Where to Watch Mejores películas de terror/thriller “Ozploitation” de los años 70
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Por qué hice la lista:
Mientras escribía mi reseña de Death in Brunswick (1990), me di cuenta de que se consideraba parte de la ola de películas australianas conocidas como “Ozploitation”.
Estas son películas de explotación de bajo presupuesto producidas en Down Under que abarcan una variedad de géneros. Pero principalmente horror, thriller, acción, sexploitation y comedia.
Este movimiento cinematográfico australiano comenzó en la década de 1970, tras la introducción de la clasificación R en 1971. Y se considera una ola más pequeña dentro de la Nueva Ola Australiana de películas. Que generalmente son un poco más de alto nivel y artísticas que “Ozploitation”!
El término fue en realidad acuñado por nada menos que Quentin Tarantino, quien ha sido un fanático de “Ozploitation” durante mucho tiempo. Y ha elogiado frecuentemente muchas de estas películas como altamente influyentes en su propia obra.
Habiendo tenido muchas de estas películas en mi lista de pendientes, ¡finalmente era hora de quitar algunas!
Decidí comenzar enfocándome en los mejores horror/thrillers producidos durante el inicio de las películas de “Ozploitation”, los 70. Y también he incluido una “mención deshonrosa!”
Nota: me “salté” un poco para ver la brillante Next of Kin (1982). Y escribí una reseña completa de ella, si estás interesado en verla después de esto!
Y deliberadamente no incluí las películas más conocidas de los 70 que caen en la ola de “Ozploitation”. Como Mad Max (1979), ¡ya se ha escrito suficiente sobre ella!
Walkabout (1971)
La película que realmente inició la Nueva Ola Australiana (y que también se puede considerar “Ozploitation” debido a sus elementos de thriller) fue, irónicamente, dirigida por un británico. Y también adaptada por un guionista inglés de una novela de un escritor inglés.
Pero bueno, el director resulta ser el brillante Nicholas Roeg (Don’t Look Now, The Witches). Así que dudo que alguien se quejara!
En solo su segundo esfuerzo como director, después de Performance de 1970 protagonizada por Mick Jagger, Roeg demuestra ser un maestro de lo evocador visualmente, un asombroso contraste y un subtexto que invita a la reflexión.
También como director de fotografía, crea un retrato vívido del Outback australiano, rebosante de vida. Eso quizás nunca haya sido igualado.
La historia (a simple vista delgada) concierne a un par de escolares ingleses de clase alta que quedan varados en el desierto y deben valerse por sí mismos. Antes de encontrarse con un niño aborigen adolescente (el asombroso David Gulpilil) en un “walkabout” que les ayuda a sobrevivir en la naturaleza.
Pero, siendo Roeg quien es, hay un montón de temas enterrados bajo la superficie. Los cuales transmite con imágenes vívidas y un montaje ingenioso.
Los cineastas también realizaron algunos cambios al material original para subrayar los temas que querían explorar. Por ejemplo, los niños no son dejados varados por un accidente aéreo como en la novela, sino por un angustiante intento de aniquilación familiar por parte de su padre.
Y la película muestra que cuanto más se acercan a la civilización, más peligro corren de ser consumidos por el mundo hostil, autodestructivo y superficial de la sociedad occidental. Que destruye sin pensar el ámbito natural en el que han llegado a encontrar tanta alegría.
Como en I Start Counting (1969), la futura estrella de Logan’s Run y American Werewolf in London , Jenny Agutter ofrece una actuación bellamente naturalista como la adolescente. Quien, aunque es obstinada, teme su creciente sexualidad.
Aunque la película requirió algo de desnudez de la joven actriz, nunca se siente explotativa. Y Agutter misma ha dicho que aunque al principio se sintió cohibida, confió en la intención de Roeg y que “había una simplicidad y belleza en ello”.
El fallecido Roger Ebert, sin duda mi crítico de cine favorito, llamó a Walkabout “una de las grandes películas.” El escritor/director Alex Garland (28 Days Later, Dredd, Annihilation) también es un gran admirador.
Es una pieza de arte hermosa, onírica y problemática, nada menos que una obra maestra. Que creo que debería estar en la lista de películas imprescindibles de todos.
Puntuación: 10/10
Where to Watch Walkabout (1971)
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Wake in Fright (1971)
Wake in Fright también se considera un clásico tanto del "Ozploitation" como de la Nueva Ola Australiana (y también dirigido por un no australiano). Había estado en mi radar durante bastante tiempo, pero siempre había pospuesto verlo porque sonaba increíblemente desgarrador.
Y habiéndolo visto ahora, puedo testificar que lo es, y mucho más. Al igual que películas de temática similar sobre adicciones severas, como Christiane F. (1981) y Requiem for a Dream (2000), siento que es una película importante que todos deberían ver al menos una vez. ¡Pero quizás no otra vez!
Wake in Fright (renombrada Outback para el lanzamiento internacional) está adaptada de la novela del mismo nombre de Kenneth Cook. Narra la perturbadora y desorientadora historia de un profesor bien educado que queda atrapado en la ciudad "ficticia" del desierto llamada Bundanyabba.
Sin embargo, son las circunstancias en las que queda atrapado en lo que los lugareños llaman "The Yabba" las que son particularmente preocupantes. Inicialmente, John (Gary Bond) solo debería quedarse una noche en el polvoriento pueblo, una parada en su camino para visitar a su novia en Sídney.
Pero decide aventurarse a un pub local, donde toma una pinta y trata de socializar. Se hace amigo de un amable policía que lo empuja a beber más, antes de presentarle un anillo de apuestas ilegales en la parte trasera de un restaurante.
Aunque inicialmente dudoso, y después de mucho más alcohol, John se emociona y decide participar en el juego. Y se despierta horriblemente resacoso a la mañana siguiente para descubrir que ha perdido hasta el último centavo de su dinero. Y ha perdido su vuelo.
Sin embargo, esto no es un problema, según el dudoso policía, ya que la gente en "The Yabba" cuida de los "suyos". La solución es simplemente seguir bebiendo. Y si no tienes dinero, no te preocupes: es cortesía de la casa.
Pronto John, que previamente había mostrado que podía controlar su consumo de alcohol, se encuentra sumido en un ciclo desgarrador de alcoholismo. Y un comportamiento inmoral cada vez más perturbador, que solo empeora cuando se hace amigo del “Doc” local.
Este personaje loco (el futuro Halloween estrella Donald Pleasance) fue una vez un médico en Sydney, hasta que su alcoholismo tomó control. Y se encontró atrapado en “The Yabba”, al igual que John.
Vive en absoluta miseria y por su próxima bebida, pero afirma ser feliz. Y persuade a John para que lo acompañe en una cacería de canguros con él y algunos amigos (incluido el legendario actor australiano Jack Thompson). Totalmente ebrio, por supuesto.
Esto conduce a la secuencia más perturbadora de la película, que provocó salidas en su proyección en Cannes. En él, los cazadores, en estado de ebriedad, persiguen a los animales en la oscuridad con perros feroces y vehículos equipados con focos, los canguros atrapados impotentemente en los haces de luz.
Gritando y alborotando de alegría, sueltan una ráfaga de disparos contra los animales, causando una destrucción sangrienta. Y los brutales resultados son mostrados en detalles nauseabundos.
Horriblemente, estamos viendo realmente imágenes de una cacería de canguros real (y los cazadores reales también estaban muy ebrios). Y toda la muerte y el tratamiento inhumano son muy reales.
Sin embargo, el director canadiense Ted Kotcheff defendió firmemente su decisión de incluir las imágenes gráficas. Kotcheff, quien era vegetariano, pensó que era importante hacer que el público fuera consciente de esta carnicería bárbara nocturna.
Además, afirmó que “solo usó el material documental más leve”. Pero sigue siendo horrible y no es necesariamente algo que necesitara ver.
Otro problema que tengo con la película es que la gota que colma el vaso y empuja al protagonista a salir de este ciclo destructivo no es la cacería bárbara de canguros, sino un acto homosexual implícito. Se muestra que John está más perturbado por la perspectiva del sexo gay que por la matanza sin sentido de animales, lo cual es bastante problemático.
Sin embargo, dejando este inconveniente de lado, Wake in Fright es muy efectiva como un vistazo verdaderamente aterrador al caos y la degradación que puede causar el consumo excesivo de alcohol. Lo cual he experimentado de primera mano.
Absorbente y nauseabundo de principio a fin, es una condena contundente a la cultura del alcohol. Que continúa en muchos países de todo el mundo, no solo en Australia, hasta el día de hoy.
También hay un giro brillante (pero muy cruel) cerca del final que hace que la película sea increíblemente memorable. En mi opinión, debería mostrarse a los adolescentes en las escuelas secundarias para disuadirlos de beber.
Puntuación: 9/10 (sería un 10 si no fuera por la secuencia punitiva de canguros!)
Where to Watch Wake in Fright (1971)
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Los coches que comieron París (1974)
Considerada como una de las primeras de muchas películas australianas de “autos”, The Cars That Ate Paris fue una gran influencia en Mad Max de George Miller, definitivamente la película “Ozploitation” más conocida.
Para su debut en largometraje, el futuro The Truman Show director Peter Weir ideó esta película verdaderamente extraña pero brillante mientras estaba de vacaciones en Europa. Donde vio que “los letreros de carretera en las principales carreteras francesas lo desviaron hacia lo que percibía como extraños pequeños pueblos.”
Estos “extraños pequeños pueblos” eventualmente lo llevarían a desarrollar una historia en torno al pueblo aislado ficticio de París en el Outback australiano. Donde una sociedad invertida y peligrosa se ha estado formando.
Weir evoca un aire palpable de temor y amenaza desde el momento en que entramos a París a través de los ojos del protagonista forastero Arthur (Terry Camilleri), quien sobrevive a un accidente automovilístico en el camino hacia la ciudad.
Y pronto comenzamos a descubrir su secreto: toda la sociedad y economía del asentamiento parece basarse en beneficiarse de vehículos destruidos.
Los habitantes del pueblo, liderados por el aterradoramente resuelto alcalde, provocan deliberadamente accidentes en las carreteras desvencijadas hacia París. Para poder recuperar y comerciar con las piezas que scaven.
Cualquier sobreviviente es enviado a un siniestro hospital psiquiátrico donde un doctor dudoso realiza terribles experimentos. Sin embargo, se hacen algunas excepciones, incluyendo a Arthur, a quien el alcalde misteriosamente anuncia como “uno de nosotros”, antes de comenzar a adoctrinarlo en las artimañas del pueblo.
Sin embargo, este insidioso culto al caos vehicular se ha salido de control: los ancianos han perdido el control sobre los jóvenes. Quienes han comenzado a construir autos amenazantes y listos para la batalla para causar destrucción dentro del pueblo mismo.
Así, como en muchas de las películas de Weir, se muestra que una sociedad es responsable de su propia caída. Y ¡qué caída tan espectacular resulta ser! ¡Aún quiero saber cuántos autos destruyeron durante la producción, pero no puedo encontrar el número en línea!
Interesantemente, The Cars That Ate Paris fue una de las películas favoritas de Stanley Kubrick. Y no es difícil ver por qué: la película es una locura total pero también hipnotizante. Y tiene mucho que decir sobre los peligros del pensamiento grupal sin cuestionamientos.
Además, la mentalidad de culto de los residentes del pueblo da serias vibras de The Wicker Man, un gran cumplido. Solo que reemplaza la adoración de dioses paganos con la de accidentes automovilísticos.
Si la película no es lo suficientemente loca para ti, siempre puedes escuchar historias sobre la adaptación musical en escena poco probable!
Puntuación: 8/10
La Última Ola (1977)
Profundamente inquietante es la mejor manera de describir el próximo esfuerzo de Peter Weir para hacer esta lista (su clásico de 1975 Picnic en Hanging Rock se considera puramente Australian New Wave y no "Ozploitation".)
La Última Ola se encuentra en un punto intermedio entre ambos movimientos cinematográficos: es un film bastante artístico y filosófico, pero también hay un posible asesinato que resolver y muchas secuencias impregnadas de horror.
Comienza como una historia bastante realista sobre un abogado blanco contratado para representar a algunos sospechosos de asesinato aborígenes (incluido Gulpilil de Walkabout) en la corte. Pero pronto se convierte en un thriller psicológico surrealista que involucra profecías y sucesos místicos que se sienten positivamente apocalípticos.
La película se preocupa profundamente por el colapso ambiental y retrata varias calamidades relacionadas con el clima, lo que la acerca al eco-horror. Esto se refuerza con un diseño de sonido verdaderamente perturbador y galardonado, que hace parecer que la Madre Naturaleza es la verdadera villana.
Pero La Última Ola también insinúa fuertemente que hay otro antagonista igualmente elusivo y poderoso acechando en esta película. Los efectos de la colonización en los pueblos nativos.
La película no se abstiene de mostrar las desastrosas consecuencias de la opresión del pueblo aborigen. Incluyendo el alcoholismo y la vagabundez.
Esto eventualmente se conecta con la fuerte vena de fascinante misticismo que recorre toda la película. Pero no diré mucho más, ya que deberías descubrir el viaje de autocomprensión del protagonista David (actor queer Richard Chamberlain) por ti mismo!
Puntuación: 8/10
Patrick (1978)
“Ozploitation” dio sus primeros pasos hacia el territorio del horror sobrenatural con Patrick de Richard Franklin, la historia de un paciente en coma que desarrolla peligrosas habilidades telequinéticas y las usa para aterrorizar a su enfermera.
La película fue descubierta por un joven Tarantino, quien ha citado a Patrick como influyente en su propio trabajo. Más notablemente, la singular forma en que el personaje principal escupe, que rindió homenaje con Uma Thurman en Kill Bill.
A partir de la descripción básica de la trama, Patrick parecería ser un intento de capitalizar el éxito de Carrie un par de años antes. Sin embargo, el guionista Everett de Roche había estado trabajando en el guion durante varios años antes de que la película llegara a la pantalla.
No obstante, definitivamente hay algunas similitudes con Carrie que siento que podrían haberse añadido como respuesta a esa película. Incluyendo el diseño de sonido siempre que se presentan habilidades psíquicas. Y un susto de última hora en los minutos finales que refleja la odisea de Amy Irving en la película de 1976.
Y el compositor Brian May (mejor conocido por las dos primeras películas de Mad Max) evoca indudablemente la banda sonora del clásico de Brian de Palma en algunas escenas. Particularmente aquellas en las que la protagonista Kathy simplemente se ocupa de sus asuntos.
Curiosamente, descubrí que la banda sonora fue reemplazada por una compuesta nada menos que por Goblin (Suspiria) cuando la película se estrenó en Italia, ya que los productores italianos no quedaron impresionados con la música original. La versión de la banda sonora de Goblin está disponible en YouTube si tienes curiosidad!
Es verdaderamente fascinante que tantas películas sobre habilidades psíquicas aparecieron simultáneamente en los 70 (Carrie, The Last Wave, esta película, The Fury, The Medusa Touch…) ¡Debe haber algo en el aire!
Patrick es definitivamente una de las entradas más sólidas en este extraño subgénero de horror psíquico. El guion es en general muy sólido e interesante, y principalmente aumenta la tensión a medida que avanza la película.
Aunque el tercer acto se ve un poco lastrado por una escena de Kathy hablando por teléfono de más mientras investiga las acciones de Patrick. Eso probablemente podría haberse cortado para una película más ajustada.
Además, Patrick no es realmente muy inspirador visualmente: es un poco plano para una película ambientada en un hospital gótico. Excepto por una secuencia donde Kathy lleva a un conocido neurocientífico para obtener una opinión externa sobre Patrick (pero esto cuenta con mucha iluminación estroboscópica, ¡así que ten cuidado si eres sensible a eso!)
Un gran positivo es que el personaje de Kathy está bien escrito y es bastante fuerte. Y la actriz británica Susan Penhaligon es inmensamente simpática en el papel. Ella parece amable y de mente abierta, pero también asertiva y decidida.
A diferencia de la mayoría de las heroínas en películas como esta, que huyen gritando hacia las salidas al primer signo de lo sobrenatural, ella toma todos los fenómenos con calma y es en gran medida inmune. Y es admirablemente realista en el clímax de la película.
En el resto del elenco, Julia Blake es inmensamente entretenida como la dura y cínica Matrona Cassidy, quien definitivamente tiene algunas de las mejores líneas. Particularmente durante la entrevista de trabajo de Kathy cerca del inicio de la película.
Estas incluyen: “¡No estamos interesados en amas de casa inquietas que renuncien al primer signo de una orinal sucio!” Y “tendemos a atraer ciertos tipos. Lesbianas, ninfómanas, especialistas en enemas...”
Patrick tuvo un remake en 2013. Protagonizada por Rachel Griffiths como Matrona Cassidy, You’re Next’s Sharni Vinson como Kathy, y Charles Dance como Dr. Roget.
Pero según todos los informes, el remake no es muy bueno, a pesar de que el director Mark Hartley es un gran fan de la original. ¡La cual probablemente deberías ver en su lugar!
Puntuación: 6.5/10
El Fontanero (1979)
El fontanero marca la tercera vez que el prolífico Peter Weir aparece en esta lista. Y realmente es la última de sus películas que podría llamarse “Ozploitation”.
Él pasaría a dirigir la épica de guerra australiana Gallipoli (1981), y luego películas de estudios de Hollywood como The Year of Living Dangerously (1982) y Dead Poets Society (1989). Así que no esperes verlo en mi lista de los 80!
A simple vista, El fontanero es un thriller de invasión a domicilio bastante simple, ya que la académica de modales suaves Jill (Judy Morris) es molestada y luego eventualmente aterrorizada por el comerciante desequilibrado Max (Ivar Kants). Pero, como ya se podría esperar de Weir, quien también coescribió el guion, la película está llena de sutileza y profundidad temática.
Al igual que en The Last Wave, Weir explora cuestiones como el privilegio blanco y de clase, y la desigualdad social que tiene consecuencias inesperadas. Y la fragilidad de la seguridad de las clases media y alta en una sociedad con una clase subyacente desencantada.
La primera idea genial de Weir, la primera de muchas, fue hacer que Jill y su esposo Brian (Robert Coleby) sean antropólogos. Estas son personas educadas, de mente equilibrada que han viajado mucho e interactuado con y buscado entender tribus primitivas.
Conocemos a Jill mientras le pregunta a su esposo qué piensa sobre su manuscrito sobre los miembros de tribus en Nueva Guinea. Ella termina describiendo un encuentro con un “hechicero” que entró en su tienda y realizó un rito tribal, entrando en un profundo trance.
Y para sacarlo de eso, ella le lanzó un cuenco de leche de cabra en la cara. Lo cual, junto con la trama de la película, realmente le ocurrió a un amigo de Weir.
Después de que Brian sale a dar una conferencia, Jill intenta trabajar en sus estudios, pero es interrumpida por la llegada del personaje titular. Confundida y reacia a dejarlo entrar ya que no llamaron a un fontanero, ella cede después de que él le asegura que es solo una revisión rutinaria ordenada por las autoridades del campus.
Max se presenta inicialmente como alegre y respetuoso, pero esta fachada comienza a desmoronarse y su comportamiento se vuelve cada vez más disruptivo e intrusivo. También no hace ningún intento de ocultar su desprecio hacia los académicos y el enorme complejo que tiene sobre ser “no educado”.
Al principio, Jill es cortés y se da el lujo de escuchar sus diatribas mientras cuestiona suavemente sus creencias. Aunque ella tiene cuidado de no parecer superior o juzgadora.
Sin embargo, comienza a perder la calma cuando Max aparentemente sigue descubriendo problemas en su baño previamente en orden, y comienza a desmantelarlo. Y sus provocaciones deliberadas se vuelven más amenazantes.
A diferencia de The Last Wave, la película tiene un sentido del humor juguetón y oscuro que la hace más puramente entretenida. Se ejemplifica mejor en una incómoda cena donde Brian lleva a casa a algunos colegas, y en el personaje del mismo Max.
Max primero aparece como un bogan inofensivo, que aunque es ruidoso y molesto, es un tipo de clase trabajadora simplemente divirtiéndose un poco mientras hace su trabajo. Pero Weir y Kants van desvelando gradualmente capas siniestras en Max, así como algunas peculiaridades inesperadas del personaje que lo convierten en un villano interesante y cautivador.
Como Max Cady de Cape Fear, que parece ser una de las principales inspiraciones para este personaje, el plomero titular es lo suficientemente inteligente como para saber que el terror más inspirador de miedo no proviene de la violencia abierta. Sino del sutil deterioro del sentido del bienestar de una persona.
La amenaza de violación se alude un par de veces, más prominentemente por Max como una “broma” de mal gusto. Pero no pretende hacerle daño físico a Jill, simplemente manipularla y provocarla hasta llevarla al colapso nervioso.
Al final de la película, Jill se encuentra considerando formas de salir de la pesadilla que la mujer tolerante y de buen corazón que conocimos al principio nunca hubiera imaginado. Así que, Max ha logrado su misión de romper mentalmente a Jill, pero esto se vuelve en su contra de una manera que él no vio venir. Lo cual es altamente satisfactorio.
Desarrollándose casi en su totalidad dentro de los confines del pequeño apartamento (probablemente sería una buena obra de teatro), The Plumber es insoportablemente claustrofóbica. Y aumenta de manera experta la tensión y el sentido de frustración y desesperación que siente Jill.
Puntuación: 8/10
Mención Deshonrosa: Snapshot (1979)
El título americano de esta película, The Day After Halloween, me intrigó como fanático del terror ambientado en Halloween.
De la descripción de IMDB de esta película, no esperaba mucho. Dice: “Una ingênua peluquera es impulsada por su vivaz amiga a convertirse en modelo desnuda, pero pronto descubre que todos los que conoce quieren un pedazo de ella.”
Aunque el póster prometía más un horror slasher, el logline sonaba como una lección moral anticuada. Pero decidí darle una oportunidad, a pesar de algunas reservas.
Los primeros minutos me atraparon con algunos visuales verdaderamente impactantes, mientras los bomberos con linternas se adentran en una densa niebla en un edificio quemado para encontrar un cadáver carbonizado. Y, sobre los créditos de apertura, los investigadores de la escena del crimen recolectan evidencia, incluida una cámara y fotografías desnudas de una mujer.
Entonces, en un flashback, se nos presenta a Angela (Sigrid Thorton) mientras, confundida, corre por una calle de Melbourne antes de llegar tarde a su trabajo de peluquera. Allí, es reprendida por su jefe masculino con codificación queer por verse “como el almuerzo de un perro.”
Sin embargo, la abatida Angela se anima con la llegada de su glamorosa clienta/amiga Madeline (Chantal Contouri). Quien piensa que puede hacer algo mejor que este mal pagado trabajo como esclava salarial, y sigue empujándola a que se reúna con su amiga fotógrafa Linsey (Hugh Keays-Byrne).
Madeline aparentemente ha estado intentando convencerla de que pruebe el modelaje durante algún tiempo. Pero Angela es reacia. Entre sus muchas inseguridades está que es “plana”. A lo que Madeline responde (en una de las únicas líneas realmente ingeniosas y graciosas de la película), “Oh cariño, los pechos pasaron de moda con Jayne Mansfield.”
Madeline no aceptará un no por respuesta, y le anuncia al jefe de Angela que está renunciando. Lanzándole un agresivo insulto homofóbico para darle un toque adicional.
A partir de este punto, la película cumple con mi impresión inicial: se convierte en una cansina historia de advertencia con algunos mensajes morales cuestionables. Y no es nada sutil.
Por ejemplo, una canción increíblemente evidente suena durante la sesión de fotos desnuda: literalmente tiene las letras: “Angela, ¿te has pasado esta vez?”, “¡Ahora que ya está hecho, no hay vuelta atrás!”
El horror que hay en esta película resulta completamente plano y se siente como una idea de último momento: la película comenzó su vida como un guion llamado Centrefold. Y las escenas de ‘suspenso’ parecen haber sido incluidas de manera apresurada para aprovechar el reciente éxito de Halloween de John Carpenter.
Algunas de ellas son francamente risibles, incluyendo un obvio homenaje/rip-off a The Godfather que se ve venir a kilómetros. Y un susto de salto a medias que involucra a un pájaro.
Además, el director Simon Wincer claramente pensó que una furgoneta de helados Mr Whippy de color rosa pastel que toca la melodía de “Greensleeves”, la principal fuente del terror de Angela, sería aterradora. ¡No lo es!
Dicho esto, la película es mirable gracias a algunos decorados verdaderamente surrealistas, y hay algunas tomas genuinamente interesantes. Incluyendo una en la que un hombre depredador que corta un asado parece estar rebanando la cara de Angela. El clímax ardiente que se establece al principio de la película también es bastante satisfactorio.
También se redime en parte gracias a algunas actuaciones convincentes. El actor de Mad Max: Fury Road, Immortan Joe, Keays-Byrne prácticamente se roba la película en sus pocas escenas como el fotógrafo profundamente excéntrico Linsey. Su obsesión por su arte y sus expresiones de alegría de duende son verdaderamente entretenidas.
Thorton hace su mejor esfuerzo y es una presencia agradable, aunque el guion no le hace ningún favor a su personaje tras ciertos desarrollos al final de la película. Lo mismo ocurre con su aparente BFF. Mientras Contouri le da un giro mayormente entretenido a la femme fatale, los cineastas deciden incluir un giro en las intenciones de Madeline que juega con estereotipos peligrosos.
Patrick se salió con la suya siendo un posible Carrie con el que capitalizar porque al menos era sutil en su imitación y realmente tenía una historia interesante que contar. Esta película es descarada en su aprovechamiento de Halloween, ya que el título americano no tiene nada que ver con la película: ¡ocurre durante el invierno australiano, así que ni siquiera está ambientada en noviembre!
El hecho de que tenga no menos de tres títulos alternativos (Snapshot para el lanzamiento australiano y One More Minute y The Day After Halloween para internacional) traiciona su crisis de identidad como un cuidado sobre el sofá de casting escondido dentro de un supuesto paquete de horror slasher.
Según IMDB, “Se dice que el guion de esta película [al menos el primer borrador] fue escrito en solo diez días.” Y sí, se nota.
Puntaje: 5/10
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