Tuve la suerte de ser invitado a previsualizar un próximo festival de cine al otro lado del charco. Y, aunque su enfoque principal es en promover el talento local, no sorprende que todas las historias tengan una resonancia universal.
El Baltimore Film Summit es un evento de tres días que tiene lugar en el histórico SNF Parkway Theatre de la ciudad, exhibiendo a los mejores cineastas de Baltimore de la última década en narrativa, documental y animación.
La cumbre comienza con la premiere en Baltimore de la comedia de terror Friday the 69th (2026), a la que más tarde le dedicaré una reseña completa. Continúa con proyecciones de bloques de cortometrajes con nombres como “Conexiones Extrañas” y “Orgullo y Prejuicio”. También hay espacio para un par de proyecciones especiales y de reestreno, incluyendo la película ambientada en Baltimore de 1982 Diner.
Divulgación completa: Nunca he puesto un pie en el estado de Maryland, y mucho menos en Baltimore. Gran parte de mi conocimiento sobre la ciudad proviene, apropiadamente, del cine. Más prominentemente de películas de John Waters como Hairspray de 1988 y su más brillante adaptación musical de Hollywood de 2007.
La canción de apertura de esa película describe alegremente el Baltimore de los años 60 como infestado de ratas y lleno de pervertidos y borrachos, ¡lo cual es un poco desagradable! Pero fue increíblemente inspirador, de adolescente, ver a Tracy Turnblad luchar por ejercer su derecho a “bailar y agitar lo mejor que puedo” junto a otros bailarines apasionados de la comunidad afroamericana en la televisión en vivo.
Sin embargo, incluso los espectadores un poco cínicos podrían deducir que se necesitaría más que un número de canción y baile para reparar las profundas divisiones raciales y socioeconómicas de la ciudad. Lo cual prácticamente todo el planeta es bien consciente, gracias (?) al aclamado programa de televisión The Wire.
También he visto representaciones ligeramente más contemporáneas de Baltimore suburbana en las películas de Waters, como la seminal, severamente subestimada y hilarantemente cómica sátira Serial Mom (1994). O de los coloridos habitantes del vecindario de Hampden, visto a través de la lente del personaje titular de Pecker (1998).
Pero, de alguna manera, nunca había visto la tetralogía de “Películas de Baltimore” del hijo nativo Barry Levinson. Y, aunque estaba al tanto de Liberty Heights de 1999 (principalmente por la participación del talentoso bombón Ben Foster en un papel temprano!), nunca había oído hablar de Diner.
Dado que está ambientada en los días previos a la víspera de Año Nuevo de 1959, pensé que el Baltimore de mediados de siglo era un buen lugar para comenzar mi reintroducción cinematográfica a la ciudad.
Reestreno de Diner
Lo que más impacta de Diner a primera vista es la increíble lista de talento en pantalla que Levinson logró reunir antes de que muchos de ellos se convirtieran en nombres conocidos más adelante en la década y más allá. Las estrellas de la película incluyen a Mickey Rourke, Kevin Bacon, Steve Guttenberg, Daniel Stern de Home Alone, y Paul Reiser (vistos recientemente en el exitoso programa de Amazon The Boys).
La trama (muy vaga) se centra en un grupo unido de amigos de edad universitaria que frecuentan el restaurante titular en los días previos a la boda de uno de sus miembros, mientras se entregan a lo que básicamente equivale a charlas de vestuario, así como reflexiones sobre el futuro.
El casual machismo en la película definitivamente no ha envejecido bien. Tampoco el hecho de que las pocas personajes femeninas están allí en gran medida para servir a los considerables egos de los hombres, aparte de Barbara, interpretada por Kathryn Dowling, que se muestra como una productora de televisión ferozmente independiente.
Beth, interpretada por Ellen Barkin, tiene la mayor cantidad de tiempo en pantalla, y la actriz es una presencia dulce y comprensiva. Pero Levinson perjudica al personaje al tenerla desestimar de manera casual algunos de los comportamientos más cuestionables de los hombres.
Y la novia, aunque se habla de ella con frecuencia, nunca se muestra completamente en cámara, su rostro está oculto en las pocas tomas que conseguimos de ella. Quizás Levinson estaba haciendo algún tipo de declaración sobre la incertidumbre del futuro. Pero aún así parece un poco despectivo hacia las mujeres, y no puedes evitar sentir que, para una película con un elenco tan grande, le falta mucho la perspectiva femenina.
Además, Levinson ocasionalmente se detiene en las personas de clase trabajadora que realizan su trabajo en silencio en el fondo sin quejarse; una camarera rellenando botellas de ketchup, un soldado durmiendo en un banco de la estación de tren, un músico de jazz negro levantando cansadamente una trompeta a sus labios. En contraste, el banter egocéntrico de los amigos parece increíblemente privilegiado.
Pero, me informan, Diner aún resuena y tiene una base de fans devota entre el público objetivo al que claramente estaba dirigido: hombres blancos de clase media heterosexuales.
Y la película de Levinson definitivamente aún tiene mérito. Aunque, como dijo la legendaria crítica Pauline Kael, “No es notable visualmente,” es una gran vitrina para los actores masculinos, quienes fueron animados a crear amistad antes del rodaje y se les permitió en gran medida improvisar su propio diálogo. Y la camaradería que desarrollaron brilla con fuerza.
Levinson también tiene cosas interesantes que decir sobre la fragilidad de la construcción masculina. Boogie, el personaje de Rourke, está preocupado por presumir de sus muchas conquistas sexuales y siempre está buscando más, incluso cuando su adicción al juego se descontrola y amenaza con descarrilar su vida.
Cuando su acreedor lo alcanza, está en su trabajo diario en, irónicamente, un salón de belleza. Y es golpeado hasta la sumisión en un callejón con un peine rosa sobresaliendo de su bolsillo de la camisa.
Al menos, al final de la película, parece haber aprendido algunas lecciones sobre su trato hacia las mujeres. Después de decidir que un espectáculo de mirones planeado para sus amigos es incorrecto, se le ve montando a caballo junto a una mujer fuerte y serena a quien trata como a un igual, no solo como una potencial conquista en la que pueda hacer una apuesta.
Conexiones Extrañas
Según el programa del festival, este bloque de cortos está “diseñado como un viaje.” Pero donde hay lazos entre cada corto, también se extienden enlaces claros a otras áreas de la programación del Film Summit.
La escritora/directora Samantha Aben’s Drifting se siente como una pieza complementaria directa a Diner. Dos amigos adultos, Dom y Mac, se reencuentran en un lugar que solían frecuentar, en este caso una pista de patinaje, para ponerse al día y recordar sus días de secundaria.
Mac ha avanzado y ha mejorado en la vida y ahora está preocupado por la carga de las responsabilidades adultas. Dom, al igual que el personaje Fenwick de Kevin Bacon en Diner, está firmemente atascado en el pasado y no está usando su considerable inteligencia para nada tangible.
Dom termina el corto donde comenzó, fumando hierba en un porche. Pero parece perfectamente contento con eso, mientras Mac se aleja con el ceño fruncido.
Mientras tanto, el protagonista de Zachary Michel‘s comedia He’s a Big Boy Now es esencialmente una versión moderna del Boogie de Rourke, en el sentido de que parece pensar que una conquista sexual lo curará de todo lo que lo aflige. Y cuando la seducción no sale como se planeó, su frágil ego se desmorona.
El asqueroso, pero también sorprendentemente dulce y esperanzador, Peanut Head (2023) explora sentimientos de inadequación sexual tocados en otros lugares de este bloque. Y presume de una actuación canina digna de elogio, de un muy entusiasta golden retriever, que compite con el premiado papel del perro Indy en la reciente película de terror Good Boy.
La historia de Angel Christie Williams, Charlotte, sobre el intento de una adolescente insegura de hacerse amiga de una chica popular y los sentimientos que surgen cuando se acercan, paralela a los temas explorados en el bloque de “Orgullo y Prejuicio”. Aunque obstaculizada por un final bastante abrupto y vago, el corto muestra una actuación tierna y matizada de Zayden Bates.
El bloque también presenta dos cortos de la animadora Amelie Wang, No es una muñeca y El sonido de Amelie. Este último es la historia autobiográfica de una chica que encuentra aceptación y pertenencia en una producción china itinerante de El sonido de la música.
A primera vista, el corto ambientado en China parece fuera de lugar en una alineación principalmente preocupada por contar historias de Baltimore, o al menos americanas. Pero, en su representación de la juventud descubriendo una manera de expresarse a través de la música y el baile, tiene claros paralelismos con la proyección especial del documental de largometraje del Film Showcase, Dark City Beneath the Beat (2020).
El Funeral de Bob (2024)
A pesar de ser parte del bloque “Conexiones Extrañas”, sentí que este documental de animación híbrida divertido, perspicaz y profundamente conmovedor merecía un enfoque especial por su cuenta.
El Funeral de Bob, ganador del Premio del Jurado por Cortometrajes en Sundance 2024, sigue a Jack Dunphy, un autoproclamado documentarista compulsivo, mientras graba a su familia antes, durante y después del funeral de su abuelo por parte de padre, Bob.
Un hombre que, según todas las cuentas, era un ser humano aterrador y poco amable que fracturó irreparablemente a su familia. Y Jack lucha en vano para que su padre Mark o los hermanos distanciados de su padre digan una palabra positiva sobre Bob.
Algo que se pone en fuerte contraste cuando Jack comienza a recopilar anécdotas sobre Mark, quien tristemente fallecería solo cinco meses después del funeral de su propio padre.
Una exploración a veces incómoda del trauma intergeneracional, El Funeral de Bob también está llena de humor franco y autocrítico: Dunphy pasa una buena parte de la película reflexionando sobre su decepción de no haber heredado el pene considerablemente más grande de su padre (que, gracias a Dios, solo se representa en animación recortada!)
Si bien comienza centrada en Bob, el corto finalmente se transforma en una celebración alegre de la vida de Mark. Nos deja con el recordatorio sobrecogedor de que, como dice Dunphy: “El éxito de un hombre puede medirse por cuántas personas lo lloran.”
Orgullo y Prejuicio
Este bloque de cortometrajes del Festival Internacional de Cine Negro de Baltimore (BIBFF) presenta películas “dirigidas, producidas y protagonizadas por afroamericanos y miembros de la diáspora africana.” El festival también tiene la misión de “destacar y celebrar películas con contenido de interés para la comunidad de Amor del Mismo Género – Lesbianas, Gays, Bisexuales y Transgénero (SGL-LGBT).”
Como hombre gay, pensé que esta selección de películas era probablemente donde encontraría historias con las que podría identificarme más. Y solo tenía razón en parte, porque como ser humano (quien lo hubiera pensado), encontré algo que resuena en todas las películas que vi.
Aún así, un par de los cortos presentados aquí dieron particularmente en el clavo. El miedo a la desaprobación y la incomoda navegación de la homofobia casual mostrada en Ladies Day (2018) de la escritora/directora británica Abena Taylor Smith es demasiado familiar. Así que es digno de celebrar cuando la protagonista Amma finalmente decide enfrentarse a las mujeres críticas que chismosean en su salón de belleza.
Y luego está el excelente Marz (2017) de Bobby Yan, una historia bien escrita sobre un rapero en el armario al borde de la fama. El actor principal Jade Yorker transmite de manera palpable los sentimientos de vergüenza, confusión y aislamiento que yo mismo sentí en mi adolescencia.
La película está bellamente filmada y iluminada, y también toca las limitadas opciones disponibles para los jóvenes negros en barrios pobres de la ciudad, así como los peligros a los que se enfrentan. Un tema que es muy prominente en la última película que voy a reseñar.
Dark City Beneath the Beat
Dirigida por la talentosa multiartista TT The Artist, quien también aparece en pantalla para hablar sobre su misión de llevar Baltimore club al mundo, Dark City Beneath the Beat es un retrato vibrante y bien redondeado de las personas que caminan por las calles de la ciudad y de los sonidos que agitan sus sueños y encienden sus pasiones.
Comienza con una entrevista a una mujer que profesa su amor eterno por su ciudad, incluso después de reconocer que, al igual que la ciudad que llamo hogar, Barcelona, y realmente cualquier gran centro metropolitano, “Es bueno y malo.” Y una tarjeta de título nos informa que: “Hay mil maneras de contar esta historia.”
Quizás TT The Artist no logra alcanzar esa ambición elevada, pero ciertamente lo intenta con buen esfuerzo. La película perfila a docenas de artistas musicales y bailarines involucrados en la escena de música club de Baltimore de maneras innovadoras que les permiten mostrar su talento.
Tampoco se aleja de mostrar las razones por las cuales los jóvenes negros en particular recurren a este género musical local: como una forma de escapar de las duras realidades de las calles, especialmente el perfil racial y la violencia armada.
La película destaca una serie de programas que fomentan y nutren el talento musical y de baile en la ciudad, pero también resalta las barreras a su éxito, especialmente la falta de financiación y orientación sobre cómo obtener las subvenciones que están disponibles.
Al final del documental, me quedó la impresión de que la proclamación que hice al principio de este artículo podría estar equivocada. Quizás la canción y el baile son capaces de sanar las heridas de Baltimore después de todo. ¡Solo denles más dinero ya!
Si no vives cerca de Baltimore y no puedes llegar al Film Summit para ver Dark City Beneath the Beat en la pantalla grande, no te preocupes: esta película siempre relevante y vital ya está disponible en Tubi, Netflix, y Apple TV. ¡Así que mírala!
El Baltimore Film Summit se lleva a cabo en el SNF Parkway Theatre del 29 al 31 de mayo.
