Where to Watch Mejores películas de horror/thriller "Ozploitation" de los años 70
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Por qué hice la lista:
Mientras escribía mi reseña de Death in Brunswick (1990), me di cuenta de que se consideraba parte de la ola de películas australianas conocidas como “Ozploitation”.
Estas son películas de explotación de bajo presupuesto producidas en Down Under que abarcan una variedad de géneros. Pero principalmente horror, thriller, acción, sexploitation y comedia.
Este movimiento cinematográfico australiano comenzó en los años 70, tras la introducción de la calificación R en 1971. Y se considera una ola más pequeña dentro de la Nueva Ola Australiana de películas. Que generalmente son un poco más intelectuales y artísticas que “Ozploitation”!
El término fue realmente acuñado nada menos que por Quentin Tarantino, quien fue un fanático de “Ozploitation” durante mucho tiempo. Y ha elogiado frecuentemente muchas de estas películas como altamente influyentes en su propio trabajo.
Habiendo tenido muchas de estas películas en mi lista de deseos durante mucho tiempo, finalmente era hora de quitar algunas de ellas!
Yo decidí comenzar enfocándome en los mejores horror/thriller producidos durante el inicio de las películas de “Ozploitation”, los años 70. Y también he incluido una “mención deshonrosa”!
Nota: Yo “hice trampa” un poco al adelantarme para ver la brillante Next of Kin (1982). Y escribí una reseña completa sobre ella, si te interesa revisarla después de esto!
Y yo deliberadamente no incluí las películas más conocidas de los años 70 que caen en la ola de “Ozploitation”. Como Mad Max (1979), ¡ya se ha escrito suficiente sobre ella!
Walkabout (1971)
La película que realmente inició la Nueva Ola Australiana (y también puede considerarse "Ozploitation" debido a sus elementos de thriller) fue, irónicamente, dirigida por un británico. Y también adaptada por un guionista inglés de una novela de un escritor inglés.
Pero bueno, el director resulta ser el brillante Nicholas Roeg (Don’t Look Now, The Witches). Así que dudo que alguien se quejara!
En solo su segundo esfuerzo como director, después de Performance de 1970 protagonizada por Mick Jagger, Roeg demuestra ser un maestro de lo visual evocador, la sorprendente yuxtaposición y el subtexto provocativo.
También como director de fotografía, crea un retrato vívido del Outback australiano, rebosante de vida. Eso quizás nunca ha sido igualado.
La historia (en la superficie delgada) se refiere a un par de estudiantes ingleses de clase alta que quedan varados en el desierto y se ven obligados a valerse por sí mismos. Antes de encontrar a un adolescente aborigen (el asombroso David Gulpilil) en un ““walkabout” que les ayuda a sobrevivir en la naturaleza.
Pero, siendo Roeg lo que es, hay una tonelada de temas enterrados bajo la superficie. Los cuales transmite con imágenes vívidas y una edición ingeniosa.
Los cineastas también hicieron algunos cambios al material original para destacar los temas que querían explorar. Por ejemplo, los niños no quedan varados por un accidente aéreo como en la novela, sino por un intento desgarrador de aniquilación familiar por parte de su padre.
Y la película muestra que cuanto más se acercan de nuevo a la civilización, más peligro corren de ser consumidos por el mundo hostil, autodestructivo y superficial de la sociedad occidental. Que destruye sin pensar la esfera natural en la que han llegado a encontrar tanta alegría.
Como en I Start Counting (1969), la futura estrella de Logan's Run y American Werewolf in London , Jenny Agutter ofrece una actuación bellamente naturalista como la adolescente. Quien, aunque es tenaz, tiene miedo de su incipiente sexualidad.
Aunque la película requería algo de desnudez de la joven actriz, nunca se siente explotadora. Y Agutter misma ha dicho que, aunque al principio se sentía cohibida, confiaba en la intención de Roeg y que “había una simplicidad y belleza en ello”.
El fallecido Roger Ebert, sin duda mi crítico de cine favorito de todos los tiempos, llamó a Walkabout “una de las grandes películas.” El guionista/director Alex Garland (28 Days Later, Dredd, Annihilation) también es un gran admirador.
Es una pieza de arte hermosa, soñadora y preocupante, nada menos que una obra maestra. Que creo debería estar en la lista de películas de todos.
Puntuación: 10/10
Where to Watch Walkabout (1971)
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Wake in Fright (1971)
Wake in Fright también es considerado un clásico tanto del “Ozploitation” como de la Nueva Ola Australiana (y también dirigido por un no australiano). Había estado en mi radar durante bastante tiempo, pero siempre había pospuesto verlo porque sonaba increíblemente angustiante.
Y habiéndolo visto ahora, puedo testificar que lo es, y más. Al igual que películas de adicción con temas similares, como Christiane F. (1981) y Requiem for a Dream (2000), siento que es una película importante que todos deberían ver al menos una vez. ¡Pero tal vez no otra vez!
Wake in Fright (renombrado Outback para su lanzamiento internacional) está adaptado de la novela del mismo nombre de Kenneth Cook. Cuenta la perturbadora y desorientadora historia de un profesor bien educado que queda atrapado en la ficticia “ciudad” desértica de Bundanyabba.
Pero son las circunstancias en las que queda atrapado en lo que los locales llaman “The Yabba” las que son particularmente inquietantes. Inicialmente, John (Gary Bond) solo se supone que debe quedarse una noche en el polvoriento pueblo, una escala en su camino para visitar a su novia en Sídney.
Pero decide aventurarse a un pub local, donde toma una pinta y trata de socializar. Se hace amigo de un amable policía que lo empuja a beber más, antes de presentarle un anillo de juego ilegal que se lleva a cabo en la parte trasera de un restaurante.
Aunque inicialmente dudoso, y después de mucho más alcohol, John se emociona y decide participar en el juego. Y se despierta horrible con resaca a la mañana siguiente para descubrir que ha perdido cada centavo de su dinero. Y ha perdido su vuelo.
Sin embargo, esto no es un problema, según el dudoso policía, ya que la gente en “The Yabba” cuida de los “suyos”. La solución es simplemente seguir bebiendo. Y si no tienes dinero, no te preocupes: está por cuenta de la casa.
Pronto John, que previamente se había mostrado capaz de controlar su bebida, se encuentra sumido en un ciclo aterrador de alcoholismo. Y un comportamiento inmoral cada vez más perturbador, que solo empeora cuando se hace amigo del "Doc" local.
Este personaje loco (el futuro Halloween estrella Donald Pleasance) fue una vez un médico en Sídney, hasta que su alcoholismo se apoderó de él. Y se encontró atrapado en "The Yabba", al igual que John.
Vive en una miseria absoluta y por su próximo trago, pero afirma ser feliz. Y persuade a John para que lo acompañe en una cacería de canguros con él y algunos amigos (incluyendo a la leyenda de la actuación australiana Jack Thompson). Borracho, por supuesto.
Esto conduce a la secuencia más perturbadora de la película, que provocó salidas durante su proyección en Cannes. En ella, los cazadores, fuertemente ebrios, persiguen a los animales en la oscuridad con perros feroces y vehículos montados con focos, los canguros atrapados sin poder hacer nada en los haces.
Gritando y chillando de alegría, desatan una lluvia de disparos contra los animales, causando una destrucción sangrienta. Y los brutales resultados son mostrados en un detalle nauseabundo.
Horriblemente, estamos viendo imágenes de una verdadera cacería de canguros (y los verdaderos cazadores también estaban muy borrachos). Y toda la muerte y el trato inhumano es muy real.
Sin embargo, el director canadiense Ted Kotcheff defendió con firmeza su decisión de incluir las imágenes gráficas. Kotcheff, que era vegetariano, pensó que era importante concienciar al público sobre esta carnicería barbarica nocturna.
Además, afirmó que “solo utilizó el material documental más leve.” Pero sigue siendo horrible y no necesariamente algo que necesitaba ver.
Otro problema que tengo con la película es que la gota que colma el vaso y empuja al protagonista a salir de este ciclo destructivo no es la barbarica cacería de canguros, sino un acto homosexual implícito. Se muestra a John como más perturbado por la perspectiva de sexo gay que por la masacre sin sentido de animales, lo cual es problemático.
Sin embargo, dejando de lado esta objeción, Wake in Fright es muy efectiva como un vistazo verdaderamente aterrador al caos y la degradación que puede causar el consumo excesivo de alcohol. Lo cual he experimentado en primera persona.
Impactante y nauseabundo de principio a fin, es un condenatorio alegato contra la cultura del alcohol. Que continúa en muchos países del mundo, no solo en Australia, hasta el día de hoy.
También hay un brillante (pero muy cruel) giro cerca del final que hace que la película sea increíblemente memorable. En mi opinión, debería mostrarse a los adolescentes en las escuelas secundarias para desanimarlos a emborracharse!
Puntuación: 9/10 (sería un 10 si no fuera por la castigadora secuencia de canguros!)
Where to Watch Wake in Fright (1971)
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Los coches que comieron París (1974)
Considerado como uno de los primeros de muchas películas australianas de “coches”, The Cars That Ate Paris fue una gran influencia en Mad Max de George Miller, definitivamente la película de “Ozploitation” más conocida.
Para su debut en largometraje, el futuro The Truman Show director Peter Weir tuvo la idea para esta película verdaderamente extraña pero brillante mientras estaba de vacaciones en Europa. Donde vio que “las señales de tráfico en las principales carreteras francesas lo desviaban hacia lo que percibía como extrañas aldeas pequeñas.”
Estas “extrañas aldeas pequeñas” eventualmente lo llevarían a desarrollar una historia en torno al pueblo aislado y ficticio de París en el Outback australiano. Donde se ha estado formando una sociedad primitiva y peligrosa.
Weir conjura un palpable aire de temor y amenaza desde el momento en que entramos en París a través de los ojos del protagonista outsider, Arthur (Terry Camilleri), quien sobrevive a un accidente automovilístico en el camino hacia la ciudad.
Y pronto comenzamos a descubrir su secreto: toda la sociedad y economía del asentamiento parece basarse en beneficiarse de vehículos destruidos.
Los habitantes del pueblo, liderados por el aterrador y resoluto alcalde, causan deliberadamente accidentes en las carreteras deterioradas hacia París. Para poder recuperar y negociar con las piezas que reciclan.
Cualquier superviviente es enviado a un siniestro hospital psiquiátrico donde un dudoso doctor realiza terribles experimentos. Sin embargo, se hacen algunas excepciones, incluyendo a Arthur, a quien el alcalde misteriosamente anuncia como “uno de nosotros”, antes de comenzar a adoctrinarlo en las maquinaciones del pueblo.
Sin embargo, esta insidiosa adoración al caos vehicular se ha salido de control: los ancianos han perdido el control sobre los jóvenes. Quienes han comenzado a construir coches amenazantes y listos para la batalla para causar destrucción dentro del pueblo mismo.
Así, como en muchas de las películas de Weir, se muestra una sociedad responsable de su propia caída. Y ¡qué espectacular caída demuestra ser! ¡Todavía quiero saber cuántos coches destruyeron durante la producción, pero no puedo encontrar el número en línea!
Curiosamente, The Cars That Ate Paris fue una de las películas favoritas de Stanley Kubrick. Y no es difícil ver por qué: la película es realmente loca pero también hipnotizante. Y tiene mucho que decir sobre los peligros del pensamiento grupal no cuestionado.
Además, la mentalidad casi cultista de los residentes del pueblo da serias vibraciones de The Wicker Man, un gran cumplido. Solo reemplaza la adoración de dioses paganos con la de accidentes automovilísticos.
Si la película no es lo suficientemente extravagante para ti, siempre puedes escuchar historias sobre la improbable adaptación musical teatral!
Puntuación: 8/10
La Última Ola (1977)
Profundamente inquietante es la mejor manera de describir el siguiente esfuerzo de Peter Weir para hacer esta lista (su clásico de 1975 Picnic en Hanging Rock se considera puramente una Nueva Ola australiana y no "Ozploitation".)
La Última Ola se sitúa un poco entre ambos movimientos cinematográficos: es una película bastante artística y filosófica, pero también hay un asesinato potencial que resolver y muchas secuencias con toques de horror.
Comienza como una historia bastante realista sobre un abogado blanco que es contratado para representar a algunos sospechosos aborígenes de asesinato (incluyendo a Gulpilil de Walkabout) en la corte. Pero pronto se convierte en un thriller psicológico surrealista que involucra profecías y fenómenos místicos que se sienten positivamente apocalípticos.
La película está profundamente preocupada por el colapso ambiental y representa varias calamidades relacionadas con el clima, lo que la acerca al eco-horror. Esto se ve reforzado por un diseño de sonido verdaderamente perturbador y galardonado, que hace parecer que la Madre Naturaleza es la verdadera villana.
Pero La Última Ola también implica fuertemente que hay otro antagonista, igualmente esquivo y poderoso acechando en esta película. Los efectos de la colonización sobre los pueblos nativos.
La película no se abstiene de mostrar las desastrosas consecuencias de la opresión del pueblo aborigen. Incluyendo el alcoholismo y la vagancia.
Esto eventualmente se conecta con la fuerte corriente de misticismo fascinante que recorre toda la película. Pero no diré mucho más, ya que deberías descubrir el viaje de autorreflexión del protagonista David (actor queer Richard Chamberlain) por ti mismo!
Puntuación: 8/10
Patrick (1978)
“Ozploitation” dio sus primeros pasos en territorio de horror sobrenatural abierto con Patrick, la historia de un paciente en coma que desarrolla peligrosas habilidades telequinéticas y las utiliza para aterrorizar a su enfermera.
La película fue descubierta por un joven Tarantino, quien ha citado Patrick como influyente en su propio trabajo. Más notablemente, la manera singular en que el personaje titular escupe, que él homenajeó a Uma Thurman en Kill Bill.
A partir de la descripción básica de la trama, Patrick parecería ser un intento de aprovechar el éxito de Carrie un par de años antes. Sin embargo, el guionista Everett de Roche había aparentemente estado trabajando en el guion durante varios años antes de que la película llegara a la pantalla.
No obstante, definitivamente hay algunas similitudes con Carrie que siento que podrían haber sido añadidas en respuesta a esa película. Incluyendo el diseño de sonido cada vez que las habilidades psíquicas están en juego. Y un susto de último minuto en los minutos finales que refleja la agonía de Amy Irving en la película de 1976.
Y el compositor Brian May (mejor conocido por las dos primeras películas de Mad Max) evoca innegablemente la banda sonora de la clásica película de Brian de Palma en algunas escenas. Particularmente aquellas donde la protagonista Kathy simplemente se ocupa de sus asuntos.
Curiosamente, descubrí que la banda sonora fue reemplazada por una compuesta nada menos que por Goblin (Suspiria) cuando la película se estrenó en Italia, ya que los productores italianos no quedaron impresionados con la música original. La versión de la banda sonora de Goblin está disponible en YouTube si tienes curiosidad!
Es genuinamente fascinante que tantas películas sobre habilidades psíquicas aparecieran simultáneamente en los 70s (Carrie, The Last Wave, esta película, The Fury, The Medusa Touch…) ¡Debió haber algo en el aire!
Patrick es definitivamente una de las entradas más sólidas en este extraño subgénero de horror psíquico. El guion es en general muy sólido e interesante, y en su mayoría incrementa la tensión a medida que avanza la película.
Aunque el tercer acto se ve un poco afectado por una escena de Kathy hablando por teléfono de más mientras investiga las acciones de Patrick. Eso probablemente podría haberse cortado para una película más ajustada.
Además, Patrick no es realmente muy inspirador visualmente: se ve un poco plano para una película ambientada en un hospital gótico. Excepto por una secuencia donde Kathy introduce a un acquaintance neurocientífico para obtener una opinión externa sobre Patrick (¡pero esto presenta mucho uso de iluminación estroboscópica, así que ten cuidado si eres sensible a eso!)
Un gran aspecto positivo es que el personaje de Kathy está bien escrito y es bastante fuerte. Y la actriz británica Susan Penhaligon es inmensamente agradable en el papel. Se presenta como amable y de mente abierta, pero también asertiva y firme.
A diferencia de la mayoría de las heroínas en películas como esta, que corren gritando hacia las salidas ante el primer signo de lo sobrenatural, ella enfrenta todos los fenómenos con tranquilidad y no se siente mayormente afectada. Y es admirablemente práctica en el clímax de la película.
En otras partes del elenco, Julia Blake es inmensamente entretenida como la dura y cínica Hermana Cassidy, que definitivamente tiene algunas de las mejores líneas. Especialmente durante la entrevista de trabajo de Kathy cerca del principio de la película.
Estas incluyen: “¡No estamos interesados en amas de casa inquietas que renunciarán al primer signo de un orinal sucio!” Y “tendemos a atraer ciertos tipos. Lesbianas, ninfómanas, especialistas en enemas…”
Patrick tuvo un remake en 2013. Protagonizada por Rachel Griffiths como Hermana Cassidy, You’re Next’s Sharni Vinson como Kathy, y Charles Dance como Dr. Roget.
Pero según todos los informes el remake no es muy bueno, a pesar de que el director Mark Hartley es un gran fan de la original. ¡La cual probablemente deberías ver en su lugar!
Calificación: 6.5/10
El Fontanero (1979)
El fontanero marca la tercera vez que el prolífico Peter Weir aparece en esta lista. Y realmente es la última de sus películas que podría llamarse “Ozploitation.”
Él pasaría a dirigir la épica de guerra australiana Gallipoli (1981), y luego películas de estudio de Hollywood como The Year of Living Dangerously (1982) y Dead Poets Society (1989). ¡Así que no esperes verlo en mi lista de los 80!
A simple vista, El fontanero es un thriller de invasión domiciliaria bastante simple, ya que la académica de modales suaves Jill (Judy Morris) es molestada y luego eventualmente aterrorizada por el comerciante desequilibrado Max (Ivar Kants). Pero, como ya se podría esperar de Weir, quien también coescribió el guion, la película está llena de sutileza y profundidad temática.
Al igual que en The Last Wave, Weir explora cuestiones como el privilegio blanco y de clase, y la desigualdad social que tiene consecuencias inesperadas. Y la fragilidad de la seguridad de las clases medias y altas en una sociedad con una clase baja desencantada.
La primera idea genial de Weir, la primera de muchas, fue hacer que Jill y su esposo Brian (Robert Coleby) sean antropólogos. Estas son personas educadas y sensatas que han viajado mucho e interactuado con y buscado entender tribus primitivas.
Conocemos a Jill mientras le pregunta a su esposo qué le pareció su manuscrito sobre las tribus de Nueva Guinea. Termina describiendo un encuentro con un “hechicero” que entró en su tienda y realizó un rito tribal, entrando en un profundo trance.
Y para sacarlo de eso, le lanzó un cuenco de leche de cabra en la cara. Lo cual, junto con la trama de la película, realmente le sucedió a un amigo de Weir.
Después de que Brian sale a dar una conferencia, Jill intenta trabajar en sus estudios, pero es interrumpida por la llegada del personaje titular. Confundida y reacia a dejarlo entrar ya que no habían llamado a un fontanero, cede después de que él le asegura que es solo una revisión rutinaria ordenada por las autoridades del campus.
Max inicialmente se presenta como alegre y respetuoso, pero esta fachada comienza a desvanecerse y su comportamiento se vuelve cada vez más disruptivo e intrusivo. También no hace ningún intento de ocultar su desprecio por los académicos y la enorme carga que lleva sobre sus hombros por ser “no educado.”
Al principio, Jill es educada y se involucra en sus diatribas mientras cuestiona suavemente sus creencias. Aunque se cuida de no parecer superior ni crítica.
Sin embargo, comienza a perder la calma cuando Max aparentemente sigue descubriendo problemas en su baño que anteriormente estaba en orden, y comienza a desmantelarlo. Y sus provocaciones deliberadas se vuelven más amenazantes.
A diferencia de The Last Wave, la película tiene un sentido del humor juguetón y oscuro que la hace más puramente entretenida. Mejor ejemplificado en una incómoda escena de cena donde Brian trae a casa a algunos colegas, y en el personaje de Max mismo.
Max inicialmente parece un bogan inofensivo, que, aunque ruidoso y desagradable, es un tipo de clase trabajadora simplemente divirtiéndose mientras hace su trabajo. Pero Weir y Kants gradualmente desvelan capas siniestras en Max, así como algunas peculiaridades inesperadas del personaje que lo hacen un villano interesante y cautivador.
Como Max Cady de Cape Fear, quien se siente como una gran inspiración para este personaje, el fontanero titular es lo suficientemente inteligente como para saber que el terror más inspirador de miedo no proviene de la violencia abierta. Sino más bien de la erosión sutil del sentido de bienestar de una persona.
La amenaza de violación se alude un par de veces, más prominentemente por Max como una “broma” de mal gusto. Pero él no tiene la intención de dañar físicamente a Jill, simplemente manipularla y provocarla hasta el colapso nervioso.
Al final de la película, Jill se encuentra considerando formas de salir de la pesadilla que la mujer tolerante y de buen corazón que conocimos al principio nunca habría imaginado. Así que, Max ha tenido éxito en su misión de romper mentalmente a Jill, pero esto se vuelve en su contra de una manera que no vio venir. Lo cual es altamente satisfactorio.
Desarrollándose casi en su totalidad dentro de los confines del pequeño apartamento (probablemente sería una buena obra de teatro), The Plumber es insoportablemente claustrofóbica. Y aumenta hábilmente la tensión y la sensación de frustración e impotencia que siente Jill.
Puntuación: 8/10
Mención deshonrosa: Snapshot (1979)
El título americano de esta película, The Day After Halloween, me intrigó como fan de el horror ambientado en Halloween.
Por la descripción de IMDB de esta película, no esperaba mucho. Dice: “Una peluquera ingenua es impulsada por su amistosa amiga a convertirse en modelo desnuda, pero pronto descubre que todos los que conoce quieren un pedazo de ella.”
Aunque el póster prometía más horror de slasher, el logline sonaba como una lección de moralidad anticuada. Pero decidí darle una oportunidad, a pesar de algunas reservas.
Los primeros minutos me atraparon con algunas visuales verdaderamente impactantes, mientras los bomberos con linternas se aventuran a través de espeso humo hacia un edificio quemado para encontrar un cadáver carbonizado. Y, durante los créditos de apertura, los investigadores de la escena del crimen recogen evidencia, incluyendo una cámara y fotografías desnudas de una mujer.
Entonces, en un flashback, nos presentan a Angela (Sigrid Thorton) mientras, confundida, corre por una calle de Melbourne antes de llegar tarde a su trabajo de peluquera. Allí, su jefe masculino con códigos queer la reprende por lucir “como el almuerzo de un perro”.
Sin embargo, la abatida Angela se anima con la llegada de su glamorosa cliente/amiga Madeline (Chantal Contouri). Quién piensa que puede hacer mejor que este trabajo mal pagado, y sigue presionándola para que se reúna con su amiga fotógrafa Linsey (Hugh Keays-Byrne).
Madeline aparentemente ha estado intentando convencerla de que pruebe el modelaje durante algún tiempo. Pero Angela es reacia. Entre sus muchos complejos está que es “plana”. A lo que Madeline responde (en una de las pocas líneas realmente ingeniosas y divertidas de la película), “Oh cariño, las tetas se fueron con Jayne Mansfield.”
Madeline no aceptará un no por respuesta, y anuncia al jefe de Angela que ella renuncia. Lanzándole un insulto homofóbico agresivo por si acaso.
A partir de este punto, la película cumple con mi impresión inicial: se convierte en un tedioso cuento de advertencia con algunos mensajes morales cuestionables. Y no es nada sutil.
Por ejemplo, una canción increíblemente obvia se reproduce durante la sesión de fotos desnudas: literalmente tiene las letras: “Angela, ¿te has pasado de la raya esta vez?”, “¡Ahora que está hecho, no hay vuelta atrás!”
El horror que hay en esta película cae completamente plano y se siente como un pensamiento posterior: la película comenzó su vida como un guion llamado Centrefold. Y las escenas de ‘suspenso’ parecen haber sido pegadas apresuradamente para aprovechar el reciente éxito de Halloween de John Carpenter.
Algunas de ellas son francamente risibles, incluyendo un obvio homenaje/robo de The Godfather que puedes ver venir a un kilómetro de distancia. Y un susto poco convincente que involucra a un pájaro.
Además, el director Simon Wincer claramente pensó que una furgoneta de helados Mr Whippy de color rosa pastel que reproduce la melodía de “Greensleeves”, la principal fuente del terror de Angela, sería aterradora. ¡No lo es!
Dicho esto, la película es vista gracias a una ambientación verdaderamente surrealista, y hay algunas tomas genuinamente interesantes. Incluyendo una donde un hombre depredador que corta un asado de carne parece estar rebanando la cara de Angela. El clímax candente planteado al principio de la película también es bastante satisfactorio.
También se redime algo con algunas actuaciones convincentes. Mad Max: Fury Road actor de Immortan Joe, Keays-Byrne, prácticamente roba la película en sus pocas escenas como el fotógrafo profundamente excéntrico Linsey. Su obsesión con su arte y sus expresiones de alegría casi como de un duende son genuinamente entretenidas.
Thorton hace su mejor esfuerzo y es una presencia agradable, aunque el guion no le hace favores a su personaje después de ciertos desarrollos hacia el final de la película. Lo mismo ocurre con su aparente mejor amigo. Si bien Contouri hace una interpretación mayormente entretenida del femme fatale, los cineastas deciden introducir un giro en las intenciones de Madeline que juega con estereotipos peligrosos.
Patrick se salió con la suya siendo un posible Carrie aprovechado porque al menos era sutil en su imitación y realmente tenía una historia interesante que contar. Esta película es descarada en su aprovechamiento de Halloween, ya que el título americano no tiene nada que ver con la película: transcurre durante el invierno australiano, así que ¡ni siquiera está ambientada en noviembre!
El hecho de que tenga no menos de tres títulos alternativos (Snapshot para el lanzamiento australiano y One More Minute y The Day After Halloween para internacional) traiciona su crisis de identidad como una advertencia sobre el casting couch oculta dentro de un supuesto paquete de horror slasher.
Según IMDB, “Reportan que el guion de esta película [al menos el primer borrador] fue escrito en solo diez días.” Y sí, se nota.
Puntuación: 5/10
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