Por qué hice la lista:
Mientras escribía mi reseña de Death in Brunswick (1990), me di cuenta de que se consideraba parte de la ola de películas australianas conocidas como “Ozploitation”.
Estas son películas de explotación de bajo presupuesto producidas en el país que abarcan una variedad de géneros. Pero principalmente horror, thriller, acción, sexploitation y comedia.
Este movimiento cinematográfico australiano comenzó en los años 70, tras la introducción de la calificación R en 1971. Y se considera una ola más pequeña dentro de la Nueva Ola Australiana de películas. Las cuales son generalmente un poco más sofisticadas y artísticas que “Ozploitation”!
El término fue en realidad acuñado por nada menos que Quentin Tarantino, quien fue un fanático de “Ozploitation” durante mucho tiempo. Y ha elogiado con frecuencia muchas de estas películas como altamente influyentes en lo suyo.
Habiendo tenido durante mucho tiempo muchas de estas películas en mi lista de reproducción, ¡finalmente era hora de quitar algunas de ellas!
Decidí comenzar enfocándome en los mejores horror/thrillers producidos al comienzo de las películas “Ozploitation”, los años 70. Y también he incluido una “mención deshonrosa!”
Nota: “engañé” un poco al adelantarme para ver la brillante Next of Kin (1982). Y escribí una reseña completa de ella, si te interesa revisarla después de esto!
Y intencionadamente no incluí las películas más conocidas de los años 70 que caen en la ola de “Ozploitation”. Como Mad Max (1979), ¡ya se ha escrito suficiente sobre ella!
Walkabout (1971)
La película que realmente inició la Nueva Ola Australiana (y que también puede considerarse “Ozploitation” debido a sus elementos de thriller) fue, irónicamente, dirigida por un británico. Y también adaptada por un guionista inglés de una novela de un escritor inglés.
Pero bueno, el director resulta ser el brillante Nicholas Roeg (Don’t Look Now, The Witches). Así que dudo que alguien se quejara!
En solo su segundo esfuerzo como director, después de Performance de 1970 protagonizada por Mick Jagger, Roeg se demuestra un maestro de lo visual evocador, la yuxtaposición sorprendente, y el subtexto que invita a la reflexión.
También actuando como director de fotografía, crea un vívido retrato del Outback australiano, rebosante de vida. Eso quizás nunca ha sido igualado.
La historia (en la superficie delgada) trata de un par de escolares ingleses de clase alta que quedan varados en el desierto y deben valerse por sí mismos. Antes de encontrar a un adolescente aborigen (el asombroso David Gulpilil) en un "walkabout" que les ayuda a sobrevivir en la naturaleza.
Pero, siendo Roeg quien es, hay una gran cantidad de temas enterrados bajo la superficie. Los cuales transmite con imágenes vívidas y un montaje ingenioso.
Los cineastas también hicieron algunos cambios en el material original para subrayar los temas que querían explorar. Por ejemplo, los niños no quedan varados por un accidente aéreo como en la novela, sino por un horrible intento de aniquilación familiar por parte de su padre.
Y la película muestra que cuanto más se acercan a la civilización, más peligro corren de ser consumidos por el mundo hostil, autodestructivo y superficial de la sociedad occidental. Que destruye sin pensamiento esférico natural del que han llegado a encontrar tanta alegría.
Al igual que en I Start Counting (1969), la futura estrella de Logan’s Run y American Werewolf in London Jenny Agutter ofrece una actuación bellamente naturalista como la adolescente. Quien, aunque es obstinada, teme su floreciente sexualidad.
Aunque la película requería algo de desnudez de la joven actriz, nunca se siente explotadora. Y Agutter misma ha dicho que aunque inicialmente se sintió cohibida, confió en la intención de Roeg y que "había una simplicidad y belleza en ello".
El fallecido Roger Ebert, sin duda mi crítico de cine favorito de todos los tiempos, llamó a Walkabout “una de las grandes películas.” El guionista y director Alex Garland (28 Days Later, Dredd, Annihilation) también es un gran admirador.
Es una pieza de arte hermosa, soñadora y problemática, nada menos que una obra maestra. Que creo debería estar en la lista de películas que todos deben ver.
Puntuación: 10/10
Where to Watch Walkabout (1971)
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Wake in Fright (1971)
Wake in Fright también se considera un clásico tanto de "Ozploitation" como de la Nueva Ola Australiana (y también dirigido por un no australiano). Ha estado en mi radar durante bastante tiempo, pero siempre había pospuesto verlo porque sonaba increíblemente angustiante.
Y habiéndolo visto ahora, puedo testificar que lo es, y más. Al igual que películas de temática similar y de adicción intensa como Christiane F. (1981) y Requiem for a Dream (2000), siento que es una película importante que todos deberían ver al menos una vez. ¡Pero tal vez no otra vez!
Wake in Fright (renombrada Outback para el lanzamiento internacional) está adaptada de la novela del mismo nombre de Kenneth Cook. Narra la perturbadora y desorientadora historia de un profesor bien educado que queda atrapado en la ficticia "ciudad" del desierto de Bundanyabba.
Pero son las circunstancias en las que se queda atrapado en lo que los locales llaman "The Yabba" las que son particularmente inquietantes. Inicialmente, John (Gary Bond) solo se supone que debe quedarse una noche en el polvoriento pueblo, una escala en su camino para visitar a su novia en Sídney.
Pero decide aventurarse a un pub local, donde toma una pinta e intenta socializar. Se hace amigo de un amable policía que lo empuja a beber más, antes de presentarle un anillo de apuestas ilegales que se lleva a cabo en la parte trasera de un restaurante.
Mientras que al principio es reacio, y después de mucho más alcohol, John se emociona y decide participar en el juego. Y se despierta horrible con resaca a la mañana siguiente para descubrir que ha perdido cada centavo de su dinero. Y ha perdido su vuelo.
Sin embargo, esto no es un problema, según el dudoso policía, ya que la gente en "The Yabba" cuida de los "suyos". La solución es simplemente seguir bebiendo. Y si no tienes dinero, no te preocupes: está por cuenta de la casa.
Pronto John, quien previamente había demostrado controlar su bebida, se encuentra sumido en un ciclo desgarrador de alcoholismo. Y un comportamiento inmoral cada vez más perturbador, que solo empeora cuando se hace amigo del “Doc” local.
Este personaje insano (el futuro Halloween estrella Donald Pleasance) fue una vez un médico practicante en Sídney, hasta que su alcoholismo se apoderó de él. Y se encontró atrapado en “The Yabba”, muy parecido a John.
Vive en absoluta miseria y por su próximo trago, pero afirma ser feliz. Y persuade a John para que vaya de caza de canguros con él y unos amigos (incluido el legendario actor australiano Jack Thompson). Ciegamente borracho, por supuesto.
Esto conduce a la secuencia más perturbadora de la película, que provocó que algunos se levantaran durante su proyección en Cannes. En ella, los cazadores, fuertemente ebrios, persiguen a los animales en la oscuridad con perros feroces y vehículos equipados con focos, los canguros atrapados sin poder escapar de los haces de luz.
Gritando y alborotando de alegría, desatan una ráfaga de disparos contra los animales, causando una destrucción sangrienta. Y los brutales resultados son mostrados en un detalle nauseabundo.
Horriblemente, estamos viendo realmente imágenes de una caza de canguros (y los verdaderos cazadores también estaban muy borrachos). Y toda la muerte y el trato inhumano es muy real.
Sin embargo, el director canadiense Ted Kotcheff defendió con firmeza su decisión de incluir las imágenes gráficas. Kotcheff, quien era vegetariano, pensaba que era importante hacer consciente al público de esta carnicería bárbara nocturna.
Además, afirmó que “solo utilizó las imágenes más suaves del documental”. Pero sigue siendo horrible y no es necesariamente algo que necesitara ver.
Otro problema que tengo con la película es que la última gota que empuja al protagonista a salir de este ciclo destructivo no es la bárbara caza de canguros, sino un acto homosexual implícito. John se muestra más perturbado por la perspectiva del sexo gay que por la masacre inconsciente de animales, lo cual es bastante problemático.
Sin embargo, dejando de lado este detalle, Wake in Fright es muy efectiva como un verdadero vistazo aterrador al caos y la degradación que puede causar el consumo excesivo de alcohol. Lo cual he experimentado de primera mano.
Absorbente y nauseabundo de principio a fin, es un condenatorio indictment de la cultura de la bebida. Que continúa en muchos países del mundo, no solo en Australia, hasta el día de hoy.
También hay un giro brillante (pero muy cruel) cerca del final que hace que la película sea increíblemente memorable. En mi opinión, debería mostrarse a los adolescentes en las escuelas secundarias para disuadirlos del consumo de alcohol.
Puntuación: 9/10 (sería un 10 si no fuera por la dura secuencia de canguros)
Where to Watch Wake in Fright (1971)
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Los autos que comieron París (1974)
Considerado como uno de los primeros de muchas películas australianas de “coches”, The Cars That Ate Paris fue una influencia importante en Mad Max de George Miller, definitivamente la película “Ozploitation” más conocida.
Para su debut en el cine teatral, el futuro The Truman Show director Peter Weir se le ocurrió la idea de esta película verdaderamente extraña pero brillante mientras estaba de vacaciones en Europa. Donde vio que “las señales de tráfico en las principales carreteras francesas lo desviaban hacia lo que él percibía como extraños pequeños pueblos.”
Estos “extraños pequeños pueblos” eventualmente lo llevarían a desarrollar una historia en torno al pueblo ficticio aislado de París en el Outback australiano. Donde una sociedad retrógrada y peligrosa se ha estado formando.
Weir conjura un palpable aire de terror y amenaza desde el momento en que entramos a París a través de los ojos del protagonista outsider, Arthur (Terry Camilleri), quien sobrevive a un accidente automovilístico en el camino hacia el pueblo.
Y pronto comenzamos a descubrir su secreto: toda la sociedad y economía del asentamiento parece basarse en beneficiarse de vehículos destrozados.
Los pueblerinos, liderados por el aterrador y resoluto alcalde, provocan deliberadamente accidentes en las precarias carreteras hacia París. Para poder recuperar y negociar con las piezas que obtienen.
Cualquier superviviente es enviado a un siniestro hospital psiquiátrico donde un dudoso doctor realiza terribles experimentos. Sin embargo, se hacen algunas excepciones, incluida Arthur, a quien el alcalde misteriosamente anuncia como “uno de nosotros”, antes de comenzar a adoctrinarlo en las maquinaciones del pueblo.
Sin embargo, esta insidiosa adoración del caos vehicular se ha descontrolado: los ancianos han perdido el control sobre los jóvenes. Que se han dedicado a construir coches amenazantes y listos para la batalla para causar destrucción dentro del pueblo mismo.
Así, como en muchas de las películas de Weir, se muestra a una sociedad como responsable de su propia caída. Y ¡qué espectacular caída demuestra ser! ¡Todavía quiero saber cuántos coches destruyeron durante la producción, pero no puedo encontrar el número en línea!
Curiosamente, The Cars That Ate Paris fue una de las películas favoritas de Stanley Kubrick. Y no es difícil ver por qué: la película es loca pero también hipnotizante. Y tiene mucho que decir sobre los peligros del pensamiento grupal sin cuestionar.
Además, la mentalidad casi de culto de los residentes del pueblo da serias vibras de The Wicker Man, un gran cumplido. Solo reemplaza la adoración de dioses paganos con la de accidentes automovilísticos.
Si la película no es lo suficientemente loca para ti, siempre puedes escuchar historias sobre la adaptación musical teatral poco probable!
Puntuación: 8/10
La última ola (1977)
Profundamente inquietante es la mejor manera de describir el próximo esfuerzo de Peter Weir para hacer esta lista (su clásico de 1975 Picnic en Hanging Rock es considerado puramente Nuevo Cine Australiano y no “Ozploitation”.)
La última ola se sitúa en ambos movimientos cinematográficos: es un filme bastante artístico y filosófico, pero también hay un posible asesinato por resolver y muchas secuencias llenas de horror.
Comienza como una historia bastante centrada sobre un abogado blanco contratado para representar a algunos sospechosos de asesinato aborígenes (incluyendo al Gulpilil de Walkabout) en la corte. Pero pronto se convierte en un thriller psicológico surrealista que involucra profecías y acontecimientos místicos que se sienten positivamente apocalípticos.
La película está profundamente preocupada por el colapso ambiental y retrata varias calamidades relacionadas con el clima, lo que la acerca al eco-horror. Esto se refuerza con un diseño de sonido verdaderamente perturbador y galardonado, que hace parecer que la Madre Naturaleza es la verdadera villana.
Pero La última ola también implica fuertemente que hay otro antagonista igualmente elusivo y poderoso acechando en esta película. Los efectos de la colonización sobre los pueblos nativos.
La película no se abstiene de mostrar las desastrosas consecuencias de la opresión del pueblo aborigen. Incluyendo la alcoholism y la vagancia.
Esto eventualmente se conecta con la fuerte vena de misticismo fascinante que recorre toda la película. Pero no diré mucho más, ¡ya que deberías descubrir por ti mismo el viaje de autocomprensión del protagonista David (actor queer Richard Chamberlain)!
Puntuación: 8/10
Patrick (1978)
“Ozploitation” dio sus primeros pasos en el territorio de el horror sobrenatural abierto con Patrick de Richard Franklin, la historia de un paciente en coma que desarrolla peligrosas habilidades telequinéticas y las utiliza para aterrorizar a su enfermera.
La película fue descubierta por un joven Tarantino, quien ha citado a Patrick como influyente en su propio trabajo. Notablemente, la forma singular en que el personaje titular escupe, que él homenajeó con Uma Thurman en Kill Bill.
A partir de la descripción básica de la trama, Patrick parecería ser un intento de aprovechar el éxito de Carrie un par de años antes. Sin embargo, el guionista Everett de Roche había aparentemente estado trabajando en el guion durante varios años antes de que la película llegara a la pantalla.
No obstante, definitivamente hay algunas similitudes con Carrie que siento que podrían haber sido añadidas como respuesta a esa película. Incluyendo el diseño de sonido siempre que las habilidades psíquicas están en juego. Y un susto de último minuto en los minutos finales que refleja la angustia de Amy Irving en la película de 1976.
Y el compositor Brian May (mejor conocido por las dos primeras películas de Mad Max) evoca indudablemente la banda sonora de la clásica película de Brian de Palma en algunas escenas. Particularmente aquellas que involucran a la protagonista Kathy simplemente haciendo lo que tiene que hacer.
Curiosamente, descubrí que la banda sonora fue reemplazada por una compuesta por nada menos que Goblin (Suspiria) cuando la película se estrenó en Italia, ya que los productores italianos no quedaron impresionados con la música original. La versión de Goblin de la banda sonora está disponible en YouTube si tienes curiosidad!
Es genuinamente fascinante que tantas películas sobre habilidades psíquicas aparecieron simultáneamente en los años 70 (Carrie, The Last Wave, esta película, The Fury, The Medusa Touch…) ¡Debe haber sido algo en el aire!
Patrick es definitivamente una de las entradas más sólidas en este extraño subgénero de horror psíquico. El guion es en general muy fuerte e interesante, y principalmente aumenta la tensión a medida que avanza la película.
Aunque el tercer acto se ve algo pesado por una o dos escenas demasiado de Kathy hablando por teléfono mientras investiga las actividades de Patrick. Eso probablemente podría haber sido cortado para una película más ajustada.
Además, Patrick no es visualmente muy inspirador: se ve un poco plano para una película ambientada en un hospital gótico. Excepto por una secuencia donde Kathy introduce a un conocido neurocientífico para obtener una opinión externa sobre Patrick (¡pero esta presenta un uso intenso de luces estroboscópicas, así que cuidado si eres sensible a eso!).
Un gran punto positivo es que el personaje de Kathy está bien escrito y es bastante fuerte. Y la actriz británica Susan Penhaligon es inmensamente agradable en el papel. Se presenta como amable y de mente abierta, pero también asertiva y con determinación.
A diferencia de la mayoría de las heroínas en películas como esta, que huyen aterrorizadas al primer signo de lo sobrenatural, ella acepta todos los fenómenos con calma y no se siente impresionada. Y es admirablemente directa en el clímax de la película.
En el resto del elenco, Julia Blake es inmensamente entretenida como la dura y desencantada Matrona Cassidy, que definitivamente tiene algunas de las mejores líneas. Especialmente durante la entrevista de trabajo de Kathy cerca del inicio de la película.
Estos incluyen: “¡No estamos interesados en amas de casa inquietas que renunciarán al primer signo de un orinal sucio!” Y “tendemos a atraer cierto tipo. Lesbianas, ninfómanas, especialistas en enemas... ”
Patrick tuvo un remake en 2013. Protagonizada por Rachel Griffiths como Matrona Cassidy, You’re Next’s Sharni Vinson como Kathy, y Charles Dance como el Dr. Roget.
Pero según todos los informes, el remake no es muy bueno, a pesar de que el director Mark Hartley es un gran fan de la original. ¡La cual probablemente deberías ver en su lugar!
Puntuación: 6.5/10
El Fontanero (1979)
El fontanero marca la tercera vez que el prolífico Peter Weir aparece en esta lista. Y realmente es la última de sus películas que podría ser llamada "Ozploitation".
Él pasaría a dirigir el épico filme de guerra australiano Gallipoli (1981), y luego películas de estudio de Hollywood como The Year of Living Dangerously (1982) y Dead Poets Society (1989). Así que no esperes verlo en mi lista de los 80!
En la superficie, El fontanero es un thriller de invasión a domicilio bastante simple, ya que la académica de modales suaves Jill (Judy Morris) es acosada y finalmente aterrorizada por el comerciante desequilibrado Max (Ivar Kants). Pero, como ya se podría esperar de Weir, quien también coescribió el guion, la película está llena de sutileza y profundidad temática.
Como en The Last Wave, Weir explora temas como el privilegio blanco y de clase, y la desigualdad social que tiene consecuencias inesperadas. Y la fragilidad de la seguridad de las clases media y alta en una sociedad con una clase baja desencantada.
La primera genial idea de Weir, la primera de muchas, fue hacer que Jill y su esposo Brian (Robert Coleby) sean antropólogos. Estas son personas educadas y equilibradas que han viajado mucho e interactuado con y tratado de entender tribus primitivas.
Conocemos a Jill mientras le pregunta a su esposo qué piensa de su manuscrito sobre los pueblos de las tribus en Nueva Guinea. Al final describe un encuentro con un "mago" que entró en su tienda y realizó un rito tribal, entrando en un profundo trance.
Y cómo sacarlo de allí, le lanzó un tazón de leche de cabra en la cara. Lo cual, junto con la trama de la película, realmente le sucedió a un amigo de Weir.
Después de que Brian sale a dar una conferencia, Jill intenta trabajar en sus estudios, pero es interrumpida por la llegada del personaje titular. Confundida y reacia a dejarlo entrar ya que no habían llamado a un fontanero, cede después de que le asegura que es solo una revisión rutinaria ordenada por las autoridades del campus.
Max se presenta inicialmente como alegre y respetuoso, pero esta fachada comienza a desmoronarse y su comportamiento se vuelve cada vez más perturbador e intrusivo. También no hace ningún intento de ocultar su desprecio por los académicos y el enorme resentimiento que tiene debido a ser "no educado".
Al principio, Jill es cortés y tolera sus diatribas mientras cuestiona suavemente sus creencias. Aunque se cuida de no parecer superior o de juicio.
Sin embargo, comienza a perder la calma cuando Max aparentemente sigue descubriendo problemas en su baño previamente en orden, y comienza a desmantelarlo. Y sus provocaciones deliberadas se vuelven más amenazantes.
A diferencia de The Last Wave, la película tiene un sentido del humor oscuro y juguetón que la hace más puramente entretenida. Mejor ejemplificado en una incómoda cena donde Brian trae a casa a algunos colegas, y en el personaje de Max mismo.
Max parece ser un bogan inofensivo, que, aunque ruidoso y molesto, es un tipo de clase trabajadora simplemente divirtiéndose un poco mientras hace su trabajo. Pero Weir y Kants van desvelando gradualmente capas siniestras de Max, así como algunas peculiaridades inesperadas del personaje que lo convierten en un villano interesante y cautivador.
Al igual que Max Cady de Cape Fear, quien parece ser una gran inspiración para este personaje, el fontanero titular es lo suficientemente inteligente como para saber que el terror más aterrador no proviene de la violencia abierta. Sino de la erosión sutil del bienestar de una persona.
La amenaza de violación se alude un par de veces, más prominente por parte de Max como un “chiste” de mal gusto. Pero él no tiene intención de hacerle daño físico a Jill, simplemente la manipula emocionalmente y la provoca hasta llevarla al colapso nervioso.
Al final de la película, Jill se encuentra considerando formas de escapar de la pesadilla que la mujer tolerante y de buen corazón que conocimos al principio nunca habría imaginado. Así que, Max ha tenido éxito en su misión de romper mentalmente a Jill, pero le sale el tiro por la culata de una manera que no vio venir. Lo cual es muy satisfactorio.
Teniendo lugar casi por completo dentro de los confines del pequeño apartamento (probablemente haría una buena obra de teatro), The Plumber es insoportablemente claustrofóbica. Y aumenta hábilmente la tensión y el sentido de frustración y desesperación que siente Jill.
Puntuación: 8/10
Mención Deshonrosa: Snapshot (1979)
El título estadounidense de esta película, The Day After Halloween, me intrigó como fan de el horror ambientado en Halloween.
Según la descripción de IMDB de esta película, no esperaba mucho. Dice: “Una ingenua peluquera es impulsada por su vivaz amiga a convertirse en modelo desnuda, pero pronto descubre que todos los que conoce quieren un pedazo de ella.”
Aunque el cartel prometía más un horror slasher, la línea de la trama sonaba como una lección moral anticuada. Pero decidí darle una oportunidad, a pesar de algunas dudas.
Los primeros minutos me cautivaron con algunas imágenes verdaderamente impactantes, mientras los bomberos con linternas se aventuran a través del espeso humo en un edificio quemado para encontrar un cadáver carbonizado. Y, sobre los créditos iniciales, investigadores de la escena del crimen recolectan evidencia, incluyendo una cámara y fotografías desnudas de una mujer.
Luego, en un flashback, se nos presenta a Angela (Sigrid Thorton), quien, desconcertada, corre por una calle de Melbourne antes de llegar tarde a su trabajo de peluquera. Allí, su jefe masculino con código queer la reprende por verse “como la cena del perro”.
Sin embargo, la desanimada Angela se anima con la llegada de su glamorosa cliente/amiga Madeline (Chantal Contouri). Quien piensa que puede hacer algo mejor que este trabajo de esclava mal pagada, y sigue presionándola para que se reúna con su amigo fotógrafo Linsey (Hugh Keays-Byrne).
Madeline aparentemente ha estado tratando de convencerla para que pruebe el modelaje durante algún tiempo. Pero Angela es reacia. Entre sus muchas inseguridades está el hecho de que es “plana”. A lo que Madeleine responde (en una de las pocas líneas realmente ingeniosas y divertidas del film), “Oh cariño, las tetas se fueron con Jayne Mansfield.”
Madeline no aceptará un no como respuesta, y le anuncia al jefe de Angela que ella renuncia. Arrojándole un insulto homofóbico agresivo por si acaso.
A partir de este momento, la película cumple con mi impresión inicial: se convierte en una historia de advertencia agotadora con un mensaje moral cuestionable. Y no es nada sutil.
Por ejemplo, una canción increíblemente evidente suena durante la sesión de fotos desnuda: literalmente tiene las letras: “Angela, ¿te has pasado esta vez?”, “¡Ahora que está hecho, no hay vuelta atrás!”
El horror que hay en esta película resulta completamente plano y se siente como un pensamiento tardío: la película empezó como un guion llamado Centrefold. Y las escenas de ‘suspenso’ parecen estar pegadas rápidamente para aprovechar el reciente éxito de Halloween de John Carpenter.
Algunas de ellas son francamente risibles, incluyendo un obvio homenaje/rip-off de The Godfather que puedes ver venir a millas de distancia. Y un susto a medias que involucra a un pájaro.
Además, el director Simon Wincer claramente pensó que un camión de helados Mr Whippy de color rosa pastel que toca la melodía de “Greensleeves”, la principal fuente del terror de Angela, sería aterrador. ¡No lo es!
Dicho esto, la película es hacible gracias a una decoración de set verdaderamente surrealista, y hay algunas tomas genuinamente interesantes. Incluyendo una donde un hombre depredador que corta un asado parece estar rebanando el rostro de Angela. El clímax ardiente establecido al principio de la película también es bastante satisfactorio.
También se redime algo gracias a unas actuaciones convincentes. El actor de Mad Max: Fury Road, Keays-Byrne, casi roba la película en sus pocas escenas como el fotógrafo profundamente excéntrico Linsey. Su obsesión por su arte y sus expresiones de alegría similares a las de un duende son genuinamente entretenidas.
Thorton hace su mejor esfuerzo y tiene una presencia agradable, aunque el guion no le hace favores a su personaje después de ciertos desarrollos al final de la película. Lo mismo ocurre con su aparente mejor amiga. Mientras que Contouri da una vuelta mayormente entretenida al arquetipo de la femme fatale, los cineastas deciden meter un giro en las intenciones de Madeline que juega con estereotipos peligrosos.
Patrick se salió con la suya al ser un posible Carrie que aprovechó la tendencia porque al menos fue sutil en su imitación y realmente tenía una historia interesante que contar. Esta película es evidente en su intento de aprovecharse de Halloween, ya que el título americano no tiene nada que ver con la película: ocurre durante el invierno australiano, así que ¡ni siquiera está ambientada en noviembre!
El hecho de que tenga no menos de tres títulos alternativos (Snapshot para el lanzamiento australiano y One More Minute y The Day After Halloween para el internacional) traiciona su crisis de identidad como un relato de advertencia sobre el casting couch escondido dentro de un supuesto paquete de terror slasher.
Según IMDB, “Se informó que el guion de esta película [al menos el primer borrador] fue escrito en solo diez días.” Y sí, se nota.
Puntuación: 5/10
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