Je suis descendu du train par un après-midi nuageux d'automne avec un frisson dans l'air, et j'ai immédiatement regretté ma décision de porter un haut sans manches. Mais il est fièrement décoré avec l'affiche emblématique de Pet Semetary, et je savais qu'il serait apprécié ici.
Je me suis dirigé dans les rues étroites de la ville et j'ai été déçu de les trouver dépourvues des décorations macabres attendues. Halloween n'est pas vraiment une grande chose en Espagne, ce qui est dommage pour un grand fan de cette fête. Mais cet endroit embrasse généralement chaleureusement une ambiance effrayante en octobre.
Cependant, je suis bientôt passé devant une grande bannière, et j'ai fait un double take. Les yeux blancs inquiétants et les coupes de cheveux blonde en bol des enfants maléfiques de Village of the Damned me fixaient, et l'affiche annonçait une célébration des 50 ans de ¿Quién puede matar a un niño? via une exposition explorant l'histoire des enfants tueurs au cinéma.
Attiré à l'intérieur, j'ai déambulé parmi des expositions sur des œuvres comme Rosemary’s Baby et Children of the Corn. Et une réplique complète de la chambre de Reagan de The Exorcist, complète avec un mannequin démoniaque ressemblant à Linda Blair.
J'ai commencé à sentir que j'étais effectivement au bon endroit. Et pas longtemps après, j'ai reçu des compliments sur mon choix de vêtements. En effet, un des plus grands salons internationaux du cinéma d'horreur et fantastique était de retour!
Ci-dessous, je décris les films que j'ai réussi à voir au Festival International du Film de Sitges 2026. Le programme de cette année est vraiment vaste, et j'avais longtemps accepté qu'il ne serait pas humainement possible de tout voir!
Bien qu'il y ait eu de nombreuses premières de grands films d'horreur que j'attendais avec impatience, comme Hallowarrior, River, Breeder, et Never After Dark, la plupart d'entre eux arrivent bientôt en streaming ou au cinéma. Donc j'ai (principalement) attendu.
Au lieu de cela, j'ai donné la priorité aux films qui n'ont pas encore de date de sortie fixée. Cela pourrait être ma seule chance de les voir pendant un certain temps!
Gregor
Sitges a déjà eu l'habitude de présenter l'œuvre cinématographique d'un auteur d'animation qui a travaillé de longues années pour réaliser un projet passion. Sans aucun soutien financier réel.
Voir Mad God, l'épopée en stop-motion de Phil Tippett qui a mis 20 ans à se concrétiser. Et lentement assemblée dans un garage avec l'assistance d'étudiants en cinéma bénévoles.
Gregor n'a pris qu'un quart de ce temps de production immense pour être achevé, mais c'est un projet d'une portée tout aussi impressionnante. Surtout en considérant que la force créative principale, l'animateur belge Manu Gomez, a largement travaillé seul.
On peut donc supposer que Gomez avait un contrôle créatif total. Faire en sorte que Gregor ressemble à une vision véritablement singulière libre des notes de studio qui peuvent lisser les angles pour garantir un produit plus commercial. Une rarité dans le cinéma aujourd'hui.
C'est évidemment une bonne chose, mais laisser un animateur s'exprimer librement sans contrainte peut parfois signifier que l'histoire est une pensée après coup. Comme dans Mad God, où tout type de narration était presque inexistant, avec l'accent mis sur la création d'un cauchemar impressionniste à travers des visuels saisissants.
Mais ce n'est pas le cas dans Gregor. Pas du tout. La narration est étonnamment robuste et engageante. Et tout embellissement visuel extravagant est fermement au service de l'histoire racontée.
Un sentiment de malaise imprègne Gregor dès la scène d'ouverture, et le monde qui se déploie dans le film est perturbant, pour le dire simplement. Comme beaucoup des meilleures œuvres de David Lynch, l'intrigue se déroule comme une descente dans un monde souterrain criminel et moralement bancal qui se cache juste sous le vernis d'une société polie.
Le design grotesque de nombreux personnages, ainsi que l'ambiance générale du film, rappelle fortement le Sin City de Frank Miller. Une influence que Gomez a reconnue lorsque je lui ai demandé lors de la séance de questions-réponses après la projection !
Vers la fin de Gregor, il y a un retournement de situation surprise qui recontextualise tout le film. Bien que ce tournant narratif soit quelque peu surutilisé dans le cinéma (Scorsese l'a sans doute fait de la meilleure façon, mais dans quel film je ne le dirai pas !), ici cela fonctionne parce que cela nous est révélé sans avertissement d'une manière plutôt déconcertante.
L'animation peut parfois sembler superficielle, et est à admettre un peu rugueuse par moments. Mais il faut se rappeler que c'est en grande partie le travail d'un seul homme. Ce qui confère au film une certaine indulgence dans ce domaine.
Le style rappelle Cryptozoo, un autre film d'animation unique et audacieux présenté à Sitges récemment. Ce n'est pas tout à fait aussi poli que cet effort antérieur, mais cela fonctionne sans doute en faveur de l'histoire crasseuse qui se déploie dans Gregor.
Peut-être que ce qui est le plus amusant dans Gregor, c'est que le film est parsemé de références à une gamme éclectique d'autres films. Y compris de Fantasia de Disney, Shock Corridor, The Shining, et Blue Velvet de Lynch. Quelque chose que j'ai également admis avoir remarqué lors de la séance de questions-réponses et dont Gomez était content d'entendre !
Alors si vous êtes un cinéphile, vous allez avoir beaucoup de plaisir à remarquer les petits œufs de Pâques que Gomez a affectueusement parsemés tout au long du film.
Note : 8/10
Where to Watch Gregor
Discover where Gregor is available to stream, rent or buy across different platforms and countries.
Que s'est-il passé avec Doris ?
Malheureusement, je n'ai pas pu voir l'un des deux films mettant en vedette l'une de mes scream queens préférées de tous les temps, Barbara Crampton, lors de l'édition de cette année. Cependant, j'ai pu voir sa co-star de Suitable Flesh, Heather Graham, dans la chair, disons-le ainsi.
La actrice de Boogie Nights connaît en ce moment une sorte de renaissance dans le genre horreur, non seulement pour avoir joué le rôle principal dans le film de 2023 plein de camp de Joe Lynch.
Elle a également donné une performance de soutien vraiment engageante dans le merveilleux They Will Kill You plus tôt cette année. Et de manière inattendue, elle est apparue à la télévision il y a quelques jours dans la série Carrie de Mike Flanagan.
Et maintenant, la voici à Sitges, saluant le public en espagnol convenable, pour présenter sa dernière production dans le genre. Un film d'horreur prétendant raconter la vraie histoire du cas de Doris Bither, qui a également inspiré le classique des années 80 The Entity.
Il est impossible de ne pas comparer cette version de l'histoire à ce film antérieur, même si celui-ci était basé sur un roman très fictionnalisé. Mais bien qu'il soit clair que les cinéastes ont pris soin de rapprocher ce conte de la réalité, en consultant même le fils de Bither, il est tout de même coupable de se livrer à des éléments fantastiques.
Malgré tout, comparé à The Entity, Que s'est-il passé avec Doris ? montre une retenue admirable dans certains domaines. Finis les séquences d'attaque controversées, prolongées et plutôt graphiques du film précédent, remplacées par des aperçus fugaces des agressions.
Et cela introduit plutôt rapidement les personnages de parapsychologues, qui, fidèle à la réalité, Doris les a entendus parler de leur travail dans une librairie occulte. Cela signifie que la plupart du film se déroule de leur perspective et donc, en théorie, s’en tient aux faits objectifs.
Cependant, alors que nous n’avons pas du tout eu un bon aperçu de The Entity, ici nous en avons définitivement un. Et il est en quelque sorte un homme démon moitié convaincu qui ressemble à celui qui est sorti des films Insidious.
Il subit une grande tentative de meurtre au milieu du film sur l’un des parapsychologues (ce qui ne s’est définitivement pas produit). Et un défaite assez ringarde et explosive dans le climax du film, grâce à un jouet magique pour enfants.
Le film évite également entièrement l’examen psychologique si largement présent dans The Entity. Alors que Doris refuse assez rapidement de suivre cette voie. Mais bien que ce soit un choix logique pour distinguer le film de son prédécesseur, cela signifie que Graham n’a pas autant de profondeur à explorer que Barbara Hershey.
Il ignore également certains des faits plus intéressants du cas réel. Comme le fait que la famille vivait dans une propriété délabrée et condamnée. Ce qui aurait sans doute accentué le drame.
Il y a aussi trop de personnages secondaires en compétition pour l’attention, donc aucun n’est vraiment développé autant qu’il le pourrait. Bien que la relation combative de Doris avec son fils aîné soit un ajout intéressant, le reste des enfants bénéficie de peu de temps à l’écran et est à peine remarqué.
Il en va de même pour une grande partie de l’équipe élargie d’investigateurs. Bien qu’elle renforce le rôle de la responsable du département de parapsychologie, jouée par Mimi Rogers, en une figure empathique qui engage Doris sur un plan personnel. Et Rogers est sans conteste une présence chaleureuse et bienvenue.
En revanche, What Happened to Doris? saute définitivement sur le cadre de l’époque (y compris beaucoup de fumeurs !) Mais nous devons vraiment cesser d’utiliser « Hurdy Gurdy Man » de Donovan pour conclure les films des années 70 : personne ne va égaler l’utilisation de ce morceau par David Fincher dans Zodiac !
Et je dois admettre que la projection à laquelle j’ai assisté était très amusante. Le film comporte beaucoup de jumpscares, et a généré de nombreux cris suivis de rires de la part du public.
Donc si vous aimez des films comme Insidious et The Conjuring, je le recommanderais. Et je vous conseille de le voir sur grand écran entouré d’autres personnes !
Note : 6/10
Pas de repos pour les méchants
L'autre jour, je pensais à ma critique du film B&B de 2022. Dans laquelle j'ai exprimé mon enthousiasme à regarder un thriller queer, car les films de genre traitant des thèmes LGTBQ étaient encore assez rares.
Avance rapide de quatre ans, et dire que ce n'est plus le cas est un euphémisme. L'horreur queer a vraiment explosé en 2026, et j'ai en fait trouvé difficile de suivre le nombre d'offres.
Il y a eu Teenage Sex and Death at Camp Miasma, Penny Lane is Dead, Leviticus, et Corpus, tous également projetés à Sitges cette année. Et No Rest for the Wicked.
La seule chose que je savais sur No Rest for the Wicked avant d'y aller, c'était que c'était un film d'époque, concernant la relation entre un pêcheur sexy et un “chasseur de baleines rugged,” joué par Borgen star Pilou Asbæk. Et qu'il y avait une sorte d'élément surnaturel.
Je pense que c'est la meilleure approche. Car en savoir trop gâcherait l'expérience de découvrir soi-même les nombreuses surprises discrètes du film.
Dans son introduction au film, le réalisateur Kasper Kalle a souligné le fait que c'est librement basé sur un roman écrit par le sexologue ouvertement gay Karl Heinrich Ulrichs dès 1884. L'un des tout premiers à traiter l'amour homosexuel d'une manière empathique et respectueuse.
Il a également souligné l'influence écrasante du lieu de tournage du film, les îles Féroé, qui sont à la fois indéniablement belles et mortelles, en raison des fortes houles et des formations rocheuses autour des côtes qui ont entraîné de nombreux naufrages.
Comme il sied à un lieu aussi familier avec la mort, il a noté que la culture féroïenne est également profondément imprégnée de mythes et de légendes uniques. Ce qui fait de cette histoire un récit surnaturel que vous n'avez probablement jamais tout à fait vu auparavant.
No Rest for the Wicked est également incroyablement atmosphérique et effrayant, tirant bien parti d'un environnement embrumé pour générer du suspense dans quelques séquences marquantes. Les détails d'époque et la musique (bien qu'il y ait peu de choses à part des chansons folkloriques diégétiques) contribuent également à en faire une expérience incroyablement immersive.
Pour un film qui se déroule également en grande partie en extérieur, le long des côtes escarpées et des vastes plaines des îles, il se ressent également comme insupportablement claustrophobique par moments.
Ce phénomène est largement dû à l'intense concentration que Kalle met sur les personnages au cœur de l'histoire. Ce qui donne l'impression d'une histoire très personnelle et intime.
Le film repose vraiment sur un trio de performances excellentes, de Asbæk et Egor Venned en tant qu'amants maudits, mais aussi de l'actrice féroïenne Sofia Nolsøe en tant que mère du jeune homme. Tous trois bénéficient de personnages vivants et conflictuels à travailler et laissent des impressions inoubliables.
No Rest for the Wicked est définitivement destiné à devenir unclassique du folk horror. Et a l'une des fins les plus satisfaisantes et stimulantes de tous les films d'horreur que vous verrez cette année.
Note : 10/10
DreamQuil
J'ai vu le thriller de science-fiction DreamQuil purement par hasard : j'attendais de voir si je pouvais entrer à une autre séance à la dernière minute quand une femme m'a offert un billet gratuit pour la projection. Prenant cela comme un signe, j'ai accepté avec joie.
Et je suis content de l'avoir fait, car j'ai bientôt réalisé que j'avais entendu parler de DreamQuil auparavant et que je voulais réellement le voir. Mais je ne savais même pas qu'il était projeté au festival !
Il devient rapidement évident dans DreamQuil que cela n'existerait pas sans Black Mirror. Alors que l'intrigue du film se déroule comme un mélange d'idées fortement ressemblantes à quelques épisodes phares de cette série anthologique classique.
Et il n'a pas vraiment beaucoup à dire sur les dangers de la technologie qui n'ait pas été couvert dans les épisodes de Black Mirror auxquels il ressemble le plus. Ou dans The Stepford Wives, que le film mentionne d'ailleurs à un moment donné.
Cependant, le film est un visionnage intéressant pour deux éléments remarquables : la conception de production luxuriante et la cinématographie, et l'excellent casting. Avec Elizabeth Banks et John C. Reilly en tête d'affiche.
Banks a déjà prouvé qu'elle pouvait livrer de vraies performances comiques au milieu d'événements fantastiques bien avant dans Slither (2006). Puis dans les films The Hunger Games en tant que l'iconique Effie Trinket.
Elle déploie une partie de ce même timing expert ici. Mais elle a également l'occasion de montrer une gamme considérable dans deux rôles doubles très différents.
Il y a aussi quelques performances de soutien bienvenues, y compris celle de l'absolue légende Juliette Lewis en tant qu'infirmière étrangement enjouée. Et la toujours séduisante Sofia Boutella en tant que meilleure amie pleine de vitalité.
Mais peut-être que DreamQuil‘s plus grand atout est l'apparence et l'atmosphère du film. Il se déroule dans un futur indéfini où l'air pollué a rendu impossible pour les citadins de sortir sans masques. Et les scènes du monde extérieur poussiéreux (largement réalisées grâce à des décors miniatures) semblent convenablement cauchemardesques.
Mais c'est dans les scènes intérieures que DreamQuil éclate vraiment. À l'intérieur de leur luxueux penthouse, et malgré la présence de quelques gadgets futuristes, Banks et Reilly sont fermement ancrés dans le passé.
La décoration, les murs de couleur pastel, le costuming et le coiffage, ainsi que la photographie en Technicolor vibrante, combinent pour faire en sorte que beaucoup de DreamQuil ressente comme un mélodrame de Douglas Sirk tout droit sorti des années 1950.
Visuellement, au moins, c'est un film soigneusement élaboré et magnifique, art-directé au maximum. Et le voir m'a fait me sentir légèrement mieux de ne pas avoir pu voir le nouveau film de The Love Witch la réalisatrice Anna Biller au festival !
Note : 6.5/10
Where to Watch DreamQuil
Discover where DreamQuil is available to stream, rent or buy across different platforms and countries.
Buddy
Buddy a été lancé aux États-Unis en août, mais nous attendons toujours sa sortie en Espagne. Et il ne sortira dans les cinémas qu'à la mi-novembre (sérieusement, la distribution est foutue !)
Et j'avais vraiment hâte de le voir, pensant que le concept est plutôt génial. J'ai donc décidé de faire une exception à ma règle d'éviter les titres à sortir bientôt pour Buddy.
Mon enthousiasme pour Buddy était justifié : j'ai vraiment aimé et apprécié ce film. J'avais délibérément évité de regarder les bandes-annonces auparavant, donc à peu près tout était une surprise pour moi, et je recommande cette approche !
Tout ce que je savais, c'est que c'était à propos d'un personnage de télévision pour enfants qui devient meurtrier. Cette idée a déjà été explorée, comme dans The Banana Splits Movie (2019).
Mais là où ce film se contentait d'être un slasher standard, Buddy est quelque chose de bien plus inventif. Et il s'engage pleinement à subvertir le monde sûr et familier d'une série télévisée pour enfants en quelque chose d'inquiétant et cauchemardesque.
Le film commence présenté comme une série d'épisodes d'un show à la Barney des années 90. Et il réussit absolument l'esthétique.
Tout est lumineux, coloré et artificiel, tout, de la boîte aux lettres à la poubelle, a des yeux et peut parler, et le jeu des enfants est enjoué mais quelque peu rigide. Fidèle à cette période de programmation pour enfants, tout le monde se met à chanter une chanson éducative toutes les quelques minutes.
Ensuite, il y a le personnage titulaire. Quand vous pensez à choisir la voix d'une licorne orange vif, qui est probablement vraiment un homme mécontent en costume, Patton Oswald peut automatiquement venir à l'esprit. Mais non, bien qu'Oswald soit en effet dans le film, il est plutôt la voix de Strappy, un sac à dos anthropomorphique.
Pour jouer Buddy lui-même, les cinéastes ont recruté Keegan-Michael Key, qui s'avère être le choix parfait. Il réussit absolument à capturer la voix à la Barney de la jovialité forcée, et la transforme en quelque chose de vraiment terrifiant lorsque le personnage prend un tournant sinistre.
Le casting fantastique s’étend également aux jeunes interprètes. Particulièrement Delaney Quinn et Caleb Williams, qui sont tous deux excellents pour établir les types de personnalités que l'on trouverait dans une émission comme celle-ci. Avant de les transformer en combattants craintifs mais courageux.
Ce qui rend Buddy spécial, c'est la soigneuse attention portée à la création d'univers. Et la fantastique série de questions hypothétiques qu'il met en place et qui sont ensuite largement payantes.
Et si ces enfants joyeux étaient en réalité piégés dans cet univers fantasque et contraints de faire semblant? Et si la chanson joyeuse qui clôt chaque épisode avait en fait un but sinistre? Et si ce n'était pas réellement une émission de télévision pour enfants, mais une sorte de dimension sombre?
Pendant une grande partie du film, si vous voulez y voir quelque chose, Buddy semble en fait un thriller sur le surpassement de la violence domestique. Alors que les enfants sont obligés de faire semblant que tout va bien alors qu'ils savent très bien que ce n'est pas le cas, que la figure d'autorité principale de leur vie leur veut réellement du mal. Et ils doivent ensuite trouver un moyen de s'échapper discrètement vers la sécurité.
Mais c'est plus facile à dire qu'à faire, car il n'est pas tout à fait clair où ces enfants sont réellement. En utilisant ingénieusement différents rapports d'aspect et des pellicules, il est clair qu'il y a une ligne entre le pays télévisuel du spectacle de Buddy et le monde réel.
Une fois que les enfants réussissent à s'échapper par-dessus le mur du jardin et quittent le "parc" de Buddy, nous avons le sentiment tentant que ceci n'est pas simplement un décor dans un studio dont ces enfants sortent simplement à la fin de l'épisode. Mais à d'autres égards, c'est exactement cela, avec des fonds peints (magnifiquement) et une verdure qui semble faite de plastique et de papier mâché.
Les séquences avec les enfants tentant de naviguer puis d'échapper aux nouvelles tendances meurtrières de Buddy sont définitivement les meilleures du film. Avec des blessures et des morts vraiment choquantes qui frappent fort à cause des décors pastel.
Un sous-intrigue se déroulant dans le monde “réel”, introduite tard dans le film et protagonisée par Cristin Milioti, n'est pas aussi captivante. Cependant, elle ajoute une certaine profondeur et explication aux pouvoirs de Buddy, et renforce également l'ambiance de malaise.
Et le dernier acte du film est un régal, utilisant à la fois un monstre bien réalisé et des espaces liminaux effrayants (très tendance cette année après Backrooms) avec un effet captivant.
Note : 9/10
Avez-vous vu l'un des films que j'ai réussi à attraper à Sitges et êtes-vous d'accord ou pas? Ou y a-t-il un que vous avez hâte de voir par vous-même? Faites-le moi savoir sur Instagram!
