Pourquoi j'ai établi cette liste :
Alors que j'écrivais ma critique de Death in Brunswick (1990), j'ai réalisé qu'elle était considérée comme faisant partie de la vague de films australiens connus sous le nom d'« Ozploitation ».
Ce sont des films d'exploitation à petit budget produits en Australie qui couvrent une gamme de genres. Mais principalement horreur, thriller, action, sexploitation et comédie.
Ce mouvement cinématographique australien a commencé dans les années 1970, après l'introduction de la classification R en 1971. Et il est considéré comme une vague plus petite au sein de la Nouvelle Vague australienne de films. Qui sont généralement un peu plus intellectuels et artistiques que l'« Ozploitation » !
Le terme a en fait été inventé par nul autre que Quentin Tarantino, qui était un fan de longue date de l'« Ozploitation ». Et il a fréquemment loué plusieurs de ces films comme étant très influents sur le sien.
Ayant depuis longtemps de nombreux de ces films sur ma liste de visionnage, il était enfin temps d'en regarder certains !
J'ai décidé de commencer par me concentrer sur les meilleurs films d'horreur/thriller produits au début des films « Ozploitation », les années 70. Et j'ai également inclus une « mention honorable ! »
Note : j'ai « triché » un peu en sautant en avant pour regarder le brillant Next of Kin (1982). Et j'ai écrit une critique complète de celui-ci, si vous êtes intéressé à le découvrir après ça !
Et je n'ai délibérément pas inclus les films des années 70 les plus connus qui font partie de la vague « Ozploitation ». Comme Mad Max (1979), car suffisamment d'encre a été répandue à son sujet !
Walkabout (1971)
Le film qui a vraiment lancé la Nouvelle Vague australienne (et qui peut également être considéré comme « Ozploitation » en raison de ses éléments de thriller) a été, ironiquement, réalisé par un Britannique. Et également adapté par un scénariste anglais d'un roman d'un auteur anglais.
Mais bon, le réalisateur n'est autre que le brillant Nicholas Roeg (Don’t Look Now, The Witches). Donc, je doute que quiconque s'en plaigne !
Dans seulement son deuxième film en tant que réalisateur, après Performance avec Mick Jagger en 1970, Roeg prouve qu'il est un maître des visuels évocateurs, du contraste saisissant et du sous-texte qui fait réfléchir.
Servant également de directeur de la photographie, il crée un portrait vivant de l'Outback australien, regorgeant de vie. Cela n'a peut-être jamais été égalé.
Le récit (apparemment mince en surface) concerne une paire de jeunes écoliers anglais qui sont bloqués dans le désert et laissés à fend pour eux-mêmes. Avant de croiser un adolescent aborigène (l'étonnant David Gulpilil) lors d'un “walkabout” qui les aide à survivre dans la nature.
Mais, Roeg étant Roeg, il y a une tonne de thèmes enfouis sous la surface. Qu'il transmet avec des images vives et un montage ingénieux.
Les cinéastes ont également apporté quelques modifications au matériel source pour souligner les thèmes qu'ils souhaitaient explorer. Par exemple, les enfants ne sont pas laissés à l'abandon à cause d'un accident d'avion comme dans le roman, mais par une tentative d'annihilation familiale par leur père.
Et le film montre plus ils se rapprochent de la civilisation, plus ils sont en danger d'être engloutis par le monde hostile, autodestructeur et superficiel de la société occidentale. Qui détruit sans réflexion la sphère naturelle dans laquelle ils ont trouvé tant de joie.
Comme dans I Start Counting (1969), la future star de Logan’s Run et American Werewolf in London Jenny Agutter livre une performance magnifiquement naturaliste en tant que jeune fille. Qui, bien qu'entêtée, a peur de sa sexualité naissante.
Bien que le film exigeât une certaine nudité de la jeune actrice, cela ne semble jamais exploitant. Et Agutter elle-même a dit que bien qu'elle ait d'abord été mal à l'aise, elle faisait confiance à l'intention de Roeg et qu'"il y avait une simplicité et une beauté à cela".
Le défunt Roger Ebert, sans conteste mon critique de cinéma préféré, a qualifié Walkabout de “l'un des grands films.” L'écrivain/réalisateur Alex Garland (28 Days Later, Dredd, Annihilation) est également ungrand admirateur.
C'est une œuvre d'art magnifique, rêveuse et troublante, rien de moins qu'un chef-d'œuvre. Que je pense devrait figurer sur la liste des films à voir pour tout le monde.
Note : 10/10
Where to Watch Walkabout (1971)
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Wake in Fright (1971)
Wake in Fright est également considéré comme un classique à la fois de l'"Ozploitation" et du Nouvel An Australien (et aussi réalisé par un non-Australien). Cela faisait un certain temps qu'il était sur mon radar, mais j'avais toujours remis le moment de le regarder parce que cela semblait incroyablement éprouvant.
Et maintenant que je l'ai vu, je peux témoigner que c'est le cas, et bien plus encore. Comme d'autres films sur le thème de l'addiction, tels que Christiane F. (1981) et Requiem for a Dream (2000), j'ai l'impression que c'est un film important que tout le monde devrait regarder au moins une fois. Mais peut-être pas une seconde fois !
Wake in Fright (rebaptisé Outback pour la sortie internationale) est adapté du roman du même nom de Kenneth Cook. Il raconte l'histoire troublante et désorientante d'un enseignant bien éduqué qui se retrouve piégé dans la ville fictive du désert appelée Bundanyabba.
Mais ce sont les circonstances dans lesquelles il se retrouve coincé dans ce que les habitants appellent « The Yabba » qui sont particulièrement préoccupantes. Au départ, John (Gary Bond) est censé ne rester qu'une nuit dans cette ville poussiéreuse, une halte sur le chemin de sa petite amie à Sydney.
Mais il décide de sortir dans un pub local, où il prend une pinte et tente de socialiser. Il se lie d'amitié avec un policier aimable qui l'incite à boire davantage, avant de l'introduire dans un cercle de jeux d'argent illégaux qui se tient à l'arrière d'un restaurant.
Bien qu'hésitant au départ, et après avoir bu beaucoup plus d'alcool, John s'excite et décide de participer aux jeux. Il se réveille horriblement avec une gueule de bois le lendemain matin pour découvrir qu'il a perdu chaque centime de son argent. Et il a raté son vol.
Cependant, cela n'est pas un problème, selon le policier douteux, car les gens de « The Yabba » prennent soin de leurs « propres ». La solution est tout simplement de continuer à boire. Et si vous n'avez pas d'argent, ne vous inquiétez pas : c'est à la maison.
Rapidement, John, qui avait précédemment montré qu'il pouvait contrôler sa consommation d'alcool, se retrouve entraîné dans un cycle épouvantable d'alcoolisme. Et un comportement immoral de plus en plus troublant, qui ne fait qu'empirer lorsqu'il se lie d'amitié avec le "Doc" local.
Ce personnage fou (le futur Halloween) était autrefois un médecin pratiquant à Sydney, jusqu'à ce que son alcoolisme prenne le dessus. Et il se retrouve coincé à "The Yabba", tout comme John.
Il vit dans une pauvreté absolue et ne pense qu'à son prochain verre, mais prétend être heureux. Et il persuade John de venir chasser des kangourous avec lui et quelques amis (y compris la légende du cinéma australien Jack Thompson). Évidemment, ivre mort.
Cela mène à la séquence la plus troublante du film, qui a provoqué des départs lors de sa projection à Cannes. Dans cette séquence, les chasseurs fortement ivres poursuivent les animaux dans le noir avec des chiens féroces et des véhicules équipés de projecteurs, les kangourous étant impuissants, pris dans les faisceaux.
En hurlant de joie, ils lâchent une salve de balles sur les animaux, causant une destruction sanglante. Et les résultats brutaux sont montrés dans des détails nauséabonds.
Horriblement, nous voyons réellement des images d'une vraie chasse aux kangourous (et les vrais chasseurs étaient aussi tous très ivres). Et toute cette mort et ce traitement inhumain sont très réels.
Cependant, le réalisateur canadien Ted Kotcheff a fermement défendu sa décision d'inclure les images graphiques. Kotcheff, qui était végétarien, pensait qu'il était important de sensibiliser le public à ce carnage nocturne barbare.
De plus, il a affirmé avoir "utilisé uniquement les images documentaires les plus douces." Mais c'est tout de même horrible et pas nécessairement quelque chose que j'avais besoin de voir.
Un autre problème que j'ai avec le film, c'est que la goutte qui fait déborder le vase et pousse le protagoniste à sortir de cette boucle destructrice n'est pas la chasse barbare aux kangourous, mais un acte homosexuel implicite. John est montré comme plus perturbé par la perspective d'un rapport sexuel gay que par l'abattage insensé des animaux, ce qui est assez problématique.
Cependant, à part cette querelle, Wake in Fright est très efficace comme un véritable aperçu terrifiant du chaos et de la dégradation que peut causer une consommation excessive d'alcool. Ce que j'ai expérimenté de première main.
Captivant et nauséabond du début à la fin, c'est un accusation accablante de la culture de l'alcool. Qui continue dans de nombreux pays à travers le monde, pas seulement en Australie, jusqu'à ce jour.
Il y a aussi une brillante (mais très cruelle) tournure près de la fin qui rend le film incroyablement mémorable. À mon avis, il devrait être montré aux adolescents dans les lycées pour les dissuader de boire !
Note : 9/10 (ce serait 10 si ce n'était pas pour la séquence punitive des kangourous !)
Where to Watch Wake in Fright (1971)
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Les voitures qui ont mangé Paris (1974)
Considéré comme l'un des premiers d'une longue série de films australiens sur les "voitures", The Cars That Ate Paris a eu une influence majeure sur Mad Max de George Miller, définitivement le film “Ozploitation” le plus connu.
Pour son premier long métrage, le futur The Truman Show réalisateur Peter Weir a eu l'idée de ce film vraiment étrange mais brillant pendant des vacances en Europe. Où il a vu que « les panneaux routiers sur les principales routes françaises l'ont détourné vers ce qu'il percevait comme des petits villages étranges. »
Ces « petits villages étranges » allaient finalement le conduire à développer une histoire autour de la ville fictive isolée de Paris dans l'Outback australien. Où une société rétrograde et dangereuse est en train de se former.
Weir évoque une atmosphère palpable de terreur et de menace dès notre entrée à Paris à travers les yeux du protagoniste extérieur Arthur (Terry Camilleri), qui survit à un accident de voiture en entrant dans la ville.
Et nous commençons bientôt à découvrir son secret : l'ensemble de la société et de l'économie de la colonie semble être basé sur le bénéfice tiré des véhicules détruits.
Les habitants, dirigés par le maire terriblement résolu, provoquent délibérément des accidents sur les routes délabrées menant à Paris. Afin de récupérer et de troquer les pièces qu'ils récupèrent.
Tout survivant est envoyé dans un hôpital psychiatrique sinistre où un médecin douteux effectue de terribles expériences. Cependant, certaines exceptions sont faites, y compris pour Arthur, que le maire annonce mystérieusement comme étant « l'un d'entre nous », avant de commencer à l'endoctriner dans les machinations de la ville.
Cependant, cette adoration insidieuse du chaos automobile a dépassé les bornes : les anciens ont perdu le contrôle sur les jeunes hommes. Qui se sont mis à construire des voitures menaçantes et prêtes à la bataille pour semer la destruction au sein même de la ville.
Ainsi, comme dans de nombreux films de Weir, une société est montrée comme responsable de sa propre chute. Et quelle chute spectaculaire cela s'avère être ! Je veux toujours savoir combien de voitures ils ont détruites pendant la production, mais je ne trouve pas le nombre en ligne !
Fait intéressant, The Cars That Ate Paris a été l'un des films préférés de Stanley Kubrick. Et il n'est pas difficile de voir pourquoi : le film est totalement fou mais aussi hypnotisant. Et il a beaucoup à dire sur les dangers de la pensée collective non remise en question.
De plus, la mentalité de type secte des habitants de la ville dégage de graves vibes de The Wicker Man, un compliment majeur. Remplacez simplement le culte des dieux païens par celui des accidents de voiture.
Si le film n'est pas assez loufoque pour vous, vous pouvez toujours entendre des histoires sur l'adaptation musicale scénique improbable !
Note : 8/10
La Dernière Vague (1977)
Inquiétant est la meilleure façon de décrire le prochain effort de Peter Weir pour réaliser cette liste (son classique de 1975 Picnic at Hanging Rock est considéré comme purement australien et non « Ozploitation ».)
La Dernière Vague oscille entre les deux mouvements cinématographiques : c'est un film plutôt artistique et philosophique, mais il y a aussi un meurtre potentiel à résoudre et beaucoup de séquences imprégnées d'horreur.
Il commence comme une histoire relativement ancrée sur un avocat blanc engagé pour défendre des suspects aborigènes de meurtre (y compris Gulpilil de Walkabout) au tribunal. Mais il se transforme rapidement en un thriller psychologique surréaliste impliquant des prophéties et des événements mystiques qui semblent profondément apocalyptiques.
Le film se préoccupe profondément de l'effondrement environnemental et dépeint plusieurs calamités liées aux intempéries, ce qui le rapproche de l'éco-horreur. Cela est renforcé par un design sonore véritablement perturbant et primé, qui fait paraître Mère Nature comme le véritable méchant.
Mais La Dernière Vague sous-entend également qu'il y a un autre antagoniste tout aussi insaisissable et puissant qui rôde dans ce film. Les effets de la colonisation sur les peuples autochtones.
Le film n'hésite pas à montrer les conséquences désastreuses de l'oppression des Aborigènes. Y compris l'alcoolisme et la vagabondage.
Cela finit par s'intégrer dans le fort courant de mysticisme fascinant qui traverse tout le film. Mais je ne dirai pas trop de choses, car vous devriez découvrir par vous-même le parcours de réconciliation de David (acteur queer Richard Chamberlain) !
Note : 8/10
Patrick (1978)
“Ozploitation” a fait ses premiers pas dans le territoire de l'horreur surnaturelle ouverte avec Patrick de Richard Franklin, l'histoire d'un patient comateux qui développe des capacités télékinétiques dangereuses et les utilise pour terrifier son infirmière.
Le film a été découvert par un jeune Tarantino, qui a cité Patrick comme une influence sur son propre travail. Notamment, la manière singulière dont le personnage principal crache, ce à quoi il a rendu hommage avec Uma Thurman dans Kill Bill.
À partir de la description de l'intrigue de base, Patrick semble être une tentative de capitaliser sur le succès de Carrie quelques années plus tôt. Cependant, le scénariste Everett de Roche avait visiblement travaillé sur le script pendant plusieurs années avant que le film ne soit réalisé.
Néanmoins, il y a définitivement certaines similitudes avec Carrie que je pense avoir été ajoutées en réponse à ce film. Y compris le design sonore chaque fois que des capacités psychiques sont en jeu. Et un saut de peur de dernière minute dans les dernières minutes qui évoque l'épreuve d'Amy Irving dans le film de 1976.
Et le compositeur Brian May (mieux connu pour les deux premiers films Mad Max) évoque indéniablement la bande originale du film classique de Brian de Palma dans certaines scènes. Particulièrement celles impliquant la protagoniste Kathy simplement vaquant à ses occupations.
Curieusement, j'ai découvert que la bande originale a été remplacée par une composée par nul autre que Goblin (Suspiria) lorsque le film a été diffusé en Italie, car les producteurs italiens n'étaient pas impressionnés par la musique originale. La version de la bande originale de Goblin est disponible sur YouTube si ça vous intéresse !
C'est vraiment fascinant que tant de films sur les capacités psychiques soient apparus simultanément dans les années 70 (Carrie, The Last Wave, ce film, The Fury, The Medusa Touch…) Il devait y avoir quelque chose dans l'air !
Patrick est définitivement l'une des entrées les plus solides dans ce sous-genre d'horreur psychique étrange. Le scénario est globalement très solide et intéressant, et augmente principalement la tension au fur et à mesure que le film progresse.
Bien que le troisième acte soit un peu alourdi par une scène de trop de Kathy parlant au téléphone alors qu'elle enquête sur les agissements de Patrick. Cela aurait probablement pu être coupé pour un film plus serré.
De plus, Patrick n'est pas vraiment très inspiré visuellement : c'est un peu plat pour un film se déroulant dans un hôpital gothique. Sauf pour une séquence où Kathy fait entrer un collègue neuroscientifique pour obtenir un avis extérieur sur Patrick (mais cela comporte beaucoup de lumières stroboscopiques, donc attention si vous êtes sensible à cela !)
Un grand point positif est que le personnage de Kathy est bien écrit et plutôt fort. Et l'actrice britannique Susan Penhaligon est extrêmement sympathique dans le rôle. Elle apparaît comme gentille et ouverte d'esprit, mais également assertive et déterminée.
Contrairement à la plupart des héroïnes dans des films comme celui-ci, qui s'enfuient en hurlant à la première apparition du surnaturel, elle prend tous les phénomènes avec calme et n'est en grande partie pas perturbée. Et elle est admirablement pragmatique dans le climax du film.
Dans le reste du casting, Julia Blake est extrêmement divertissante en tant que Matron Cassidy, la matronne dure et désenchantée de l'hôpital, qui a certainement certaines des meilleures répliques. Particulièrement lors de l'entretien d'embauche de Kathy près du début du film.
Celles-ci incluent : “Nous ne sommes pas intéressés par des ménagères impatientes qui démissionneront à la première apparition d'un bassin souillé !” Et “Nous avons tendance à attirer certains types. Les lesbiennes, les nymphomanes, les spécialistes des lavements…”
Patrick a eu un remake en 2013. Avec Rachel Griffiths dans le rôle de Matron Cassidy, You’re Next’s Sharni Vinson en tant que Kathy, et Charles Dance en tant que Dr. Roget.
Mais de tous les comptes le remake n'est pas très bon, malgré le fait que le réalisateur Mark Hartley soit un grand fan de l'original. Que vous devriez probablement simplement regarder à la place !
Note : 6.5/10
Where to Watch Patrick (1978)
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Le Plombier (1979)
Le Plombier marque la troisième fois que le prolifique Peter Weir apparaît sur cette liste. Et c’est vraiment le dernier de ses films qui pourrait être qualifié d’“Ozploitation.”
Il allait se tourner vers la réalisation de l’épopée de guerre australienne Gallipoli (1981), puis des films de studio à Hollywood comme L’Année de tous les dangers (1982) et Le Cercle des poètes disparus (1989). N’attendez donc pas à le voir sur ma liste des années 80!
En surface, Le Plombier est un thriller d’invasion domestique assez simple, alors que l’académique tranquille Jill (Judy Morris) est ennuyée puis finalement terrorisée par l'artisan détraqué Max (Ivar Kants). Mais, comme on pouvait déjà s’y attendre de Weir, qui a également coécrit le scénario, le film est plein de subtilité et de profondeur thématique.
Comme dans La Dernière Vague, Weir explore des questions telles que le privilège blanc et de classe, et les inégalités sociétales ayant des conséquences inattendues. Et la fragilité de la sécurité de la classe moyenne et supérieure dans une société avec une classe sous-désenchantée.
La première idée géniale de Weir, la première de nombreuses autres, était de faire de Jill et de son mari Brian (Robert Coleby) des anthropologues. Ce sont des personnes éduquées et équilibrées qui ont beaucoup voyagé et ont interagi avec et tenté de comprendre des tribus primitives.
Nous rencontrons Jill alors qu’elle demande à son mari ce qu’il pense de son manuscrit sur les peuples tribaux de Nouvelle-Guinée. Elle finit par décrire une rencontre avec un “sorcier” qui est entré dans sa tente et a réalisé un rite tribal, entrant dans une profonde transe.
Et pour le sortir de cela, elle a jeté un bol de lait de chèvre dans son visage. Ce qui, avec l’intrigue du film, s'est réellement produit à un ami de Weir.
Après que Brian soit sorti pour donner une conférence, Jill tente de travailler sur ses études, mais elle est interrompue par l’arrivée du personnage du titre. Déconcertée et réticente à le laisser entrer car ils n’ont pas appelé de plombier, elle cède après qu'il lui ait assuré qu’il ne s’agissait que d’un contrôle de routine ordonné par les autorités du campus.
Max se présente d’abord comme joyeux et respectueux, mais cette façade commence à glisser et son comportement devient de plus en plus perturbateur et intrusif. Il ne cache également aucune tentative de dissimuler son mépris pour les universitaires et le gros complexe qu'il a de ne pas être “éduqué.”
Au début, Jill est polie et cède à ses diatribes tout en questionnant doucement ses croyances. Bien qu’elle prenne soin de ne pas sembler supérieure ou jugeante.
Cependant, elle commence à perdre son calme lorsque Max apparemment continue de découvrir des problèmes dans leur salle de bain auparavant en ordre, et commence à la démonter. Et ses provocations délibérées deviennent plus menaçantes.
Contrairement à The Last Wave, le film a un sens de l'humour ludique et noir qui le rend plus purement divertissant. C'est particulièrement illustré dans une scène de dîner maladroite où Brian ramène des collègues à la maison, et dans le personnage de Max lui-même.
Max apparaît d'abord comme un bogan inoffensif, qui, bien que bruyant et odieux, est un gars de la classe ouvrière ordinaire qui s'amuse simplement en faisant son travail. Mais Weir et Kants révèlent progressivement des couches sinistres chez Max, ainsi que des particularités de caractère inattendues qui font de lui un méchant intéressant et captivant.
Comme Max Cady de Cape Fear, qui semble être une grande inspiration pour ce personnage, le plombier titulaire est suffisamment intelligent pour savoir que la terreur la plus inspirante de peur ne provient pas de la violence manifeste. Mais plutôt de l'érosion subtile du bien-être d'une personne.
La menace de viol est suggérée à plusieurs reprises, le plus clairement par Max sous la forme d'une "blague" de mauvais goût. Mais il n'a pas l'intention de faire du mal physique à Jill, mais de la manipuler et de la provoquer jusqu'à l'effondrement nerveux.
À la fin du film, Jill se retrouve à envisager des moyens de sortir du cauchemar que la femme tolérante et au grand cœur que nous avons rencontrée au début n'aurait jamais imaginés. Donc, Max a réussi sa mission de briser mentalement Jill, mais cela se retourne contre lui d'une manière qu'il n'avait pas anticipée. Ce qui est très satisfaisant.
Se déroulant presque entièrement dans les limites du petit appartement (cela ferait probablement une bonne pièce de théâtre), The Plumber est terriblement claustrophobe. Et augmente avec expertise la tension et le sentiment de frustration et d'impuissance que ressent Jill.
Note : 8/10
Mention Honorable : Snapshot (1979)
Le titre américain de ce film, The Day After Halloween, m'a intrigué en tant que fan de horreur se déroulant à Halloween.
D'après la description IMDB de ce film, je ne m'attendais pas à grand-chose. Elle dit : "Une coiffeuse naïve est poussée par son amie pleine de vie à devenir modèle nu, mais découvre vite que tout le monde qu'elle connaît veut une part d'elle.”
Bien que l'affiche promette plus de slasher horror, la phrase d'accroche sonnait comme une leçon de morale désuète. Mais j'ai décidé de l'essayer, malgré quelques réticences.
Les premières minutes m'ont captivé avec des visuels vraiment saisissants, alors que des pompiers avec des lampes de poche s'aventurent à travers une épaisse fumée dans un bâtiment incendié pour trouver un cadavre carbonisé. Et, au-dessus des crédits d'ouverture, des enquêteurs de la scène de crime collectent des preuves, y compris une caméra et des photographies de femme topless.
Nous sommes ensuite, en flashback, présentés à Angela (Sigrid Thorton) alors qu'elle court, flustered, dans une rue de Melbourne avant d'arriver en retard à son emploi de coiffeuse. Là, elle est réprimandée par son boss masculin codé queer pour avoir l'air « comme le repas d'un chien ».
Cependant, Angela, abattue, s’éveille avec l’arrivée de son amie/clientèle glamoureuse Madeline (Chantal Contouri). Qui pense qu'elle peut mieux faire que ce petit boulot très mal payé, et continue de l'inciter à rencontrer son ami photographe Linsey (Hugh Keays-Byrne).
Madeline a apparemment essayé de la convaincre d'essayer le mannequinat depuis un certain temps. Mais Angela est hésitante. Parmi ses nombreux complexes, elle se considère comme « plate ». À quoi Madeline répond (dans l'une des rares répliques vraiment spirituelles et drôles du film), « Oh chérie, les petits seins sont démodés avec Jayne Mansfield. »
Madeline ne veut pas accepter un non comme réponse, et annonce au patron d'Angela qu'elle démissionne. En lui lançant une insulte homophobe agressive pour bien faire.
À partir de ce moment, le film confirme mon impression initiale : il se transforme en un récit de mise en garde épuisant avec un message moral discutable. Et il n'est rien de subtil.
Par exemple, une chanson incroyablement clichée passe pendant la séance photo nu : elle a littéralement les paroles : « Angela, es-tu allée trop loin cette fois-ci ? », « Maintenant que c'est fait, pas de retour en arrière ! »
Les horreurs présentes dans ce film tombent complètement à plat et semblent être une réflexion après coup : le film a commencé sa vie comme un scénario intitulé Centrefold. Et les scènes de « suspense » semblent être collées à la va-vite pour profiter du récent succès de Halloween de John Carpenter.
Certaines d'entre elles sont carrément risibles, incluant un hommâge/rip-off évident à The Godfather que l'on voit venir à des kilomètres. Et un sursaut peu convaincant impliquant un oiseau.
De plus, le réalisateur Simon Wincer a clairement pensé qu'une camionnette de crème glacée Mr Whippy rose pastel qui diffuse la mélodie de « Greensleeves », la principale source de terreur d'Angela, serait effrayante. Ce n'est pas le cas !
Cela dit, le film est rendable regardable grâce à une scénographie vraiment surréaliste, et il y a quelques prises de vue vraiment intéressantes. Y compris une où un homme prédateur découpant un rôti de boeuf semble trancher le visage d'Angela. Le climax enflammé mis en place au début du film est également assez satisfaisant.
Il est également en partie sauvé par des performances d'acteurs convaincantes. L’acteur de Mad Max : Fury Road, Keays-Byrne, prend pratiquement le film dans ses quelques scènes en tant que photographe profondément excentrique Linsey. Son obsession pour son art et ses expressions de gobelin, d'exultation sont véritablement divertissantes.
Thorton fait de son mieux et est une présence sympathique, bien que le scénario ne rende pas service à son personnage après certains développements tardifs dans le film. Il en va de même pour son apparemment meilleure amie. Bien que Contouri propose une interprétation plutôt divertissante de la femme fatale, les cinéastes décident d'ajouter un rebondissement aux intentions de Madeline qui s'inscrit dans des stéréotypes dangereux.
Patrick a réussi à être un potentiel Carrie le cash-in parce que cela imite au moins de manière subtile et avait réellement une histoire intéressante à raconter. Ce film est flagrant dans son opportunisme sur Halloween, car le titre américain n'a rien à voir avec le film : il se déroule pendant l'hiver australien, donc ce n'est même pas situé en novembre !
Le fait qu'il ait pas moins de trois titres alternatifs (Snapshot pour la sortie australienne et One More Minute et The Day After Halloween pour l'international) trahit sa crise d'identité en tant que conte d'avertissement sur le casting couch caché dans un prétendu package de film d'horreur slasher.
Selon IMDB, “Il semblerait que le scénario de ce film [du moins le premier brouillon] ait été écrit en seulement dix jours.” Et oui, cela se voit.
Note : 5/10
Ai-je raté l'un de vos films sombres préférés des années 70 en “Ozploitation” ? Faites-le moi savoir sur Instagram ! Et restez à l'écoute pour ma liste des meilleurs films d'horreur/thrillers “Ozploitation” des années 80 !
Where to Watch Mention Honorable: Snapshot (1979)
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