Mejores películas de “Ozploitation”: Terror/Suspenso de los 80 – Parte 2

Fortress (1985)

Por experiencia personal, puedo decir que gestionar una clase de niños es bastante desafiante por sí solo. Así que solo puedo imaginar lo que sería tener que hacerlo en circunstancias de vida o muerte. 

Esta es la situación poco envidiable en la que se encuentra la maestra Sally Jones (Rachel Ward) cuando secuestradores armados con máscaras espeluznantes asaltan su escuela rural de una sola aula y la abducen. Junto con los nueve niños de diversas edades bajo su cuidado, con la intención de mantenerlos a todos como rehenes. 

Basada en la novela del mismo nombre, que a su vez se inspiró en el incidente real del secuestro de la Escuela Faraday de 1972, Fortress es un ejemplar thriller de supervivencia.

La película se beneficia de un guion ajustado del maestro de “Ozploitation” Everett de Roche. Logra equilibrar las apuestas crecientes con una rica caracterización, y este podría ser su guion más fuerte de la década.

No diré mucho sobre la progresión de la trama de Fortress. Ya que contiene muchos giros y sorpresas que deberías descubrir por ti mismo.

Pero después del secuestro, se convierte en una especie de película de aventura con fuertes vibras de El señor de las moscas. Y gira en torno al fortalecimiento del vínculo entre la maestra y sus estudiantes.

Ward es fantástica como la ingeniosa pero compasiva Sra. Jones, quien resulta ser exactamente el tipo de profesora que querrías en tales circunstancias desgarradoras. Y tiene un arco bastante satisfactorio a lo largo de la película, pasando de ser algo aprensiva y pacifista a una luchadora resuelta una vez que comienza a perder la calma. 

Y los cineastas realmente tuvieron suerte al elegir a los niños. Todos los nueve niños ofrecen actuaciones fuertes y creíbles como individuos vívidamente definidos. Incluyendo a Rebecca Rigg (Jerry Maguire) como la insegura chica mayor Narelle y un muy joven Asher Keddie (The Devil Game) como la precoz Sue. 

El significado del título no se hace claro hasta el tercer acto de Fortress, lo que genera una cierta expectativa. Y la revelación no decepciona, girando en torno a un espectacular escenario construido a mano que es la escena del clímax emocionante y satisfactorio de la película.  

Y la (premiada) cinematografía es hermosa, aprovechando bien la accidentada cadena montañosa de Grampians y los espectaculares Buchan Caves como locaciones de filmación. También hay algunas excelentes tomas subacuáticas en una de las notables y palpables secuencias de la película.

Calificación: 8/10

Fair Game (1986)

Esta acción/thriller es definitivamente la más explotadora de todas las películas de “Ozploitation” que he visto hasta ahora. Fair Game ve a una belleza de nivel modelo de glamour improbablemente aterrorizada por tres cazadores de canguros locos en un vehículo modificado en su remoto santuario de vida silvestre en el Outback australiano.

Y la película se deleita en exponer sus senos de una manera que sus villanos aprobarían. Sin embargo, el guion hace un intento de darle a la actriz Cassandra Delaney algo de carácter con qué trabajar.

Durante el primer acto, ella es creíble como una mujer de voluntad fuerte y feroz defendiendo su tierra y sus ideales. Hay algunos serios matices de The Terminator en Sarah Connor: los rasgos de Delaney evoca a una joven Linda Hamilton, y tiene un peinado similar, muy de los 80, al principio.

Pero a medida que las provocaciones de los cazadores se intensifican y después de que ella sufre un humillante tormento, los cineastas convierten a Jessica en una típica damisela en apuros. Y pasa el segundo acto corriendo inútilmente por el monte, muy lejos de la protagonista tranquila y ingeniosa que se desarrolló en Fortress solo un año antes. 

Es cierto que, después de que finalmente comienza a volverse un poco astuta y toma una postura adecuada, su enfrentamiento climático con los matones es bastante satisfactorio. Cuando se vuelve más calculadora en sus tácticas y es literalmente capaz de derrotar a “La Bestia”, el monstruoso camión que la ha aterrorizado desde la primera escena. 

Después de verla, no es sorprendente saber que Quentin Tarantino es un gran fan de Fair Game. La trama de la película es esencialmente su Death Proof (2007) en ropa australiana y presenta numerosas persecuciones en coche e incluso una escena de una mujer atada en la parte delantera de un vehículo en movimiento. Y él ha llamado a la película “un clásico absoluto.” 

Personalmente, no iría tan lejos. Al igual que Death Proof, Fair Game es ciertamente entretenida como un thriller de acción pulp, pero no tiene mucho más bajo la superficie. 

Carece de la profundidad de sus dos claras inspiraciones, Wake in Fright y las películas de Mad Max. Aun así, tiene suficiente buen gusto como para no copiar las perturbadoras imágenes de sacrificio animal en la primera (hay bastante de eso, pero se insinúa fuera de pantalla). 

Sin embargo, el director ha dicho que su intención siempre fue hacer un “thriller de suspense en video de categoría B” y que se sintió desilusionado de que “la gente lo tomara en serio.” Y no hay duda de que como “un estudio de cómic de la violencia,” lo logra.  

Fair Game también gana puntos en su representación algo matizada de uno de los cazadores. Mientras que los dos secuaces son exagerados estereotipos bogan que podrían haber salido del set de Mad Max, el líder Sunny (Peter Ford) se describe de manera intrigante como más complejo.

En el primer encuentro en persona entre Sunny y Jessica, él se presenta como inteligente, respetuoso e incluso encantador. Pero una vez que está al volante de “La Bestia”, es casi como si se poseyera. Y la ve como nada más que una presa a ser cazada.  

También hay un par de tomas inventivas en la película, incluyendo un zoom de dolly para enfatizar el terror de Jessica. Y un diseño de sonido creativo que utiliza sonidos reales de animales para acompañar los rugidos mecánicos de “La Bestia”.  

Sin embargo, lo último se ve severamente perjudicado por una banda sonora ruidosa e intrusiva que no le hace ningún favor a Fair Game , llena de guitarras eléctricas chirriantes que parecen divorciadas de la acción en pantalla. Y la canción que suena en los créditos finales es simplemente cursi.

Puntuación: 6.5/10

Dead End Drive-In (1986)

El thriller de “Ozploitation” de los años 80 que más esperaba ver, ya que lo he tenido en mi lista de pendientes durante años. Y el impactante póster se ha quedado en mi cabeza durante igual de tiempo. 

Algo decepcionante, la hoja de un The Crow-like Goth con una sonrisa amenazante prometía una película más oscura y retorcida que el garish sci-fi de acción que en realidad obtuve. Por lo que puedo decir, el personaje ni siquiera aparece en la película.

En su lugar, tenemos al insípido “Crabs” (Ned Manning, increíblemente plano) como protagonista. Quizás lo más notable sobre él es su apodo, cuya explicación también termina siendo poco impresionante. 

Su novia Carmen (Natalie McCurry) resulta ser un personaje más intrigante. Su atuendo punk y su actitud inicialmente rebelde contradicen directamente sus acciones posteriores, ilustrando mejor uno de los temas principales que la película intenta transmitir. 

El mundo distópico de la película (que cuenta con un impresionante diseño de producción retro-futurista pero en decadencia) está bien establecido en solo unas pocas tarjetas de título escritas en computadora. Las cuales detallan eventos en el entonces cercano futuro de 1988-1990. 

Dejando de lado la mención de una improbable "gran masacre blanca" en Sudáfrica en 1989 (aunque esto explica un desarrollo más adelante en la película), estas predicciones de colapso económico, desempleo generalizado, escasez de alimentos y disturbios siguen siendo creíbles. 

La última tarjeta de título anuncia ominosamente que como resultado de estos eventos, el "Gobierno invoca poderes de emergencia.” Sin embargo, esto no es evidente durante el primer acto de la película, que muestra que Australia se ha convertido en un infierno al estilo de Mad Max. 

Grupos de delincuentes violentos aterrorizan y dominan las carreteras. Y la policía se muestra como impotente e ineficaz.

Y, recordando la sociedad distorsionada de Los coches que comían París (1974), los conductores de grúas tienen los negocios más lucrativos. Incluso compiten para ver quién puede reclamar primero los vehículos destruidos en los (muchos) accidentes causados por los llamados “carboys”.

“Crabs” se presenta primero mientras intenta entrenar para volverse lo suficientemente fuerte como para unirse a su hermano conductor de grúa en sus peligrosas misiones. A pesar de la insistencia de su familia de que siempre será un “hombre pequeño”.

Un día, rompe una regla para llevar a Natalie a dar una vuelta en el preciado Chevy de su hermano, que está fuera de límites. Y deciden ir a un autocine remoto. 

Sin embargo, sin que ellos lo sepan, en realidad es una trampa para capturar a los “carboys.” Las puertas se cierran tras ellos y se encuentran rodeados de cercas electrificadas con alambre de púa: el autocine resulta ser un campo de internamiento para “indeseables” hasta que el gobierno pueda decidir qué hacer con ellos. 

La policía se muestra importando drogas para apaciguar a los “carboys”. Y los internos son alimentados con una dieta de comida chatarra y “malas” películas de explotación (que, convenientemente, incluye Snapshot!) 

A diferencia de Carmen, “Crabs”, que a lo largo de la película se muestra como un verdadero aficionado a la salud, no está satisfecho con este nuevo statu quo y busca una forma de escapar. Lo cual implica principalmente adular al alegre proyeccionista/supervisor del campo, Thompson (Peter Whitford, que ofrece fácilmente la mejor actuación como el personaje más matizado).

Dead End Drive-in se basó en “Crabs”, un cuento del novelista Peter Carey. Su trabajo también fue adaptado en el maravilloso Bliss (1985), así como en Oscar y Lucinda (1997) con Ralph Fiennes y Cate Blanchett. Y la adaptación es bastante fiel, hasta donde puedo decir.

Sin embargo, la película realza algunos de los temas de la historia sobre la rebelión en medio de la opresión, la presión para conformarse y las maquinaciones de un gobierno inepto (el concepto central es bastante ridículo, pero quizás ese sea el punto).

Y, ya que resulta ser principalmente una película de acción en lugar del thriller psicológico que pensaba que estaba viendo, agrega muchas explosiones y acrobacias con vehículos. Lo cual, admito, son bastante impresionantes, incluso rompiendo un récord en su momento. 

La banda sonora MUY de los 80 y las canciones cursis también se trasladan de Fair Game, aunque son menos obnoxias que en esa película. Y, en general, calificaría Dead End Drive-in un poco más alto ya que al menos intenta desarrollar sus temas y comentario social. Pero bueno, la mala actuación lo pone en pie de igualdad.

Puntuación: 6.5/10

Dark Age (1987)

Años antes de que se hiciera conocido como el aterrador villano de Wolf Creek (2005), un joven John Jarrett se adentraría en lo profundo del Outback en un tipo de papel muy diferente.

En lugar de ser un cazador feroz de humanos, Jarrett interpreta al pacifista Guardabosques de Vida Silvestre Steve Harris, un protector de los animales. Principalmente los "cocodrilos" que acechan las aguas de su aislado pueblo ribereño.

Sin embargo, se encuentra en una posición incómoda cuando uno de los “cocodrilos” bajo su jurisdicción comienza a atacar a las personas. Las primeras víctimas (que uno podría decir que de algún modo se lo tenían coming) son furtivos en la selva profunda, así que no está bajo demasiada presión. 

Pero la bestia de tamaño anormal pronto llega al puerto del pueblo, llevando a la impactante muerte de un niño (en un momento de “de ninguna manera lo van a hacer” que impacta debido a una edición fantástica.) Y luego al puerto de la ciudad más cercana. 

De repente, todos están sobre la espalda de Steve para que haga algo al respecto. Pero el cocodrilo resulta ser casi sobrenaturalmente astuto y evasivo.

Algo de lo que la población aborigen local (incluyendo a Walkabout’s Gulpil) advierte, creyendo que la criatura es un “cocodrilo de sueños.” Una bestia antigua y poderosa que “ningún hombre blanco puede matar.” 

Aún así, después de que se ofrece una recompensa por su captura y “cada yahoo impulsivo del territorio” desciende a la zona para disparar a cualquier “cocodrilo” a la vista, Steve se ve obligado a tomar medidas poco ortodoxas. Y cuenta con la ayuda de su antiguo amor, la pragmática antropóloga Cathy (Nikki Coghill).

La relación dinámica entre Steve y Cathy es divertida de ver y intercambian algunos diálogos agudos. Aunque quizás podría haber prescindido de lo que parece ser una escena de sexo obligatoria - ¡Jarrett está demasiado asociado con Mick Taylor en mi mente para que sea anything but uncomfortable! Pero, admitidamente, está artísticamente filmada (y Jarrett fue en su juventud un verdadero semental!)

Al igual que su predecesor de "característica de criaturas" Razorback, Dark Age está basada en una novela. Y, similar a esa película anterior, tiene una robustez que muchas películas de los 80 "Ozploitation" carecen.

Los personajes se sienten bien formados, la historia bien trazada, sus temas bien desarrollados. Y, como The Last Wave, se acerca a sus elementos aborígenes con respeto y cuidado. 

La película está generalmente bien filmada, con algunas escenas de caza de "cocodrilos" nocturnas atmosféricamente iluminadas que toman referencias de Razorback. Y el cocodrilo animatrónico es sabiamente utilizado con moderación, las secuencias de ataque tomando una nota de Jaws y mostrando lo menos posible de la criatura. 

Inicialmente, la banda sonora es refrescantemente relativamente contenida (por los estándares de los 80, de todos modos), confiando más en sonidos aborígenes que en sintetizadores y ritmos. Aunque es culpable de indulgirse en lo último más intensamente en las escenas de acción a medida que avanza la película (era a fines de los 80, así que le daré un pase en esta área)

Puntuación: 7.5/10

The Dreaming (1988)

El Sueño es una de las últimas películas notables con elementos de horror sobrenatural producidas en Australia antes de que la tendencia de Hollywood de finales de los 80 de acción/thrillers y/o películas de ciencia ficción tomara por completo el cine australiano. Y hasta que “Ozploitation” se reavivó en la década de 2000, después de una década de inactividad. 

Un lanzamiento en DVD de esta película la describió como “en la tradición de La Última Onda.” De hecho, es casi imposible hablar de El Sueño sin mencionar la película anterior de Peter Weir. 

Para empezar, ambas películas tienen como protagonista a un blanco de clase media que comienza a cuestionar su existencia cómoda tras entrar en contacto con el misticismo aborigen. Una cueva ocultada durante mucho tiempo llena de artefactos tribales, y las desastrosas consecuencias de retirarlos, también son factores en ambas historias. 

Sin embargo, donde los escalofríos de La Última Onda eran más sutiles y cerebrales, El Sueño se inclina plenamente hacia el horror sobrenatural. Por un lado, hay sustos por doquier (aunque razonablemente creativos y efectivos).

Y la película está llena de secuencias completamente aterradoras. Incluyendo una donde una mujer fantasmal rasguña una ventana (ilustrada arriba), perturbadoras y grunge rememoraciones históricas, y una angustiante escena climática involucrando un faro que se adentra en el territorio de slasher. 

Aparentemente, la película no siempre estuvo destinada a inclinarse tanto hacia el horror, ya que el coescritor y director original Craig Lahiff aparentemente dejó la producción tras una “desacuerdo sobre si adoptar un enfoque impactante o uno cerebral.” Eso presumiblemente habría hecho que se asemejara más a La Última Onda. 

Y el director sustituto Mario Andreacchio dijo años después que “originalmente era un guion que abordaba, de manera bastante contundente, el tema del maltrato pasado a los aborígenes.” Con Lahiff también comentando que el guion “cambió tanto que ya no estaba interesado en hacerlo.”

Aún así, lo que obtuvimos tiene mucho en que pensar sobre el oscuro pasado de Australia. Y un giro respecto a las verdaderas intenciones de uno de los personajes principales, aunque poco sutil, deja claro que el horror aún persiste en el presente.

Y The Dreaming es muy bien iluminada y filmada. Las tomas en helicóptero al estilo Kubrick de Kangaroo Island que abren y cierran la película son impresionantes, y algunas de las escenas interiores son igualmente impresionantes. 

La película también está llena de algunas visuales realmente impactantes y espeluznantes, como el rayos X de un cráneo que de repente cobra vida. Y la visión de un barco ballenero espectral navegando a través de una niebla verde. 

Penny Cook es encantadora y simpática como la protagonista Cathy, una doctora bien preparada que desciende en una espiral de miedo y duda. Además, tiene un corte de cabello impresionante y luce una fabulosa moda de los 80 (¡con muchos hombreras!)

Y Arthum Dignam transmite serias vibras de Aussie Christopher Lee como su intenso padre arqueólogo. Y tiene más profundidad para transmitir que en su otra película de terror "Ozploitation" de los 80, Strange Behavior (1981).

En otra parte del elenco, John Noble (The Lord of the Rings, Fringe) hace una breve pero bienvenida aparición como un arrogante profesor universitario. Y la joven actriz aborigen Kristina Nehm ofrece una actuación verdaderamente inquietante.

La trama es algo chirriante y poco enfocada, pero los temas, la atmósfera y la actuación son sólidos. La banda sonora gótica también es un agradable cambio de ritmo de los excesos de los 80 de las últimas películas que vi. 

Curiosamente, hay algunos paralelismos entre esta y el terror gótico Mārama de este año en Nueva Zelanda. Ambas tratan sobre espíritus, malos presagios y colonizadores que se enriquecieron con la caza de ballenas enfrentándose a un juicio por prácticas históricas vergonzosas. 

Puntuación: 7/10

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