Dark City Beneath the Beat y otros momentos destacados del Baltimore Film Summit

Tuve la suerte de ser invitado a previsualizar un festival de cine al otro lado del charco. Y, aunque su enfoque principal es promover el talento local, descubrí que todas las historias tienen una resonancia universal.

El Baltimore Film Summit es un evento de tres días que se lleva a cabo en el histórico SNF Parkway Theatre de la ciudad, exhibiendo a los mejores cineastas de Baltimore de la última década en narrativa, documental y animación.

La cumbre comienza con el estreno en Baltimore de la comedia de terror Friday the 69th (2026), a la que más tarde dedicaré una reseña completa. Continúa con proyecciones de bloques de cortometrajes con nombres como “Strange Connections” y “Pride and Prejudice.” También hay espacio para par de proyecciones especiales y de recuperación, incluyendo el filme de 1982 ambientado en Baltimore Diner.

Divulgación completa: No he puesto un pie en el estado de Maryland, y mucho menos en Baltimore. Mucho de mi conocimiento de la ciudad proviene, apropiadamente, del cine. Más notablemente de películas de John Waters como Hairspray de 1988 y su glamurosa adaptación musical de Hollywood de 2007.

La canción de apertura de esa película describe alegremente a Baltimore de los años 60 como infestada de ratas y llena de pervertidos y borrachos, lo cual es un poco desagradable. Pero fue increíblemente inspirador como adolescente ver a Tracy Turnblad luchar por ejercer su derecho a “sacudir y menear lo mejor que pueda” junto a otros bailarines apasionados de la comunidad afroamericana en vivo por televisión.

Sin embargo, incluso los espectadores un poco cínicos podrían deducir que tomaría más que un número musical para reparar las profundas divisiones raciales y socioeconómicas de la ciudad. Lo cual prácticamente todo el planeta es consciente gracias (?) al aclamado programa de televisión The Wire.

También he visto representaciones ligeramente más contemporáneas del Baltimore suburbano en las películas de Waters, como la seminal, severamente subestimada y hilarante sátira Serial Mom (1994). O de los coloridos habitantes del vecindario Hampden, visto a través de la lente del personaje del título de Pecker (1998).

Pero, de alguna manera, nunca había visto la tetralogía de “Películas de Baltimore” de Barry Levinson, hijo nativo. Y, aunque sabía de Liberty Heights de 1999 (sobre todo por la participación del talentoso galán Ben Foster en un papel temprano), ¡nunca había oído hablar de Diner.

Dado que se ambienta en los días previos a la víspera de Año Nuevo de 1959, pensé que el Baltimore de mediados de siglo era tan buen lugar como cualquier otro para comenzar mi reencontrado cinematográfico con la ciudad.

Reestreno de Diner

Lo más sorprendente de Diner a primera vista es el increíble elenco de talento en pantalla que Levinson logró reunir antes de que muchos de ellos se convirtieran en nombres conocidos más adelante en la década y más allá. Las estrellas de la película incluyen a Mickey Rourke, Kevin Bacon, Steve Guttenberg, el Daniel Stern de Home Alone, y Paul Reiser (visto recientemente en el exitoso show de Amazon The Boys).

La trama (muy suelta) gira en torno a un grupo unido de amigos en edad universitaria que frecuentan el restaurante titular en los días previos a la boda de uno de sus miembros, mientras se entregan a lo que básicamente equivale a hablar de vestuario, así como divagaciones sobre el futuro.

El casual machismo en la película definitivamente no ha envejecido bien. Tampoco el hecho de que los pocos personajes femeninos están allí en gran medida para servir a los considerables egos de los hombres, aparte de Barbara, el personaje de Kathryn Dowling, quien se muestra como una productora de televisión ferozmente independiente.

Beth, interpretada por Ellen Barkin, es la que más tiempo de pantalla tiene, y la actriz es una presencia dulce y simpática. Pero Levinson hace un mal servicio al personaje al hacer que ella minimice casualmente algunos de los comportamientos más cuestionables de los hombres.

Y la novia, aunque se habla de ella con frecuencia, nunca se muestra completamente en cámara, su rostro está oculto en las pocas tomas que obtenemos de ella. Quizás Levinson estaba haciendo algún tipo de declaración sobre la incertidumbre del futuro. Pero todavía se percibe como un poco despectivo hacia las mujeres, y no puedes evitar sentir que, para una película con un elenco tan grande, le falta dolorosamente una perspectiva femenina.

Además, Levinson ocasionalmente se detiene en personas de clase trabajadora que realizan sus tareas en el fondo sin queja; una mesera rellenando botellas de ketchup, un soldado durmiendo en un banco de una estación de tren, un músico de jazz negro levantando con cansancio una trompeta a sus labios. En contraste, la charlas egocéntricas de los amigos suena increíblemente privilegiada.

Pero, me informan, Diner todavía resuena y tiene una base de fans devota en el público objetivo al que claramente se dirigió: hombres blancos de clase media y heterosexuales.

Y la película de Levinson ciertamente aún tiene mérito. Aunque, como dijo la legendaria crítica Pauline Kael, “No es visualmente notable,” es una gran exhibición para los actores masculinos, quienes fueron alentados a unirse como amigos antes del rodaje y se les permitió improvisar en gran medida sus propios diálogos. Y la camaradería que desarrollaron brilla con fuerza.

Levinson también tiene cosas interesantes que decir sobre la fragilidad de la construcción masculina. Boogie, interpretado por Rourke, está preocupado por presumir de sus numerosos conquistas sexuales, y siempre está en busca de más, incluso cuando su adicción al juego se sale de control y amenaza con descarrilar su vida.

Cuando su acreedor lo alcanza, está en su trabajo diario, irónicamente, en un salón de belleza. Y es golpeado hasta la sumisión en un callejón trasero con un peine rosa sobresaliendo de su bolsillo de la camisa.

Al menos, al final de la película, parece haber aprendido algunas lecciones sobre su trato hacia las mujeres. Después de decidir que un espectáculo de sexos planeado para sus amigos es incorrecto, se le ve montando a caballo junto a una mujer fuerte y serena a quien trata como una igual, no solo como una posible conquista en la que puede hacer una apuesta.

El Funeral de Bob (2024)

Aunque forma parte del bloque "Conexiones extrañas", sentí que este divertido, perspicaz y profundamente conmovedor documental de animación híbrida merecía un foco propio.

El Funeral de Bob, ganador del Short Film Jury Award en Sundance 2024, sigue a Jack Dunphy, un autodenominado documentarista compulsivo, mientras graba a su familia antes, durante y después del funeral de su abuelo paterno Bob.

Un hombre que, según todos los informes, era un terror humano que no se podía querer y que fracturó irremediablemente a su familia. Y Jack lucha en vano por conseguir que su padre Mark o los hermanos distantes de su padre digan una palabra positiva sobre Bob.

Algo que se pone en fuerte contraste cuando Jack comienza a recopilar anécdotas sobre Mark, quien trágicamente fallecería apenas cinco meses después del funeral de su propio padre.

Una exploración a veces incómoda del trauma intergeneracional, Bob's Funeral también está llena de humor franco y autocrítico: Dunphy pasa una buena parte de la película reflexionando sobre su decepción de no haber heredado el pene considerablemente más grande de su padre (que afortunadamente solo se representa en animación recortada!)

Aunque comienza enfocado en Bob, el cortometraje finalmente se transforma en una celebración alegre de la vida de Mark. Nos deja con el recordatorio sobrio de que, como lo expresa Dunphy: “El éxito de un hombre puede medirse por cuántas personas lo lloran.”