.
Se déroulant presque entièrement dans le cadre de ce petit appartement (cela ferait probablement une bonne pièce de théâtre), The Plumber est insupportablement claustrophobe. Et augmente magistralement la tension ainsi que le sentiment de frustration et d'impuissance que ressent Jill.
Note : 8/10
Mention Honorable : Snapshot (1979)
Le titre américain de ce film, The Day After Halloween, m'a intrigué en tant que fan de horreur se déroulant autour d'Halloween.
D'après la description IMDB de ce film, je ne m'attendais pas à grand-chose. Elle dit : “Une coiffeuse naïve est poussée par son amie pleine de vie à devenir modèle nu, mais découvre bientôt que tout le monde qu'elle connaît veut une part d'elle.”
Bien que l'affiche promettait plus un film d'horreur slasher, la ligne de description sonnait comme une leçon morale désuète. Mais j'ai décidé de lui donner une chance, malgré quelques réserves.
Les premières minutes m'ont captivé avec des visuels vraiment saisissants, alors que des pompiers avec des torches s'avancent à travers une épaisse fumée dans un bâtiment brûlé pour trouver un cadavre carbonisé. Et, au-dessus des crédits d'ouverture, des enquêteurs de la scène de crime collectent des preuves, y compris un appareil photo et des photographies de femmes nues.
Nous sommes ensuite, en flashback, présentés à Angela (Sigrid Thorton) qui, flustered, court dans une rue de Melbourne avant d'arriver en retard à son emploi de coiffeuse. Là, elle est réprimandée par son patron masculin aux codes queer pour avoir l'air “comme un dîner de chien.”
Cependant, la malheureuse Angela se reprend avec l'arrivée de sa cliente/amie glamour Madeline (Chantal Contouri). Qui pense qu'elle peut faire mieux que ce travail mal payé d'esclave salarial, et continue de l'encourager à rencontrer son ami photographe Linsey (Hugh Keays-Byrne).
Madeline semble tenter de la convaincre d'essayer le mannequinat depuis un certain temps. Mais Angela est hésitante. Parmi ses nombreux complexes, elle dit être “plate comme une planche.” À quoi Madeleine répond (dans l'une des seules répliques vraiment spirituelles et drôles du film), “Oh chérie, les petits seins ont disparu avec Jayne Mansfield.”
Madeline ne prendra pas non pour réponse, et annonce au patron d'Angela qu'elle démissionne. Jetant une insulte homophobe agressive dans sa direction pour faire bonne mesure.
À partir de ce moment, le film confirme ma première impression : il se transforme en un conte moral fatiguant avec des messages moraux discutables. Et il n'est en rien subtil.
Par exemple, une chanson incroyablement explicite joue pendant la séance photo nue : elle a littéralement les paroles : “Angela, es-tu allée trop loin cette fois-ci ?”, “Maintenant que c'est fait, pas de retour en arrière !”
L'horreur présente dans ce film tombe complètement à plat et semble être une réflexion secondaire : le film a commencé sous la forme d'un scénario appelé Centrefold. Et les scènes de ‘suspense’ apparaissent comme hâtivement collées pour profiter du récent succès d'Halloween de John Carpenter.
Certaines d'entre elles sont carrément risibles, y compris un hommage/clonage évident à The Godfather que l'on peut voir venir de loin. Et un sursaut sans cœur impliquant un oiseau.
De plus, le réalisateur Simon Wincer pensait clairement qu un camion de crème glacée Mr. Whippy rose pastel qui diffuse la mélodie de “Greensleeves”, la principale source de terreur d'Angela, serait effrayant. Ce n'est pas le cas !
Cela étant dit, le film est rendu regardable par une mise en scène vraiment surréaliste, et il y a quelques plans vraiment intéressants. Y compris un où un homme prédateur découpant un rôti de boeuf semble trancher le visage d'Angela. Le climax ardent mis en place au début du film est aussi plutôt satisfaisant.
Il est également en partie racheté par des performances convaincantes. L'acteur de Mad Max : Fury Road, Immortan Joe Keays-Byrne, vole pratiquement la vedette dans ses quelques scènes en tant que photographe profondément excentrique Linsey. Son obsession pour son art et ses expressions de joie de gobelin sont véritablement divertissantes.
Thorton fait de son mieux et est une présence sympathique, bien que le scénario ne favorise pas son personnage après certains développements tardifs dans le film. Il en va de même pour son apparemment meilleure amie. Bien que Contouri propose une interprétation plutôt divertissante de la femme fatale, les cinéastes décident d'introduire un rebondissement dans les intentions de Madeline qui s'inscrit dans des stéréotypes dangereux.
Patrick a réussi à se distinguer comme un potentiel Carrie sans trop de subtilité dans son imitation et avait en réalité une histoire intéressante à raconter. Ce film est flagrant dans sa tentative de surfer sur Halloween, car le titre américain n'a rien à voir avec le film : il se déroule durant l'hiver australien, donc il n'est même pas situé en novembre !
Le fait qu'il a pas moins de trois titres alternatifs (Snapshot pour la sortie australienne et One More Minute et The Day After Halloween pour l'international) trahit sa crise d'identité en tant que conte d'avertissement sur le casting caché à l'intérieur d'un supposé paquet de slasher horreur.
Selon IMDB, “Il a été rapporté que le scénario de ce film [du moins le premier brouillon] a été écrit en seulement dix jours.” Et oui, ça se voit.
Évaluation : 5/10
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Where to Watch Mention Honorable: Snapshot (1979)
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