Descendí del tren en una nublada tarde de otoño con un aire frío, y al instante lamenté mi decisión de llevar una blusa sin mangas. Pero está orgullosamente adornada con el icónico póster de Pet Semetary, y sabía que sería apreciada aquí.
Me abrí paso por las estrechas calles del pueblo y me desanimé al encontrarlo libre de las macabras decoraciones esperadas. Halloween no es realmente cosa grande en España, lo cual es una desilusión para una gran fan de la festividad. Pero este lugar suele abrazar cálidamente un ambiente espeluznante en octubre.
No obstante, pronto pasé junto a una gran pancarta y di un vistazo de doble toma. Los inquietantes ojos blancos y los peinados en corte de tazón de los niños malvados de Village of the Damned me miraban fijamente, y el póster anunciaba una celebración de los 50 años de ¿Quién puede matar a un niño? a través de una exposición que explora la historia de los niños asesinos en el cine.
Atraída por el interior, paseé junto a exhibiciones sobre obras como Rosemary’s Baby y Children of the Corn. Y una réplica completa de la habitación de Reagan en The Exorcist, equipada con un maniquí demoníaco que se asemejaba a Linda Blair.
Comencé a sentir que efectivamente estaba en el lugar correcto. Y no pasó mucho tiempo antes de que me hicieran un cumplido sobre mi elección de ropa. ¡Sin duda, uno de los más grandes escaparates de cine de terror y fantástico del mundo había regresado!
A continuación, desgloso las películas que logré ver en el 2026 Festival Internacional de Cine de Sitges. El programa de este año es verdaderamente vasto, y ya había aceptado que no sería humanamente posible ver todo.
Aunque hubo muchas premieres de grandes películas de horror que estaba ansiosa por ver, como Hallowarrior, River, Breeder, y Never After Dark, la mayoría de ellas llegarán pronto a streaming o cines. Así que (mayormente) me contuve.
En su lugar, prioricé películas que aún no tienen una fecha de estreno fijada. ¡Podría ser mi única oportunidad de verlas por un tiempo!
Gregor
Sitges tiene antecedentes en presentar el trabajo de largometraje de un autor de animación que laboró muchos años para dar vida a un proyecto de pasión. Sin ningún apoyo financiero real.
Véase Mad God, la épica de stop-motion de Phil Tippett que tomó 20 años en hacerse. Y que se ensambló lentamente en un garaje con la ayuda de estudiantes de cine voluntarios.
Gregor solo tomó un cuarto de ese enorme tiempo de producción para completarse, pero es una tarea igualmente impresionante. Especialmente considerando que la principal fuerza creativa, el animador belga Manu Gomez, trabajó en gran medida solo.
Es seguro asumir entonces que Gomez tuvo el control creativo completo. Hacer que Gregor se sienta como una visión verdaderamente singular libre de las notas del estudio que pueden suavizar los bordes para asegurar un producto más comercial. Una rareza en el cine actualmente.
Esto es obviamente algo bueno, pero dejar que un animador actúe sin restricciones a veces puede significar que la historia es un pensamiento secundario. Como en Mad God, donde cualquier tipo de narrativa era casi inexistente, con el enfoque firmemente en crear una pesadilla impresionista a través de visuales sorprendentes.
Pero este no es el caso en Gregor. En absoluto. La narrativa es sorprendentemente robusta y envolvente. Y cualquier floritura visual extravagante está firmemente al servicio de la historia que se cuenta.
Una sensación de inquietud permea Gregor desde la escena de apertura, y el mundo que se desarrolla en la película es perturbador, por decir lo menos. Como gran parte de lo mejor de David Lynch, la trama se desarrolla como un descenso a un inframundo criminal y moralmente en bancarrota que acecha justo debajo de la superficie de una sociedad educada.
El diseño grotesco de muchos de los personajes, así como el ambiente general de la película, recuerda fuertemente al Sin City de Frank Miller. Una influencia que Gomez reconoció cuando le pregunté al respecto en la sesión de preguntas y respuestas después de la proyección.
Hacia el final de Gregor, hay un giro sorpresa que recontextualiza toda la película. Aunque este giro en la trama está algo sobreutilizado en el cine (Scorsese probablemente lo hizo mejor, ¡pero en qué película no lo diré!), aquí funciona porque se nos presenta sin previo aviso de una manera bastante desorientadora.
La animación puede a veces sentirse rutinaria, y es admitidamente un poco áspera en ocasiones. Pero hay que recordar que esto es en gran medida el trabajo de solo un hombre. Lo que le da a la película cierta indulgencia en este aspecto.
El estilo recuerda a Cryptozoo, otra película animada única y audaz presentada en Sitges en el pasado reciente. No es tan pulida como ese esfuerzo anterior, pero esto funciona a favor de la historia sombría que se desarrolla en Gregor.
Quizás lo más divertido de Gregor es que la película está llena de referencias a una ecléctica variedad de otras películas. Incluyendo de la Fantasia de Disney, Shock Corridor, The Shining, y Blue Velvet de Lynch. ¡Algo que también admití haber notado durante la sesión de preguntas y respuestas y que a Gomez le alegró escuchar!
Así que si eres un cinéfilo, vas a tener mucha diversión notando los pequeños huevos de Pascua que Gomez ha esparcido cariñosamente a lo largo de la película.
Puntuación: 8/10
Where to Watch Gregor
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¿Qué pasó con Doris?
Desafortunadamente, no pude ver ninguna de las dos películas que cuentan con una de mis reinas del grito favoritas de todos los tiempos, Barbara Crampton, en la edición de este año. Sin embargo, pude ver a su coestrella de Suitable Flesh, Heather Graham, en la, bueno, carne.
La actriz de Boogie Nights está teniendo una especie de renacimiento en el horror en este momento, no solo por protagonizar la rebanada de diversión camp en 2023 de Joe Lynch.
También hizo una actuación realmente destacada en el maravilloso They Will Kill You a principios de este año. Y, inesperadamente, apareció en la televisión hace apenas unos días en la serie de Mike Flanagan, Carrie.
Y ahora aquí está ella en Sitges, saludando a la audiencia en un español aceptable, para presentar su última incursión en el género. Una película de horror que pretende contar la verdadera historia del caso de Doris Bither, que también fue la inspiración para el clásico de los 80 The Entity.
Es imposible no comparar esta versión de la historia con esa película anterior, aunque esta se basó en una novela altamente ficticia. Pero aunque está claro que los cineastas hicieron esfuerzos por acercar esta historia a la realidad, incluso consultando al hijo de Bither, todavía es culpable de indulgar en elementos fantásticos.
Aún así, comparado con The Entity, What Happened to Doris? muestra una admirable moderación en algunas áreas. Han desaparecido las controversiales, prolongadas y bastante gráficas secuencias de ataque de la película anterior, reemplazadas por breves vislumbres de los asaltos.
Y bastante rápidamente se introducen los personajes parapsicólogos, quienes, fiel a la vida, Doris los escuchó hablando sobre su trabajo en una librería oculta. Lo que significa que la mayor parte de la película se desarrolla desde su perspectiva, y, por lo tanto, en teoría, se adhiere a hechos objetivos.
No obstante, mientras que en The Entity no tuvimos una buena mirada en absoluto, aquí definitivamente sí lo hacemos. Y él es una especie de demonio a medias que parece haber salido de las películas de Insidious.
Tiene un gran intento de asesinato a mitad de la película en uno de los parapsicólogos (lo cual definitivamente no sucedió). Y una derrota un tanto cursi y explosiva en el clímax de la película, gracias a un juguete mágico infantil.
La película también elude por completo el examen psicológico que se presenta de manera tan prominente en The Entity. Ya que Doris rápidamente se niega a ir por ese camino. Pero aunque este es un movimiento lógico para distinguir la película de su antecesora, significa que Graham no tiene tanto profundidad para explorar como Barbara Hershey tuvo.
También ignora algunos de los hechos más interesantes del caso real. Como el hecho de que la familia vivía en una propiedad en ruinas y condenada. Lo cual, sin duda, habría ampliado el drama.
También hay demasiados personajes secundarios compitiendo por atención, así que ninguno está realmente desarrollado tanto como podría. Aunque la relación combativa de Doris con su hijo mayor es una adición interesante, el resto de los niños tienen poco tiempo en pantalla y apenas se registran.
Lo mismo ocurre con gran parte del equipo ampliado de investigadores. Aunque se amplía el papel de la jefa del departamento de parapsicología, interpretada por Mimi Rogers, en una figura empática similar a Elise Rainier que se relaciona con Doris a un nivel personal. Y Rogers es, admitidamente, una presencia cálida y bienvenida.
En el lado positivo, ¿Qué pasó con Doris? definitivamente captura el ambiente de la época (¡incluyendo mucho humo!) Pero realmente necesitamos dejar de usar "Hurdy Gurdy Man" de Donovan para cerrar películas ambientadas en los 70: ¡nadie va a igualar el uso de la pista por David Fincher en Zodiac!
Y tengo que admitir que la proyección a la que asistí fue muy divertida. La película tiene muchos sustos, y generó muchos gritos y luego risas en la audiencia.
Así que si amas películas como Insidious y The Conjuring, lo recomendaría. Y te aconsejo que la veas en una gran pantalla rodeado de otras personas.
Puntuación: 6/10
No hay descanso para los malvados
Justo el otro día estaba pensando en mi reseña de la película B&B de 2022. En la que expresé mi emoción por ver un thriller queer, ya que las películas de género que abordan temas LGTBQ todavía eran bastante raras.
Avancemos cuatro años, y decir que esto ya no es así es un eufemismo. El horror queer realmente ha explotado en 2026, y de hecho me ha costado seguir el ritmo con la cantidad de ofertas.
Ha habido Teenage Sex and Death at Camp Miasma, Penny Lane is Dead, Leviticus, y Corpus, todos también proyectándose en Sitges este año. Y No Rest for the Wicked.
Lo único que sabía sobre No Rest for the Wicked antes de entrar era que era un filme de época, que trataba sobre la relación entre un sexy pescador y un “ballenero rudo,” interpretado por Borgen estrella Pilou Asbæk. Y que había algún tipo de elemento sobrenatural.
Creo que este es el mejor enfoque. Ya que saber demasiado más arruinaría la experiencia de descubrir por ti mismo las muchas sorpresas silenciosas de la película.
En su introducción al filme, el director Kasper Kalle destacó el hecho de que está vagamente basado en una novela escrita por un sexólogo abiertamente gay Karl Heinrich Ulrichs ya en 1884. Uno de los primeros en tratar el amor homosexual de una manera empática y respetuosa.
También señaló la abrumadora influencia de la ubicación de filmación de la película, las remotas islas Feroe. Un lugar que es tanto indudablemente hermoso como mortal, debido a las fuertes olas y los afloramientos rocosos alrededor de las costas que han resultado en innumerables naufragios.
Como corresponde a un lugar tan familiarizado con la muerte, señaló que la cultura feroesa también está profundamente impregnada de mitos y leyendas únicas. Lo que agradablemente hace de esta historia un cuento sobrenatural que probablemente nunca has visto antes.
No Rest for the Wicked es también increíblemente atmosférica y espeluznante, haciendo buen uso de entornos envueltos en niebla para generar suspense en un par de secuencias destacadas. Los detalles de la época y la música (aunque hay poco aparte de canciones folclóricas diatónicas) también ayudan a hacer de esta una experiencia increíblemente inmersiva.
Para una película que también se desarrolla en gran parte al aire libre, a lo largo de las costas rugosas y las amplias llanuras de las islas, también se siente insoportablemente claustrofóbica a veces.
Este efecto se logra en gran parte por el intenso enfoque que Kalle pone en los personajes en el corazón de la historia. Haciendo que se sienta como una historia muy personal e íntima.
La película realmente gira en torno a un trío de excelentes actuaciones, de Asbæk y Egor Venned como los amantes desafortunados, pero también de la actriz feroesa Sofia Nolsøe como la madre del joven. Los tres tienen personajes vívidamente definidos y conflictivos con los que trabajar, y dejan impresiones inolvidables.
No Rest for the Wicked definitivamente está destinado a ser un clásico del folk horror. Y tiene uno de los finales más satisfactorios y provocativos de cualquier película de terror que verás este año.
Puntuación: 10/10
Where to Watch No hay descanso para los malvados
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DreamQuil
Vi thriller de ciencia ficción DreamQuil pura y simplemente por casualidad: estaba esperando a ver si podía entrar a otra película de último minuto cuando una mujer me ofreció al azar un boleto gratis para la proyección. Tomándolo como una señal, acepté con gusto.
Y me alegra haberlo hecho, ya que pronto me di cuenta de que había oído hablar de DreamQuil antes y en realidad quería verlo. ¡Pero ni siquiera sabía que se estaba proyectando en el festival!
Algo que se hace evidente bastante pronto en DreamQuil es que no existiría sin Black Mirror. A medida que se desarrolla la trama de la película, se presenta como un revoltijo de ideas altamente reminiscentes de algunos de los episodios más destacados de esa clásica serie de antología.
Y no tiene realmente mucho que decir sobre los peligros de la tecnología que no se haya cubierto en los episodios de Black Mirror a los que más se asemeja. O en The Stepford Wives, que, a su crédito, la película menciona en un punto.
Sin embargo, la película es una visión digna por dos elementos sobresalientes: el exuberante diseño de producción y la cinematografía, y el excelente elenco. Encabezado por Elizabeth Banks y John C. Reilly.
Banks ya demostró que podía ofrecer goods cómicos serios en medio de eventos fantásticos hace tiempo en Slither (2006). Y luego en las películas de The Hunger Games como la icónica Effie Trinket.
Ella desata algo de ese mismo tiempo experto aquí. Pero también tiene la oportunidad de mostrar un rango considerable en dos papeles duales muy diferentes.
También hay algunas actuaciones secundarias memorables, incluyendo a la absoluta leyenda Juliette Lewis como una enfermera inquietantemente alegre. Y la siempre encantadora Sofia Boutella como una mejor amiga vivaz.
Pero quizás DreamQuil‘s mayor activo es la apariencia y la sensación de la película. Se desarrolla en un futuro indefinido donde el aire contaminado ha hecho imposible que los habitantes de la ciudad salgan sin mascarillas. Y las escenas del polvoriento mundo exterior (logradas en gran medida a través de sets en miniatura) se ven adecuadamente pesadillescas.
Pero es en las escenas interiores donde DreamQuil realmente resalta. Dentro de su lujoso ático, y a pesar de la presencia de algunos dispositivos futuristas, Banks y Reilly están firmemente atrapados en el pasado.
La decoración, paredes de colores pastel, vestuario y peinados, junto con la vibrante fotografía en Technicolor, combinan para hacer que gran parte de DreamQuil se sienta como un melodrama de Douglas Sirk sacado directamente de los años 50.
Visualmente al menos, es una película cuidadosamente elaborada y hermosa, dirigida artísticamente al máximo. Y verla me hizo sentir un poco mejor por no poder ver la nueva película de la directora de The Love Witch, Anna Biller, The Face of Horror en el festival!
Puntaje: 6.5/10
Where to Watch DreamQuil
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Buddy
Buddy se estrenó en EE. UU. en agosto, pero seguimos esperando su llegada a España. Y no llegará a los cines hasta mediados de noviembre (¡en serio, la distribución está jodida!)
Y estaba deseando verlo, pensando que el concepto es bastante genial. Así que decidí hacer una excepción a mi regla de evitar títulos que van a ser estrenados pronto para Buddy.
Mi entusiasmo por Buddy estuvo justificado: realmente disfruté y valoré esta película. Había evitado deliberadamente ver los tráilers de antemano, así que prácticamente todo fue una sorpresa para mí, ¡y recomiendo este enfoque!
Lo único que sabía era que trataba sobre un personaje de televisión infantil que se vuelve asesino. Esta idea se ha hecho antes, como en The Banana Splits Movie (2019).
Pero donde aquella película estaba contenta con ser un slasher estándar, Buddy es algo mucho más inventivo. Y se sumerge completamente en subvertir el mundo seguro y familiar de una serie de televisión infantil en algo inquietante y pesadillesco.
La película comienza presentada como una serie de episodios de un programa al estilo de Barney de los 90. Y clava absolutamente la estética.
Todo es brillante, colorido y artificial, desde el buzón hasta el cubo de basura, todo tiene ojos y puede hablar, y la actuación de los niños es animada pero algo rígida. También es cierto para este período de la programación infantil, todo el mundo rompe en una canción educativa cada pocos minutos.
Luego está el personaje titular. Cuando piensas en la voz de un unicornio naranja brillante, que por todas probabilidades probablemente sea un hombre descontento en un traje, es posible que Patton Oswald te venga a la mente automáticamente. Pero no, aunque Oswald está en la película, en realidad es la voz de Strappy, una mochila antropomórfica.
Para interpretar a Buddy, los cineastas reclutaron a Keegan-Michael Key, quien demuestra ser el ajuste perfecto. Clava absolutamente la voz al estilo de Barney de jovialidad forzada, y la transforma en algo verdaderamente aterrador cuando el personaje toma un giro siniestro.
El fantástico elenco también se extiende a los actores infantiles. Especialmente Delaney Quinn y Caleb Williams, quienes son excelentes en establecer los tipos de personalidades que encontrarías en un programa como este. Antes de convertirlos en luchadores valientes pero temerososos.
Lo que hace especial a Buddy es la atención cuidadosa a la construcción del mundo. Y la fantástica serie de preguntas sobre "qué pasaría si" que plantea y luego resuelve de manera contundente.
¿Qué pasaría si esos niños alegres estuvieran atrapados en ese mundo caprichoso y forzados a jugar? ¿Qué pasaría si la alegre canción que cierra cada episodio realmente tuviera un propósito siniestro? ¿Qué pasaría si esto no fuera realmente un programa de televisión para niños, sino algún tipo de dimensión oscura?
Durante gran parte de la duración, si quieres interpretarlo, Buddy en realidad funciona como un thriller sobre superar el abuso doméstico. Mientras los niños se ven obligados a pretender que todo está bien cuando saben que no lo está, que la figura de autoridad principal en sus vidas realmente les causa daño. Y luego tienen que encontrar una manera de salir discretamente de la situación hacia un lugar seguro.
Pero eso es más fácil decirlo que hacerlo, porque no está del todo claro dónde están realmente estos niños . A través de uso ingenioso de diferentes relaciones de aspecto y tipos de película, está claro que hay una línea entre la tierra de televisión del programa de Buddy y el mundo real.
Una vez que los niños logran escapar sobre la pared del jardín y dejan el "parque" de Buddy, tenemos la tentadora sensación de que esto no es solo un set en un estudio del que estos niños simplemente se van al final del episodio. Pero en otros aspectos, es exactamente eso, con fondos (hermosamente) pintados y vegetación que parece hecha de plástico y papel maché.
Las secuencias con los niños intentando navegar y luego escapar de las nuevas tendencias asesinas de Buddy son definitivamente las mejores de la película. Con algunas lesiones y muertes realmente impactantes que golpean fuerte debido al entorno de colores pastel.
Un subtrama ambientada en el "mundo real", introducida tarde en la película y protagonizada por Cristin Milioti, no es ni mucho menos tan interesante. Sin embargo, le añade algo de profundidad y explicación a los poderes de Buddy, y también profundiza la atmósfera de incomodidad.
Y el acto final de la película es espectacular, utilizando tanto un monstruo bien realizado como espacios liminales inquietantes (muy de moda este año después de Backrooms) con un efecto emocionante.
Puntuación: 9/10
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