Mejores películas “Ozploitation”: Terror/Suspenso de los 80 – Parte 2

Fortress (1985)

Por experiencia personal, puedo decir que gestionar una clase de niños es lo suficientemente desafiante por sí solo. Así que solo puedo imaginar cómo sería tener que hacerlo en circunstancias de vida o muerte. 

Esta es la situación ingrata en la que se encuentra la maestra Sally Jones (Rachel Ward) cuando secuestradores armados con máscaras espeluznantes irrumpen en su rural escuela unitaria y la secuestran. Junto con los nueve niños de diferentes edades a su cargo, con la intención de retenerlos todos por rescate. 

Basada en la novela del mismo nombre, que a su vez se inspiró en el incidente real de secuestro de la Escuela Faraday de 1972, Fortress es un thriller de supervivencia ejemplar.

La película se beneficia de un guion ajustado del maestro de “Ozploitation” Everett de Roche. Logra equilibrar las apuestas crecientes con una rica caracterización, y este podría ser su mejor guion de la década.

No diré mucho sobre la progresión de la trama de Fortress. Ya que contiene muchos giros y sorpresas que deberías descubrir por ti mismo.

Pero después del secuestro, se convierte en una especie de película de aventura con fuertes vibras de El señor de las moscas. Y gira en torno al fortalecimiento del vínculo entre la maestra y sus estudiantes.

Ward es fantástica como la Sra. Jones, rápida de pensamiento pero compasiva, quien resulta ser exactamente el tipo de maestra que desearías en tales circunstancias angustiosas. Y tiene un arco bastante satisfactorio a lo largo de la película, pasando de ser algo aprensiva y pacifista a una luchadora decidida una vez que comienza a perder la calma. 

Y los cineastas realmente tuvieron suerte al elegir a los niños. Todos los nueve niños ofrecen actuaciones sólidas y creíbles como individuos vívidamente definidos. Incluyendo a Rebecca Rigg (Jerry Maguire) como la insegura Narelle y a un muy joven Asher Keddie (The Devil Game) como la precoz Sue. 

El significado del título no se vuelve claro hasta el tercer acto de Fortress, lo que crea una cierta expectativa. Y la revelación no decepciona, girando en torno a un espectacular escenario construido a mano que es el escenario del emocionante y satisfactorio clímax de la película.  

Y la (premiada) fotografía es hermosa, haciendo buen uso de la rugged Grampians y espectaculares Buchan Caves como locaciones de filmación. También hay una excelente fotografía submarina en una de las secuencias más destacadas y tensas de la película.

Puntuación: 8/10

Fair Game (1986)

Esta acción/thriller es, sin duda, la más explotadora de todas las películas de “Ozploitation” que he visto hasta ahora. Fair Game muestra a una belleza improbable del nivel de modelo glamorosa aterrorizada por tres cazadores de canguros locos en un vehículo mejorado en su remoto santuario de vida silvestre en el Outback australiano.

Y la película se deleita exponiendo sus senos de una manera que a los matones villanos les gustaría. Sin embargo, la película hace un intento por darle a la actriz Cassandra Delaney algo de desarrollo de personaje para trabajar.

Durante el primer acto, ella es creíble como una mujer de fuertes convicciones y feroz defensora de su tierra y sus ideales. Hay serias sombras de La Terminator’s Sarah O’Connor en ella: las características de Delaney evocan a una joven Linda Hamilton, y tiene un peinado muy de los 80 al principio de la película.

Pero a medida que las provocaciones de los cazadores se intensifican y después de que ella se ve sometida a una humillante experiencia, los cineastas convierten a Jessica en una típica dama en apuros. Y pasa el segundo acto corriendo desesperadamente por el monte, muy lejos de la protagonista calma y ingeniosa que se desarrolló en Fortress solo un año antes.

Es cierto que después de que finalmente comienza a volverse un poco astuta y a tomar una posición, su enfrentamiento climático con los matones es bastante satisfactorio. Cuando se vuelve más calculadora en sus tácticas y es literalmente capaz de derrotar a “La Bestia”, el monstruoso camión que la ha aterrorizado desde la primera escena.

Después de verlo, no es de extrañar saber que Quentin Tarantino es un gran fan de Fair Game. La trama de la película es esencialmente su Death Proof (2007) en ropa australiana y presenta numerosas persecuciones de coches e incluso una escena de una mujer atada a la parte delantera de un vehículo en movimiento. Y él ha llamado a la película “un clásico absoluto.”

Personalmente, no iría tan lejos. Al igual que Death Proof, Fair Game es definitivamente entretenida como un thriller de acción pulp, pero no tiene mucho más bajo la superficie.

Le falta la profundidad de sus dos claras inspiraciones, Wake in Fright y las películas de Mad Max. Incluso si tiene suficiente buen gusto como para no copiar las perturbadoras imágenes de la matanza de animales en la primera (hay suficiente, pero se insinúa fuera de la pantalla).

No obstante, el director ha dicho que su intención siempre fue hacer un "thriller de suspenso de grado B" y que se sintió desilusionado porque “la gente lo tomaba en serio.” Y no hay duda de que como “un estudio de la violencia en los cómics,” tiene éxito.  

Fair Game también gana puntos en su representación algo matizada de uno de los cazadores. Mientras que los dos secuaces son estereotipos bogan exagerados que podrían haber salido del set de Mad Max, el líder Sunny (Peter Ford) está pintado de manera intrigante como algo más complejo.

En el primer encuentro en persona entre Sunny y Jessica, él parece inteligente, respetuoso e incluso encantador. Pero una vez que está detrás del volante de “La Bestia”, es casi como si se poseyera. Y la ve como nada más que presa a ser cazada.  

También hay un par de tomas inventivas en la película, incluyendo un dolly zoom para empatizar con el terror de Jessica. Y un diseño de sonido creativo que utiliza ruidos de animales reales para acompañar los rugidos mecánicos de “La Bestia”.  

No obstante, este último se ve severamente socavado por una banda sonora ruidosa e intrusiva que no hace ningún favor a Fair Game, llena de guitarras eléctricas chillonas que parecen divorciadas de la acción en pantalla. Y la canción que suena durante los créditos finales es simplemente cursi.

Puntuación: 6.5/10

Dead End Drive-In (1986)

El thriller "Ozploitation" de los años 80 que más estaba esperando ver, ya que lo he tenido en mi lista de pendientes durante años. Y el impactante póster se ha quedado en mi cabeza durante tanto tiempo. 

Algo decepcionante, la carátula de un gótico parecido a The Crow con una sonrisa amenazante prometía una película más oscura y retorcida que la acción de ciencia ficción chillona que realmente obtuve. ¡Hasta donde puedo decir, el personaje ni siquiera aparece en la película!

En su lugar, tenemos al soso “Crabs” (Ned Manning, increíblemente rígido) como protagonista. Quizás, lo más notable de él sea su apodo, cuya explicación también termina siendo decepcionante. 

Su novia Carmen (Natalie McCurry) demuestra ser un personaje más intrigante. Su vestimenta punk y su actitud inicialmente rebelde contradicen directamente sus acciones posteriores, ilustrando mejor uno de los temas principales que la película intenta transmitir. 

El mundo distópico de la película (que cuenta con un impresionante diseño de producción retro-futurista pero en decadencia) se establece de manera efectiva en solo unas pocas tarjetas de título mecanografiadas. Las cuales detallan eventos en el entonces cercano futuro de 1988-1990. 

Dejando de lado la mención de una improbable "gran masacre blanca" en Sudáfrica en 1989 (aunque esto explica un desarrollo más adelante en la película), estas predicciones de colapso económico, desempleo masivo, escasez de alimentos y disturbios siguen siendo creíbles. 

La última tarjeta de título anuncia ominosamente que como resultado de estos eventos, el “Gobierno invoca poderes de emergencia”. Sin embargo, esto no es evidente durante el primer acto de la película, que muestra que Australia se ha convertido en un Mad Max-esque infierno. 

Pandilleros violentos aterrorizan y controlan las carreteras. Y la policía se muestra como impotente e ineficaz.

Y, recordando la sociedad distorsionada de Los coches que comieron París (1974), los conductores de grúas tienen los negocios más lucrativos. Incluso compiten para ver quién puede reclamar primero los vehículos destrozados en los (numerosos) accidentes causados por los llamados “carboys”.

“Crabs” se presenta por primera vez mientras intenta ejercitarse para volverse lo suficientemente fuerte como para unirse a su hermano conductor de grúas en sus peligrosas misiones. A pesar de la insistencia de su familia en que siempre será un “hombre pequeño”.

Un día, rompe una regla para llevar a Natalie a dar una vuelta en el Chevrolet vintage, valioso y prohibido, de su hermano. Y deciden ir a un remoto autocine. 

Sin embargo, sin que ellos lo sepan, en realidad es una trampa para capturar a los “carboys”. Las puertas se cierran detrás de ellos y se encuentran rodeados por cercas de alambre de púa electrificadas: el autocine resulta ser un campo de internamiento para “indeseables” hasta que el gobierno decida qué hacer con ellos. 

La policía se muestra importando drogas para apaciguar a los “carboys”. Y los internos son alimentados con una dieta de comida chatarra y películas de explotación “malas” (que, apropiadamente, incluye Snapshot!) 

A diferencia de Carmen, “Crabs”, que a lo largo de la película se muestra como algo así como un obsesionado de la salud, no está satisfecho con este nuevo status quo y busca una forma de escapar. Lo que implica principalmente adular al alegre proyeccionista/encargado del campo, Thompson (Peter Whitford, que fácilmente ofrece la actuación más sólida como el personaje más matizado).

Dead End Drive-in se basa en “Crabs”, un cuento corto del novelista Peter Carey. Cuya obra también fue adaptada en la maravillosa Bliss (1985), así como en la película protagonizada por Ralph Fiennes y Cate Blanchett Oscar and Lucinda (1997). Y la adaptación es bastante fiel, hasta donde puedo decir.

Sin embargo, la película acentúa algunos de los temas de la historia de rebeldía en medio de la opresión, la presión para conformarse, y las maquinaciones de un gobierno inepto (el concepto central es bastante ridículo, pero quizás ese sea el punto).

Y, como resulta ser principalmente una película de acción en lugar de un thriller psicológico que pensé que estaba obteniendo, añade muchas explosiones y acrobacias con vehículos. Lo cual, admito, es bastante impresionante, incluso rompiendo un récord en ese momento. 

La banda sonora MUY de los 80 y las canciones cursis también se trasladan de Fair Game, aunque son menos molestas que en esa película. Y, en general, calificaría Dead End Drive-in un poco más alto ya que al menos intenta desarrollar sus temas y comentario social. Pero bueno, la mala actuación lo pone en igualdad de condiciones.

Puntuación: 6.5/10

Initiation (1987)

Mi razón principal para ver Initiation fue la presencia de una muy joven Miranda Otto en un papel secundario. También aparecería en otra película de “Ozploitation” al año siguiente, horror sobrenatural The 13th Floor. Pero según todos los informes, eso es horrible, así que decidí quedarme con esto.

No hay forma de eludirlo: Initiation es Walkabout-lite en casi todos los aspectos y se presenta como una versión para jóvenes adultos de esa película. La premisa es muy similar (solo hay que reemplazar a los niños escolares ingleses por un único adolescente estadounidense). También hay algo de misticismo aborigen en juego, y se muestra que el mundo moderno es tan brutal como la naturaleza. 

Pero donde ese clásico anterior llegó al Outback bastante rápido, Initiation toma casi una hora completa (de solo 90 minutos) para dejar a su protagonista, Danny (Rodney Harvey) en el monte. Y convertirse en el thriller de supervivencia que se vendió. 

Aún así, Danny lo tiene fácil en comparación con los Walkabout kids y sale de su dilema bastante rápido. Gracias a algunos usos perezosos de los tropes de Nativo Mágico y Hollywood Dreamtime que están muy lejos de la reflexión profunda sobre las creencias aborígenes de The Last Wave. 

Antes de eso, es esencialmente un drama familiar sobre un adolescente de Brooklyn que se reencuentra con su padre australiano en el monte, con un poco de intriga de thriller criminal esparcida. Mientras el negocio de fumigación del hombre mayor se va por el desagüe. Y ha accedido a usar su avión para contrabandear marihuana por todo el país para algunos mafiosos italianos dudosos. 

Curiosamente, Initiation hace un uso intensivo de la narración en off para expresar los pensamientos de Danny sobre su llegada a esta tierra extraña durante el primer acto. Lo cual supuse que se introdujo para que continuara cuando se quede varado en el monte. 

Sin embargo, la película abandona por completo esta herramienta una vez que comienza a integrarse en la nueva familia de su padre. Lo cual, no lo sé, podría haber sido intencional para mostrar que está saliendo de su cabeza y relacionándose con su entorno. Aunque tengo mis dudas. 

Una vez que finalmente comienza, Initiation es un thriller suficientemente aceptable con un par de secuencias memorables. Particularmente una en una cueva donde Danny ingiere unos hongos psicodélicos y tiene algunas visiones psicodélicas (incluyendo un búho animado muy genial).

Pero no hay suficiente de esta novedad en la película. Y no hay resolución real para gran parte del conflicto establecido en la primera parte de la película.

Aún así, la actuación es mucho mejor que en Dead End Drive-in, y prácticamente parece una clase magistral de los Oscars en comparación. Otto deja una impresión dulce pero ardiente en su debut cinematográfico y Bruno Lawrence es sólido como el padre cansado del mundo y arrepentido. 

Y el atractivo Harvey (quien fue un gran modelo a fines de los 80 y, al igual que su coestrella de My Own Private Idaho, River Phoenix, trágicamente moriría joven por una sobredosis de drogas) es un héroe suficientemente interesante. En lo que sadamente demostraría ser uno de sus pocos papeles protagónicos. 

6/10

Dark Age (1987)

Años antes de que se hiciera conocido como el aterrador villano de Wolf Creek (2005), un joven John Jarrett se adentraría en el profundo Outback en un tipo de papel muy diferente.

En lugar de ser un cazador vicioso de humanos, Jarrett protagoniza como el pacifista guardabosques Steve Harris, un protector de animales. Principalmente los "cocodrilos" que acechan las aguas de su aislado pueblo ribereño.

Sin embargo, se encuentra en una posición incómoda cuando uno de los "cocodrilos" bajo su jurisdicción empieza a comer personas. Las primeras víctimas (que se podría decir que algo lo tenían coming) son cazadores furtivos en la selva profunda, así que no está bajo demasiada presión. 

Pero la bestia anormalmente grande pronto se desplaza río abajo hacia el muelle del pueblo, lo que lleva a la impactante muerte de un niño (en un momento en el que no hay manera de que lo hagan que golpea fuerte debido a la fantástica edición.) Y luego al puerto de la ciudad más grande cercana. 

De repente, todos están sobre el caso de Steve para que haga algo al respecto. Pero el cocodrilo resulta ser casi sobrenaturalmente astuto y evasivo.

Algo que la población aborigen local (incluyendo a Walkabout’s Gulpil) advierte, creyendo que la criatura es un “cocodrilo soñador.” Una bestia antigua y poderosa que “ningún hombre blanco puede matar.” 

Aún así, después de que se ofrece una recompensa por su captura y “cada yahoo impaciente en el territorio” desciende sobre el área para disparar cualquier “cocodrilo” a la vista, Steve se ve obligado a tomar acciones poco ortodoxas. Y es ayudado en su misión por su antiguo amor, la pragmática antropóloga Cathy (Nikki Coghill).

La relación dinámica entre Steve y Cathy es divertida de ver y ellos intercambian algunos diálogos ingeniosos. Aunque quizás podría haber prescindido de lo que se siente como una escena de sexo obligatoria – Jarrett está demasiado ligado a Mick Taylor en mi mente para que sea otra cosa que incómoda. ¡Pero, admitidamente, está artísticamente filmada (y Jarrett era realmente un bombón en su juventud!)

Al igual que su predecesor “de criaturas” Razorback, Dark Age está basada en una novela. Y, similar a esa película anterior, tiene una robustez que muchos filmes de “Ozploitation” de los 80 carecen.

Los personajes se sienten bien formados, la historia bien tramada, sus temas bien desarrollados. Y, como The Last Wave, aborda sus elementos aborígenes con respeto y cuidado. 

La película está generalmente bien filmada, con algunas escenas de caza de “cocodrilos” nocturnas atmosféricamente iluminadas que toman pistas de Razorback. Y el cocodrilo animatrónico mayormente convincente se usa sabiamente de manera escasa, las secuencias de ataque tomando nota de Jaws y mostrando lo menos posible de la criatura. 

Inicialmente, la banda sonora es refrescantemente relativamente contenida (por estándares de los 80), confiando más en sonidos aborígenes que en sintetizadores y ritmos. Aunque es culpable de indulgarse en esto último con más fuerza en las escenas de acción a medida que avanza la película (era a finales de los 80, así que le daré un pase a la película en este área!)

Puntuación: 7.5/10

The Dreaming (1988)

El Sueño es una de las últimas películas notables con elementos de horror sobrenatural producidas en Australia antes de que la tendencia de Hollywood de finales de los 80 de acción/thrillers y/o películas de ciencia ficción se apoderara por completo del cine australiano. Y hasta que “Ozploitation” fue algo revivido, después de una década de letargo, en los 2000. 

Una edición en DVD de esta película la describió como “en la tradición de La Última Ola.” De hecho, es casi imposible hablar de El Sueño sin mencionar la película anterior de Peter Weir. 

Para empezar, ambas películas centran un protagonista blanco de clase media que comienza a cuestionar su cómoda existencia tras entrar en contacto con el misticismo aborigen. Una cueva oculta durante mucho tiempo llena de artefactos tribales, y las desastrosas consecuencias por retirarlos, también forman parte de ambas historias. 

Sin embargo, donde La Última Ola tenía un ambiente más sutil y cerebral, El Sueño se inclina completamente hacia el horror sobrenatural. Por un lado, hay saltos de susto por doquier (aunque razonablemente creativos y efectivos).

Y la película está llena de secuencias francamente aterradoras. Incluyendo una en la que una mujer fantasmagórica rasga un ventana (en la imagen de arriba), flashbacks históricos inquietantes y perturbadores, y una escalofriante escena climática que involucra un faro que se adentra en el territorio del slasher. 

Aparentemente, la película no siempre estuvo destinada a inclinarse tanto hacia el horror, ya que el co-escritor y director original Craig Lahiff aparentemente dejó la producción tras un “desacuerdo sobre si adoptar un enfoque impactante o uno cerebral.” Eso presumiblemente la habría acercado más a La Última Ola. 

Y el director reemplazo Mario Andreacchio dijo años después que “originalmente era un guion que abordaba, de manera muy contundente, el tema del trato pasado a los aborígenes.” Con Lahiff también comentando que el guion “cambió tanto que no estaba interesado en hacerlo.”

Aun así, lo que obtenemos aún tiene mucho que reflexionar sobre el oscuro pasado de Australia. Y un giro respecto a las verdaderas intenciones de uno de los personajes principales, aunque menos que sutil, deja claro que el horror aún persiste en el presente.

Y The Dreaming está muy bien iluminada y filmada. Las tomas de helicóptero al estilo de Kubrick de Kangaroo Island que abren y cierran la película son impresionantes, y algunas de las escenas interiores son igualmente impactantes. 

La película también está llena de imágenes realmente impactantes y escalofriantes, como el rayos X de un cráneo que de repente cobra vida. Y la visión de un barco ballenero espectral navegando a través de una niebla verde. 

Penny Cook es cautivadora y simpática como la protagonista Cathy, una doctora bien organizada que desciende a una espiral de miedo y duda. Además, tiene un corte de cabello increíble y luce una fabulosa moda de los 80 (¡con muchos hombreras!).

Y Arthum Dignam le da serias vibras de Christopher Lee australiano como su intenso padre arqueólogo. Y tiene más profundidad que en su otra película de horror "Ozploitation" de los 80, Strange Behavior (1981).

En el resto del elenco, John Noble (The Lord of the Rings, Fringe) hace una breve pero bienvenida aparición como un profesor universitario arrogante. Y la joven actriz aborigen Kristina Nehm ofrece una actuación verdaderamente inquietante.

La trama es, admitidamente, un poco chirriante y desenfocada, pero los temas, la atmósfera y las actuaciones son sólidas. La partitura musical gótica también es un agradable cambio de ritmo respecto al exceso de los 80 de las últimas películas que vi. 

Curiosamente, hay algunos paralelismos entre esta y el horror gótico Mārama de este año de Nueva Zelanda. Ambas abordan espíritus, malos augurios y colonizadores enriquecidos por la caza de ballenas enfrentándose a un ajuste de cuentas sobre prácticas históricas vergonzosas. 

Puntuación: 7/10

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